deconarch

British Photographer Ben Murphy portrayed Niemeyer’s UN building, prior to the major renovation of the building in 2007. Over a period of 15 months, Murphy worked his way around the building. In more than 100 photographs, he has managed to capture what he calls ‘a certain melancholic beauty’: Architecturally speaking, the building bears the heavy imprint of the UN’s early vision.

courtesy Stieglitz19

Ben Murphy | UN BUILDING
21/1 – 26/2/2012
Stieglitz19 | Dries Roelens, Antwerpen, Belgium
www.stieglitz19.be

 
PR Text: British Photographer Ben Murphy was determined to get inside the UN building, prior to the major renovation of the building in 2007. Over a period of 15 months, Murphy worked his way around the building, taking photographs on 5×4 and 6×7 plate camera. In more than 100 photographs, Murphy has managed to capture what he calls ‘a certain melancholic beauty’.

courtesy Stieglitz19

Architectururally speaking, the building bears the heavy imprint of the UN’s early vision. ‘I’m saddened that the post war ideal didn’t materialise’ , Murphy says. And that the building is decaying and this beautiful space is going to change. But it’s like a museum. It no longer represents the real world. It was one of the earliest projects of the upcoming young Brazilian architect Niemeyer, the famous project 23.

Ben Murphy has achieved praise for his series ‘Riverbed’, pictures shot in a Spain.The series was about a post colonial settlement in Andalusia, a colony of British. New age travellers in the wasteland of Spain. Due to the series, he got a fund from the Grant Foundation in Chicago to work on Tent Cities in the United States. The works will be on show at the Photographers Gallery in London at at the Stieglitz19 Gallery. Works of Ben Murphy are in the permanent collection of the National Portrait Gallery, the Victoria and Albert Museum. He has also been shortlisted for the Sovereign Price. He is presently working on a series on hippie communities in Spain.

Info + illus. courtesy Stieglitz19

The subject of French photographer Philippe Calandre ’s series Fiction Factory are cement factories. Taken in frontal views, these buildings become material for fictive compositions. Placed in surreal surroundings, these imaginary factories turn in to fantastic places, making us think of another industrial history.

Check wikipedia for an English summary of Ph. Calandre’s bio and work.

Philippe Calandre, Fiction factory 1

Philippe Calandre | Fiction Factory 
Jason Langer | Secret City

10 January – 8 February 2012

Galerie Esther Woerdehoff, Paris

www.ewgalerie.com

PR-Text: Embarqué a 16 ans comme mousse sur un bateau, Philippe Calandre sillonne les mers du globe avant de revenir en France pour raison de santé. Bloqué à terre, il trouve dans la pratique artistique et surtout dans la photographie un moyen de s’évader par la créativité. Il choisit de faire de la photographie son métier, alternant ses recherches personnelles et son travail de photographe de presse. En parallèle de ses séries photographiques, Philippe Calandre réalise également des vidéos teintés d’humour noir, organise de nombreuses expositions et dirige un festival itinérant consacré à l’architecture du littoral. Il prend position pour des formes de photographies alternatives et soutient le mouvement foto povera. En 2000, le Fonds National pour l’Art Contemporain fait l’acquisition de sa série Ghost Stations, portraits de stations services abandonnées au bord des routes dont les images semblent surgir lentement de la surface des photographies.

Philippe Calandre, Fiction factory 7

Pour cette série Fiction Factories , Philippe Calandre a pris comme sujet des usines de ciment. Ces prises de vues d’architectures d’une objectivité totale sont ensuite utilisées comme un matériau pour imaginer et créer de toutes pièces des usines fictives, atemporelles, plus proches des jouets-maquettes que des lieux concrets de production. Le photographe place ses usines imaginaires dans des décors irréels, les détachant encore leur fonction première. Devenues des monuments, colorées de teintes acidulés ou d’une sobriété monochrome, les Fiction Factories nous invitent a imaginer une histoire, loin de la poussière et du bruit de leur réalité industrielle.

The second part of the presentation is dedicated to Jason Langer | Secret City.

Info +illus. courtesy Galerie Esther Woerdehoff

The “Pallasseum” complex in Berlin-Schöneberg, built in the 1970s, is, if at all, heard of for its social situation. About 2000 people from all cultures, religions and social levels are living closely. The five photographers Behrendt, Jenssen, Meyer, Morawski und Sztankovits portrayed the inhabitants, showing a characteristic profile of this Berlin location.

