In March/April, two photography exhibitions in Berlin are presenting works centering a slow approach to urbanity with “old” techniques (Camera Obscura). Thus suddenly the hectic cities give us time to contemplate them.

Gabriele Worgitzki Flashback, presented in the Raum für Fotografie berg19 in Berlin Mitte.

Gabriele Worgitzki, Wedding 21, C-Print hinter Plexiglas, 95 x 115 cm, 2008 © G. Worgitzki

Worgitzki’s work deals with memories and the connected stories behind. Setting is the urban site. Worgitzki observes people walking in the cityscape, using it, being there, but she does not comment this behaviour. The backgrounds of the photographs were taken with a Camera Obscura, then digitally overworked. Long exposure times make visible not just a moment, but a span of time.

The presented series – “begehbare zeit” (accessible time) – was shot in the Berlin district Wedding. The artist comments herself:

Die malerisch anmutenden großformatigen Fotoarbeiten von Gabriele Worgitzki entstanden aus der Idee heraus, Bilder zu produzieren, die unserer visuellen Wahrnehmung entsprechen. Es verschränken sich Zeitablauf, Moment und Erinnerung in einer komplexen Konstruktion von scharfen und unscharfen Ebenen. Die Figuren aus dem Berliner Bezirk Wedding sind so in den inneren Zeitverlauf der Bilder eingefügt, dass sie uns selbst in das alltägliche Universum des Augenblicks eintauchen lassen.

Gabriele Worgitzki, 140406, Ink on Paper, 86 x 122 cm, 2007 © G. Worgitzki

Worgitzki (*1973 in Berlin), a master student of Katharina Sieverding, works both with drawing and photography. Photographs and drawings develop in close interconnection. Elements from photographs are used as models for the ink drawings, while the phots with their mixture of blurs and clarity have a painterly quality.

Thus the artist questions the conventional ideas of linear thinking. She combines different levels of reality as it constantly happens – mostly unconsciously – in our mind. In her drawings, Worgitzki zooms in on certain moments, and offers moments of pausing.

Gabriele Worgitzki Flashback

kuratiert von Jana Hyner

28. Februar – 8. April 2009

berg19 raum für fotografie

Slow Photography
Black-White Photographs and temporarily accessible Camera Obscura

Matthias Hagemann, urban nature, Tableau, Camera Obscura, © Matthias Hagemann

Matthias Hagemann (*1967 in Wolfsburg, lives + works in Barcelona and Berlin) presents b/w cityscapes. He approaches the megapolises in calm, away from the typical hectic, loud sceneries usually associated with big cities, but still his motives are right in the center of Berlin or Barcelona.

Hagemann, architect and photo-artist, chose the oposite path to digitalization – subtleties and nuances which might get lost with the new techniques+technologies are starting point of his individual city portraits. His tools are reduced – a Camera Obscura, and old medium format cameras of the 1930s to 1960s, rather uncomfortable devices offering the possiblity of manipulating the film inside the camera.

The artist himself about his work which he calls “Langsame Photographie” (Slow photography):

Die Langsame Photographie

Mit Beginn des Digitalen Zeitalters in der Photographie begibt sich der Architekt und Photokünstler Matthias Hagemann mit seinem Werk genau in die entgegengesetzte Richtung. Die Aspekte und Nuancen, die mit den neuen Techniken verloren zu gehen drohen, sind Ausgangspunkt der sehr individuellen Ansichten von Stadt und Urbanität.

Dabei kommen – photographisch gesehen- reduzierte Geräte zum Einsatz: zum einen die Camera Obscura, die technische Aspekte auf ein Minimum reduziert und die Atmosphäre dafür um so mehr potenziert. Ein weiteres Werkzeug sind ausrangierte Mittelformatkameras der 30er bis 60er Jahre wie Agfa Clack, Agfabox, Pouva Start etc., Apparate mit wenig Komfort, aber viel Charakter und der Möglichkeit von Manipulation des Filmes in der Kamera selbst. Sie sind Begleiter auf den unzähligen thematischen Streifzügen durch die Städte. Die Mischung aus alten Techniken, sehr aktuellen Motiven und ungewöhnlichen Sichtweisen ergeben ein Werk von ungeahnter Aktualität, das zugleich eine innere Ruhe ausstrahlt.

Matthias Hagemann Langsame Photographie

27. Februar – 11. April 2009

Galerie en passant, Berlin

Wie es der Zufall so will – vor Kurzem berichtete “chic” auf arte über “Umgewidmete Kirchen in Dublin” (am 12.02.09) und brachte mir einen Bau in Erinnerung, den ich schon länger im Hinterkopft gespeichert hatte, um darüber zu berichten. Jetzt war arte schneller, aber auf das Gebäude will ich dennoch hinweisen:

The Church heißt die Location treffend, denn die Restaurant-Bar ist in einem alten Kirchenbau untergebracht. Laut Eigenwerbung ist es “one of Dublin’s most unique establishments”. Es liegt zentral im Shoppingviertel und dürfte auch in keinem aktuellen Reiseführer mehr fehlen. Trotzdem haben wir “The Church” aber  tatsächlich durch Zufall bei Streifzügen durch die Stadt entdeckt.

Die ungewöhnliche Location bietet 5 verschiedene Settings auf vier Ebenen, die Dank des umgenutzten Kirchenraums ein eindrucksvolles Erlebnis bieten: Mitten im Schiff ist heute ein riesige Theke, auf der Galerie kann nobel gespeist werden, in den Seitenschiffen Sitzgelegenheiten fürs abendliche Guinness, eine Cellar + Tower Bar, … . Aber ich möchte hier nicht die Einrichtung bewerben, sondern über die umgebaute Kirche an sich berichten. Wer Reisetipps sucht, sei auf die Webseite von The Church verwiesen.

Denn die Location ist sehr stylisch eingerichtet, gewinnt aber erst durch das Gebäude aus dem 18. Jahrhundert  so richtig an Flair.  Nach wie vor zu sehen sind etwa die prachtvolle Orgel von Renatus Harris und die Glasmalereien. Bekannte Namen, die mit St. Mary’s verbunden werden, sind etwa Arthur Guinness (1725-1803), der Gründer der gleichnamigen Brauerei, Jonathan Swift (1667-1745), der Verfasser von “Gulliver’s Travels” und Sean O’Casey (1880-1964), ein irischer Dramatiker, der Filmfans durch den Alfred Hitchcock-Film “Juno and the Paycock / Juno und der Pfau” (1930) bekannt ist und der auf einem gleichnamigen Bühnenstück von O’Casey beruht.

Geschichte

Der Kirchenbau, die St. Mary’s Church of Ireland, selbst ist eines der frühsten Beispiele einer Galerie-Kirche in Dublin und wurde Anfang des 18. Jahrhunderts erbaut. 1964 wurde die Kirche geschlossen, warum ist (mir) nicht bekannt, und wurde in den folgenden Jahren unterschiedlich genutzt, bis John Keating die heruntergekommene Kirche 1997 erwarb. 2007 wurde das Gebäude von den jetztigen Beseitzern erworben. Nach intensiven Restaurierungsarbeiten über sieben Jahre hinweg wurde das Gebäude im Dezember 2005 wiedereröffnet.
((Ich beziehe mich auf die Informationen auf der offiziellen Webseite von The Church; möglicherweise gab es hier einen Tippfehler bei den Jahren 2007 und 2005.))

Der Umbau wurde von DMOD Architects aus Dublin durchgeführt, die schon viele Projekte nicht nur in Dublin ausgeführt haben.

2006 wurde “The Church” mit dem Dublin City Neighbourhood Awards in der Kategorie “Best Old Building” ausgezeichnet.

Ob eine solche Umnutzung eines sakralen Baus zulässig ist oder an ein Sakrileg grenzt, wie das eingangs erwähnte arte-Dossier fragt, hängt natürlich vom persönlichen Standpunkt des Betrachters ab und lässt sich wohl nicht zufriedenstellend beantworten. Ich halte eine Umnutzung, zumal eine so gelungene, eines solchen Gebäudes jedoch für sinnvoller – und vielleicht auch zeitgemäßer – als die Kirche dem Verfall preiszugeben.

Fotos © SK

AedesLAND Berlin presents a photo(geo)graphical installation by Dutch artist Charlie Koolhaas. Her “True Cities” is  a collection of app. 200 images, installed on the walls like a huge book.