 
PALLASSEUM PORTRAITS

EIN FOTOGRAFISCHES AUSSTELLUNGSPROJEKT VON NORMAN BEHRENDT, OLE JENSSEN, CAROLIN MEYER, TOBI MORAWSKI UND SZILVIA SZTANKOVITS

20.—29. Januar 2012

Galerie Walden, Berlin

zeitgleich wird eine Auswahl großformatiger Porträts direkt am Pallasseum an der Galerie über der Pallasstraße im öffentlichen Raum zu sehen sein.

Pallasseum

PR-Text: Ähnlich anderen großen Wohnungsbauprojekten wie etwa die ‚Cité Radieuse’ in Marseille, das ‚Edifício Copan’ in São Paolo oder das ‚Barbican’ in London ist das sogenannte ‚Pallasseum’ in Berlin-Schöneberg ein Ort, dessen architektonische Form und Konzeption dem Zusammenleben der dort lebenden Menschen außergewöhnliche Rahmenbedingungen bietet. In dem in den späten 1970ern von Jürgen Sawade errichteten Gebäudekomplex, der mitunter als sozialer Brennpunkt in die Schlagzeilen geriet, treffen ca. 2.000 Menschen zahlreicher Kulturen, Religionen und sozialer Schichten auf engstem Raum aufeinander, wobei eine bunte Mischung unterschiedlicher Lebensentwürfe und -vorstellungen ihren Platz finden.

Über einen Zeitraum von mehreren Wochen im Frühsommer 2011 haben sich die fünf Fotografen Behrendt, Jenssen, Meyer, Morawski und Sztankovits den Bewohnern des ‚Pallasseums’ gewidmet und über das Angebot, ihnen professionelle Bilder zu eigenem Gebrauch als Gegenleistung zu bieten, hunderte von Porträts anfertigen können. Darauf sind Frauen, Männer und Kinder aus allen Altersklassen und Kulturkreisen zu sehen, die im Gebäude leben und arbeiten. Es entstand eine einzigartige Sammlung von Porträts, welche annähernd die bunte Vielfalt der dort lebenden Menschen verdeutlicht. Eine Auswahl dieser Arbeiten ist in der Ausstellung ‚Pallasseum Portraits’ zu sehen. Sie zeigt einen charakteristischen Querschnitt der Menschen, welche diesen besonderen Ort in Berlin prägen. Im Unterschied zum alltäglichen Nebeneinander, bei dem Nationalität, Religiosität, äußeres Erscheinungsbild und politische Ausrichtungen weiterhin als wesentliche Bestimmungs- und Abgrenzungsmerkmale im Zusammenleben der Bewohner angewendet werden, stellen die Fotografien mit ihrer einheitlichen Ästhetik die Porträtierten auf ein und dieselbe Ebene. Durch diese Betrachtungsweise nivellieren sich zunächst die vordergründigen Unterschiede und geben jeder/jedem Einzelnen die gleichberechtigte Aufmerksamkeit, die ihr/ihm zusteht.

Mit ihrem Projekt haben die Fotografen ein nahezu umfassendes Abbild der aktuellen Bewohnerschaft des ‚Pallasseums’ geschaffen und geben so Einblick in die internen Strukturen des Wohnkomplexes. Es ist damit die Dokumentation der modellhaften Durchmischung von Wohnquartieren, eines sozialen Experiments, welches trotz seiner potentiell problematischen Implikationen aufgrund des Engagements seiner Bewohner mehr oder minder zu funktionieren scheint. Das ‚Pallasseum’ ist somit ein Ort des Nebeneinanders, welches zwar nicht immer reibungslos verläuft, bei dem sich jedoch zeigt, dass sich die beteiligten Kulturen miteinander arrangieren können. Das Projekt selbst hat mit seinem kommunikativen Ansatz zu diesem Miteinander beigetragen und Berührungsängste der Bewohner – sowohl untereinander als auch mit dem Medium der Fotografie – abgebaut. (Text / Daniel Klemm)

Info + illus. courtesy Pallasseum Portraits

Ein deconarch.com-Interview beim Architekturfotoblog! :-)

Marc Dittrich im Deconarch-Interview

Fritz Höger nannte man den Klinkerstricker, Marc Dittrich kann man als Häuserflechter bezeichnen. Der Künstler verfremdet auf ungewöhnliche Weise Architekturfotos von monotonen Hochhausfassaden, indem er diese vergrößert, in feine horizontale und vertikale Streifen schneidet und diese anschließend zu neuen perspektivischen Ansichten verwebt. In einem Interview des Blogs deconach erläutert Marc Dittrich seinen künstlischen Ansatz.
Weiter lesen …

André Cepeda captures chaotic, claustrophobic interiors, marks of self-destruction, moments of reinterpretation of still lives and thereby shatters the conventionality of private spaces as we know them. He photographs the so-called islands of Porto, characteristic architectures of the late 19th century and the early 20th century: behind a nondescript street entrance, we find a long line of houses offering minimum conditions of habitability, thus creating a small self-enclosed urban nodule, similar to the famous English back-to-back houses.

Ontem
by André Cepeda

14th January – 25th February 2012

Galerie Invaliden 1, Berlin

PR Text: It is curious when artists embark upon individual works that require many years to be completed. In the world of contemporary photography several examples of spectacular commissions that result in monographic works that offer a more or less tensive response to the original brief can be found. I remember discussing this project with André Cepeda about four years ago. A handful of his pictures were linked to spaces in the city of Porto, where we both lived, and despite being exterior settings, they achieved to provide a sense of intimacy: interior patios, plants in small open-air recesses, elements of exasperating banality to which the artist conferred it’s intrinsic dignity.

I soon realised that he intended to systemise his wanderings through the city, as it was perceived by the artist himself but without revealing the area’s inner reality. He began a process of physical demarcation of the territory, meeting inhabitants who normally remain hidden from passers-by. One of the typical phenomena of Porto’s urban development of the late 19th century and the early 20th century is the so-called islands: behind a nondescript street entrance, we find a long line of houses offering minimum conditions of habitability, thus creating a small self-enclosed urban nodule (very different from workers’ houses in comparable neighbourhoods in Lisbon, that were structured around central courtyards). This urban design mimics patterns found at the dawn of the Industrial Revolution in the United Kingdom (the famous back to back houses), but normally embodies a smaller and more wretched vision. These developments were carried out in response to Porto’s growing industrialisation, but now they are obsolete, left as relics of industrial archaeology. The working class has effectively disappeared and these areas nowadays belong to a significant subset of the elderly, unemployed or economically under-privileged.

Nevertheless, it should be emphasised that there is often a strong sense of community in such neighbourhoods and some of these areas now have considerably more pleasant conditions than those existing at the time of their construction, where basic sanitation and plumbing were achieved at best via improvised shared solutions. André Cepeda began his work on the basis of this specific territorial and urban demarcation. As I explained above, I was impressed by the way in which the project was developed: its conceptual rigour and discipline obliged the artist to spend days on end looking for places that held significance for him, looking for details that he expertly captures and which immediately endow a sense of pungent universality to the picture in question.

… (read on LINK)

Info + illus. courtesy Invaliden 1

Hong Kong Blindspot Gallery presents “Memory and Fiction”, featuring Wong Wo Bik, one of Hong Kong’s most accomplished photographers, as well as one of a small number of female photographers active in the territory. She documented historical architecture threatened by demolition in Hong Kong. The retrospective exhibition features selected works of Wong dated from the 1980s, including photographs of Hong Kong’s historical and notable landmarks, such as Lai Yuen Amusement Park and the Eu family mansions that were now demolished, and the Main Building of the University of Hong Kong.

Wong Wo Bik, Man Descending from Spiral Staircase, HKU Hostel, 1990

Wong Wo Bik
Memory and Fiction
11 January – 4 February 2012
Blindspot Gallery, Hong Kong

www.blindspotgallery.com

Wong Wo Bik, Window, Euston Mansion, Bonham Road, Hong Kong, 1984

PR Text: Since the 1980s, Wong took all possibilities to photograph historical architecture threatened by demolition in Hong Kong. “I paid particular attention to landmarks or buildings that were not considered ‘built heritage’, but carried historical significance or were once frequented by locals. Because their demolition was inevitable, the only thing I could do was to document them photographically. It was for me of paramount importance to capsulate them in the photographic space1,” Wong says. Yet Wong’s photographs of these architectures are not merely documentary of history, they are also the artist’s subjective narrative of her personal experiences at these sites, as well as depiction of traces left behind by others.