Shot from the Vernissage © AedesLAND

The photographs were shot in four metropolises – Guangzhou, Dubai, Lagos and London – and catch glimpses of the political and cultural landscapes there. Installed on the wall and the arches of the gallery, the urban agglomerations are getting closer – as they are indeed, caused by the rapid expansion and impact of globalization. Like a patchwork of urban fabrics, the photographs show how interconnected the world is. The show “is about cultural fusion and cultural confusion, connections and meetings, moments of creativity and pain”, says the Aedes press release. “True Cities” makes the different scenes bounce off each other, resonate and enter a dialogue.

Koolhaas captures the true faces of the megapolises behind the scenes – she shows what usually isn’t shown: From London’s poor and shabby East End, now open to housing speculation as it is having a complete olympic “makeover” to Guangzhou where densification dominates everything – not even hints of “socializing” the claustrophobic city, architectural excesses with no regard on eaves  heights or aereation. (A more detailed description in German on Berliner Morgenpost.)

In a video on Vernissage.tv, Charlie Koolhaas talks about the concept of the exhibition.

Charlie Koolhaas, a Dutch artist raised in London, currently works from her studio in Guangzhou, China. She is a trained sociologist and has worked as a magazine editor, exhibition curator, writer as well as photographer. Her photos are coined by this multidisciplinary approach applied to the urban experience.

And to all of you who might wonder about her name: yes, indeed, Charlie Koolhaas has a well-known father whose work certainly has influenced her interest in the global urban developments, I’d say. He had several shows at Aedes as well. If you browse the galleries snapshots from the opening you can find a shot with him and Zaha H. as well.

True Cities
Eine foto(geo)grafische Installation von Charlie Koolhaas
AedesLand, Berlin
30. Januar – 26. März 2009

Ein Projekt, das bei Besuchern immer wieder ungläubige Blicke  und Erstaunen hervorruft, ist die Intermedia 69 – und insbesondere die Tatsache, dass im Rahmen dieser intermedia 69 die spektakuläre Verhüllung des Berliner Reichstags in Heidelberg quasi vorweggenommen wurde:  Christo hat das Heidelberg DAI (Deutsch-Amerikanisches Institut) eingepackt.

Dear English readers – I’m reporting about a project in Heidelberg which is only little known to most visitors, but inhabitants as well: it’s the fact that during a festival in 1969 – intermedia 69 – “wrapping artist” Christo wrapped up a building in Heidelberg. If you like to know more about it, please let me know as I provide the information in German only.

DAI Heidelberg wrapped...

...and without "wrapping"

intermedia 69

Veranstaltet wurde die intermedia 69 von Klaus Staeck und Jochen Goetze  in Reaktion auf eine Veranstaltung des Heidelberger Kunstvereins, der für Mai 1969 geplanten Jubiläumsausstellung “Plastik der Gegenwart”, die den Begriff der Gegenwart “nach damaliger Heidelberger Sicht nicht gerade gegenwartsnah interpretiert” wurde. Staeck, damals noch Außenseiter des professionellen Kunstbetriebs, wollte mit seinem Freund Goetze einen alternativen Ausblick auf die Kunst der 1970er werfen.

Klaus Staeck ist heute bekannt für seine Edition Staeck. Seit 2006 wurde er zum Präsidenten der Berliner Akademie der Künste gewählt.

Dr. Jochen Goetze war Dozent im Historischen Seminar Heidelberg; durch ein Seminar bei ihm habe ich erstmals von der intermedia 69 erfahren und an einem Doku-Projekt darüber mitgearbeitet. Die Informationen sowie die Abbildungen stammen großteils von dieser Seite.

Eingeladen haben sie alle, die ihrer Meinung nach für die damalige Gegenwartskunst wichtig waren: Joseph Beuys, Dick Higgins, J. J. Lebel, Daniel Spoerri, Robert Filliou, George Brecht, Ben Vautier, Diter Roth, Nam June Paik, Takis, Kantor, Palermo, Reiner Ruthenbeck, Katharina Sieverding, Milan Knizak, LIDL, Günther Uecker, Klaus Rinke, Günter Weseler, Jochen Gerz, KP Brehmer, Sigmar Polke, Herbert Distel, Jan Dibbets, Mauricio Kagel, Many Neumeiers Guru-Guru-Band – und fast alle kamen denn auch zu einem der letzten großen Happening/Fluxus/Performance-Ereignis.