Wong Wo Bik, Central Station, New York City, U.S.A., 2006

As curator Eve Tam rightly described, “In their (Wong’s architectural photographs) refusal to capture places in a formal documentary manner, Wong’s photographs are more like spontaneous, free-flowing narratives recounted in a stream of consciousness. Sometimes the images evoke the psyche of the building/site representative of the cultural and mental reality of its time and inhabitants. At times, they recall a world lost, forgotten, abandoned. And at still other times, they exist as fragments of an immediate world transformed into rich fantasy₂.”

Greatly influenced by filmmaking, Wong stretches her creativity to manipulate the environment or settings for her photographs. This directorial approach has been a consistent thread in Wong’s diverse body of work. Flash of light and long exposure are always used to create tangible and intangible effects, transforming the reality into fiction.

Wong Wo Bik, Beauty and Snow, Lai Yuen Amusement Park, Hong Kong, 1997

Wong has dedicated a majority of her photography series to the subject of architecture over the years, perhaps, as she finds architecture and photography are both functional and cultural in form, creative and imaginative in concept. They also both relate the individual to the collective, and form part of a visible memory and history.

About Wong Wo Bik
A truly multifaceted artist, Wong received her BFA in sculpture and printmaking from the Columbus College of Art and Design, Ohio in 1977 and MFA in photography (minor in filmmaking) from the Tyler School of Art, Temple University in the United States in 1979. Wong has had a long and active career as a photographer, curator, researcher and art educator. She is the fellowship recipient of Asian Cultural Council (ACC) and Institute of International Education (IIE) in 1994 and 1995 respectively. Wong is one of the founding members of Hong Kong Photo Festival (Hong Kong Photographic Culture Association), and she has been the Museum Honorary Advisor for the Leisure and Cultural Services Department since 1996. Her work is collected by the Guangdong Museum of Art and the Hong Kong Heritage Museum. Wong currently lives and works in Hong Kong.

Info + all images of the artist and Blindspot Gallery

“Transglobal Line” is the second exhibition of the series “Grenzüberschreitung” organized by a collective of fine artists of the city of Esslingen. The show combines works by five artists from South Korea, USA and Germany, dealing with questions of their own global networking.
Among them is Marc Dittrich whose “braided” photo houses were introduced on deconarch.com in December. 

Grenzüberschreitung #02 – Transglobal Line

Flechthaus (Leonberg) (c) Marc Dittrich

 
 
 
Bahnwärterhaus, Galerien der Stadt Esslingen
Samstag, 07.01. bis Sonntag, 29. Januar 2012

mit
An Eugene, Daegu, Südkorea
Choung Guk Lee, Stuttgart
Marc Dittrich, Esslingen
Hyunji Jiya Gahng, Chicago, USA
Seung-hyun Kim, Daegu Südkorea

www.ahbke.de

PR-Text: “Transglobal Line”, die zweite Ausstellung der Reihe “Grenzüberschreitung” findet ab dem 7. Januar 2012 im Bahnwärterhaus in Esslingen statt.

An Eugene: "Ouch", Videostill

Fünf Künstlerinnen und Künstler aus Daegu in Südkorea, Chicago, USA sowie Stuttgart und Esslingen, die sich bereits 2010 während eines Projekts in Südkorea kennengelernt haben, thematisieren in der Ausstellung das eigene vernetzt sein rund um den Globus.
“Wie trifft man sich heutzutage auf einen Kaffee?” fragen sich die derzeit in Chicago lebende Hyunji Jiya Gang und die Koreanerin An Eugene in ihrer gemeinsamen Videoarbeit. Marc Dittrich sucht in seinen Flechtarbeiten die Grenze zwischen Privatsphäre und Öffentlichkeit in Sozialen Netzwerken. Gemeinsam mit dem in Stuttgart lebenden Maler Choung Guk Lee spannen sie, ausgehend vom Bahnwärterhaus, eine gedachte Linie rund um den Globus.

Sonntag, 22. 01.2012, 11.00 Uhr
Heute werden kulinarische Analogien beim schwäbisch-koreanischen Maultaschen kochen gesucht.

Finissage
Sonntag 29.01.2012, 16 – 18 Uhr

Ein Projekt des ahbke mit freundlicher Unterstützung durch das Kulturreferat und die Galerien der Stadt Esslingen.

Info + illus. courtesy ahbke

Carlo d‘Orta is fascinated of the world seen through the distortion mirror of modern architecture. He takes photos of glass planes, yet his shots only seem to show details of facades. d’Orta’s main subject is the other, the one vis-a-vis. Stuttgart photo gallery f75 presents his “Spiegelungen” (reflections) in January and February.

(c) Carlo d’Orta

 
 
 
 
Carlo d’Orta| Spiegelungen

12. Januar bis 17. Februar 2012
f75, Stuttgart
 
 
 
 
 
 

(c) Carlo d’Orta

PR-Text: Carlo d‘Orta ist fasziniert von der Welt im Zerrspiegel moderner Architektur. Er hält mit der Kamera auf die Glasflächen, doch seine Fotos zeigen nur zum Schein die Fassadenausschnitte. Eigentlich geht es ihm um das Gegenüber. Und das nicht etwa sauber gespiegelt, sondern leicht verfremdet – denn Gläser sind keineswegs perfekt planparallel, sondern den jeweiligen inneren Spannungen folgend leicht gewölbt, mal konvex, mal konkav, mal beides. Und in der Summe entstehen dadurch meist sehr rätselhafte, grafisch reizvolle Abbilder des jeweiligen Gegenübers.
Carlo d‘Orta wurde 1955 in Florenz geboren und lebt seit 1974 in Rom. Er hat Jura studiert, gehört als Regierungsrat seit 1979 dem Abgeordnetenhaus an und hat u.a. von 2001 bis 2003 das Nationale IT-Zentrum der öffentlichen Verwaltung geleitet. Seit mehr als dreißig Jahren widmet er sich – als Autodidakt – der Fotografie. Inzwischen zeugen einige Fotografiepreise und zahlreiche Ausstellungen in Deutschland und Italien von seinem Können.

Info + Text courtesy f75

… und einen erfolgreichen Start ins Jahr 2012 wünscht deconarch.com! | … and a successful New Year 2012, yours deconarch.com!

Freudenstadt im Schwarzwald | Eckkirche / "Corner Church"

Since 2003, Canadian photographer Michel Campeau travels the world to photograph darkrooms. These chambers of analog photography, where icons of picture making were crafted through the use of chemicals on silver gelatin paper, today seem like allusions to a time long gone. Martin Parr, who published the work in his editorial series at Nazraeli Press, wrote about it: “Most photographers have spent hours and days in that peculiar environment known as the darkroom. Here, prints are magically created using chemicals and light. Campeau’s photographs show the passing of an era. As digital production takes hold to a greater and greater extent, we will look back at these images and mourn the darkroom’s passing.”

Michel Campeau "#0310" aus der Serie "Darkrooms"

Michel Campeau | DARKROOMS
10. Dezember 2011 – 11. Februar 2012
Robert Morat Galerie – Projektraum Berlin
www.robertmorat.de

Michel Campeau "#7987" aus der Serie "Darkrooms"

PR-Text: Seit 2003 reist der kanadische Fotograf Michel Campeau um die Welt, um Dunkelkammern zu fotografieren. Diese Handwerkskammern der analogen Fotografie, in denen mit Hilfe von Chemie und silberhaltigem Papier Ikonen der Bildgeschichte geschaffen wurden, erscheinen heute wie Versatzstücke einer vergangenen Zeit. Martin Parr, der die Serie in seiner Editionsreihe bei Nazraeli Press veröffentlichte, schrieb über die Arbeit: “Most photographers have spent hours and days in that peculiar environment known as the darkroom. Here, prints are magically created using chemicals and light. Campeau’s photographs show the passing of an era. As digital production takes hold to a greater and greater extent, we will look back at these images and mourn the darkroom’s passing.”
Anna Gripp schrieb in PHOTONEWS (Nr. 10/10): “Michel Campeau betrachtet die kleine Welt des miefigen Labors wie ein Universum, in dem alles möglich ist. Seine Laboransichten sind im faktischen Sinne dokumentarisch, doch in dieser Interpretation als selbstständige Werke zu betrachten, (…). Einige der Bilder erinnern an Gemälde bekannter Maler, andere schaffen es, banalste Situationen zu einem visuellen Ereignis wachsen zu lassen.”

MICHEL CAMPEAU, 1946 geboren, lebt und arbeitet in Montreal, Kanada. Seine Arbeit wurde bereits intensiv international ausgestellt und veröffentlicht, die Serie “Darkrooms” zuletzt auf dem New York Photography Festival, bei den Rencontres de la Photographie in Arles und auf der PARIS PHOTO 2011.

Info + illus. courtesy Robert Morat Galerie