Einer der Gäste war Verpackungskünstler Christo, der zunächst ein Studentenwohnheim verhüllen wollte. Da dies jedoch mit größten organisatorischen Problemen verbunden war – der zwölfstöckige Bau hätte aus bau- und feuerpolizeilichen Gründen während der Aktion nicht mehr genutzt werden können -, wurde ein älterer Vorschlag wieder aufgegriffen: das Heidelberger Schloss sollte verpackt werden, eine Idee, die „bei allen Verantwortlichen jähes Entsetzen aus[löste]“, wie Staeck erzählt (Klaus Staeck: Ohne Auftrag. Unterwegs in Sachen Kunst und Politik. Steidl Verlag Göttingen 2000).

So wurde schließlich entschieden, das Amerika-Haus in einer 24-Stunden-Non-Stop-Aktion zu verpacken.

Doch auch damit waren noch nicht alle Probleme vom Tisch, wie Staeck anschaulich erzählt (Suche nach dem Material, das auch die feuertechnischen DIN-Vorschriften erfüllte, Ablauf der Aktion am 15. Mai (Christi Himmelfahrt bzw. Vatertag) , Schwierigkeiten beim Abrollen der Bahnen und dem Befestigen mit Draht und Nylonseil, die aufgebrachten Reaktionen der Menge…

Dennoch, so Staeck: „Die Bandage glich auch nach Mitternacht mehr einem Notverband mit vielen vergessenen Flächen als einer perfekten Umhüllung. Ein Hauch von Trauer, von Verwundung lag über der Szene: keine stolze, heroische Geste – eher ein hilfloses Signal von Verletzbarkeit. Wahrscheinlich war es Christos unvollkommenstes Werk. Es passte aber wie kein anderes in die Zeit und schuf so eine Faszination, die der Perfektion nur selten gelingt.”

Drei Tage blieb das DAI verhüllt und trotzte Protest-Graffitis, Zündel-Aktionen, Abreiß- Versuchen.

Christo selbst „kommt allerdings auf sein unvollendetes Frühwerk bis heute nur ungern zu sprechen”, in den offiziellen Werkverzeichnissen wird es nicht gelistet. Ein Grund könnte sein, dass Jeanne-Claude damals nicht in Heidelberg beteiligt war.

Mehr zu Christo zu Jeanne-Claude….

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Die Stuttgarter VHS-Photogalerie (! die Website ist sehr unübersichtlich !) zeigt eine Ausstellung zur Architekturfotografie:

Lukas Roth: Helmut Riemann, Neuer Weg 77 Norden © L. Roth

Lukas Roth Architekturfotografie

12. Februar – 30. April 2009

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(Ich zitiere die Pressemitteilung:)

Lukas Roths Anliegen ist es, Architektur so dokumentarisch wie möglich zu fotografieren. Für Roth bedeutet Architekturfotografie das Übersetzen von “gebauter dreidimensionaler Architektur” in ein “zweidimensionales Abbild”. Charakteristiken, die ein Bauwerk auszeichnen und im Dreidimensionalen bei jedem Licht erfahrbar sind, werden durch den bestmöglichen Sonnenstand so deutlich hervorgeholt, dass sie auch über das Foto erlebt werden können. Diese Art der Idealisierung dient Roth jedoch nicht dazu, das Gebäude schöner erscheinen zu lassen, sondern um möglichst klar das Wesen des Gebäudes und damit den Entwurfsgedanken des Architekten zu zeigen.

Lukas Roth: Peter Kulka, Feuerwehr Heidelberg © L. Roth

Die Zusammenarbeit mit Architekturbüros wie Felder, Peter Kulka und Wiegmann & Trübenbach aus Köln, Helmut Riemann, Lübeck und Christian Bauer, Paul Bretz Architects aus Luxemburg sowie dem Lichtplanungsbüro Licht Kunst Licht, Bonn/Berlin ermöglichen es Roth, nur noch im Auftrag arbeiten zu können.

Seit 2002 nimmt Roth sich wieder Zeit und Muße für seine künstlerische Arbeit. Für ihn bedeutet Kunst eine Befreiung von den Konventionen der Arbeit als auch des Sehens. Architekturfotografie allein ist für Roth noch keine künstlerische Arbeit. Lesen »

I am glad to present you a new interview with an aspiring young and innovative artist from Korea: I introduced Junebum Park’s work a little while ago – actually, he’s been one of my first articles I published on this blog. Park words especially with video (montage). Remarkable are the “almighty” hands that interfere with the real world sceneries shown in the videos. Thus the world suddenly appears as a toy world en miniature, steered from outside.

((Videos found on youtube – not the best quality but gives a general idea of what the videos are like))

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=nS3W9YOuh5A]

His works play with our perception. Even though the videos might appear of simple, amusing working at first – like cartoons played in fast motion -, they soon arise as multi-faceted, critical comments on the global culture. As I’ve written before:

What I like about June Bum Park’s works is how multi-faceted they are, more than you would expect. They can be read as a comment on Korean culture as well as on generall global issues. Furthermore, not only has Park found a way of presenting his sujets in a humorous way – no wagging finger, even though the critical point of view is obvious -, but also has he developped a means of dealing with out way of perception.

So please read on about Junebum Park’s comments on how he chooses his motifs, how traditional Korean art influenced him (or not), and what it is all about with the hands.

((Illustrations taken from Galerie Adler/Website.))

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How do you choose your motifs?

I find motifs from everyday life’s impacts and phenomena such as religious conversation with family, evening news, loss insurance, high-tech devices, form and use of space and so on.

Do your include a political / social critical connotation in your works?

Yes, I do.

What are your ambitions with your works?

I want my life to be filled with creation and impression forever.

Parking, 2001-02, 6mm DV, 5:25 min

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

How important is the traditional Korean art for you – both the classical-traditional arts of the past centuries and Nam June Paik whose work has become something like a “modern tradition”. In Germany, whenever you talk about Korean art, you associate his name. So, as you work with video, too, has Paik influenced you and if yes, how?

Indeed, I have no connection with Korean arts more than one hundred years before. There were only cultural assets surrounded by books and fence. So, I had to interest in modernity of Korea. On the other hand, Nam June Paik is a modern person who is familiar with Korean traditional art and he undergoes change of times as the previous generation.

Nam June Paik and I have three things in common: similar name with trisyllabic word, Korean, video art. Nam June Paik is kind of a cultural assets for Korea, same as for me. When I was student, I have studied Bill Viola and Matthew Barney. I want my work to remind of Francis Alys and Roman Signer.

About your working technique:

Why video? What are – in your opinion – the advantages of the medium film/video? Do you use other techniques apart from video?

Video is the low-priced device and convenient to move. Tiny hard disks can save many works with the best quality. Of course, I choose video because I decided that my works need to capture motion and development of time. I will call other mediums for necessity of work.

Crossing, 2002, 6mm DV, 1:43 min

The videos usually show “real world situations” which you have filmed. Later you rework these films and “add” the moving hands. Is it your own hands that can be seen in the videos?

Most of hands are mine and all of them recorded in situ. In some cases, I get some help from my friends. For example, two hands of “1 parking” are; one of hands is mine and the other is my friend’s. There are two types of moving hands: Hands to perform and hands to construct. “1 parking” is the former, “making an apartment” is the latter.

Why hands? Does the hand from “above” has a particular meaning to you? As you know, the motif is very common in Christian iconography. Did this influence you?

I remember “Hand in handcuffs holding the planet”, one of the famous illustrations from Holy Bible. Besides, I can judge far and near by my hands when I take picture. In my work, “order”, “rule” or “agreement” can be represented instead of “hands”.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=4nrLAoGUl_4]

In several projects of yours, architecture and in a wider sense, man-made constructions and urban situations (streets, parking lot, construction sites,..) play an important role. What is it that you are interested in when you portray architecture/buildings and urban situations?

I still want to be an architect. I like city planning, figure, mathematics, and Plastic model, Lego. The important thing is that I am newly interested in radical contemporary art and socio-critical point of view.

Since your work deals with urban situations: What do you think about the recent urban developments?

I can talk about Seoul. Here it is corrupting cleanly. I think it’s mental derangement level.

And finally: What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

Theatrical distanciation (Alienation effect / Verfremdungseffekt), Anamorphosis of Perspective, Gestalt approach, Multiple Perspective.

I happened to stumble across something odd (and I mean it in a positive way, as I haven’t heard about something similar and I think it really impressive). I’m writing about a Butoh dance project called “Hanging Event”, performed by Sankai Juku (one of the most renowned Japanese Butoh ensembles) – four bald figures, whitened all over with rice powder, hanging and “dancing” down buildings:

Alexandra Paszkowska: Hanging Down 01, New York © A. Paszkowska

Hanging down on ropes in fetal positions, the dancers are lowered to the ground over a certain span of time (30mins, e.g.), accompanied by meditative sounds like whale sounds.

I haven’t found much information about these “Hanging Events” in particular (other shows by Sankai Juku are much more reflected and commented on in the www, if anybody is interested to google… , youtube provides footage on several stage shows), though a lot about Butoh in general (collection of essays about Butoh on butoh.net).  I will publish an article about Butoh and Butoh photographs soon on Art and Events (sorry, in German only).

Alexandra Paszkowska: Hanging Down 02, New York © A. Paszkowska

Nevertheless: the New York project is called “Jomon Sho”, created and first performed in 1982, and since then again in different cities, Paris, Edinburgh, Los Angeles,….

An article in the New York Times by Anna Kisselgoff in 1986 writes as follows:

“For change is very much a motif in ”Jomon Sho.” Its title in translation, ”Homage to Prehistory,” suggests the existence of some kind of history – the production as a whole is the story of evolution. Typical of the Butoh school, it is concerned with creation and destruction. Cataclysm is part of the cycle and the most evocatively terrifying image here is one that features four fishlike creatures starting up to stare into the bright glow emanating from the wings while a thundering sound rumbles on. We next see Mr. Amagatsu himself as a foreshortened mutant, a body that later breaks apart before our very eyes.

The Bomb is never remote from the consciousness of Butoh. The very lack of remoteness between such images and the events of the last week in the Soviet Union is self-evident.

”Jomon Sho” uses a structure and style that are starkly ritualistic. Combined with Expressionist techniques, it is very much a ritual meant to draw in the audience on a ceremonial level. There are two huge rings that might symbolize the sun and moon, giving the seven episodes a universal cast.”

A video of a performance in Paris:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=z5phfF4qUlU]

Not an undangerous performance: During one performance in Seattle 1985, one of the dancers’ rope gave way and the dancer, Yoshiyuki Takada fell to death ( an essay with a personal description and reflexion by Michelle Dent, I found online in a google book preview of Ordinary Reactions to Extraordinary Events, ed. by Ray Broadus Browne, Arthur G. Neal, 2001 ).

Sankai Juku Website

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Alexandra Paszkowska: Schottland Highlands 07 © A. Paszkowska

A note about the photographs by Alexandra Paszkowska:

The photographer made an amazing series about Sankai Juku in the 1980s, when observing the group at performances and during tours in the USA, Scotland, and at historic Neuschwanstein Castle in Germany.

Her photographs are energy-laden, bizarre, and surprisingly aesthetical and catch the complex expressivity and the spirit of Butoh.

Even Andy Warhol has been impressed by Paszkowska’s works and commented on them in his magazine “Interview”. Her photographs were presented in museums all over the world and can presently be seen in a photo gallery near Munich (Wasserburger Fotogalerie).

Was passiert, wenn ein Architekt Kunst macht?

Ein weiterer Architekt und Künstler, der sich mit dem Verbindung von Architektur und Kunst beschäftigt, ist Sven Hamann, den ich vor Kurzem vorgestellt habe. Ich freue mich sehr, ihn und seine Arbeit im folgenden Email-Interview näher präsentieren zu können.

(Abbildungen © Sven Hamann)

o.T. - #095_16080_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 160/80 cm

Wieso wird ein studierter Architekt Künstler?

Um das zu beantworten muss man noch einen Schritt zurückgehen und sagen, warum ich Architektur studiert habe. Mein Wunsch, kreativ zu arbeiten, stand von Anfang an im Vordergrund – in welcher Ausprägung das sein sollte, war mir zu Studienbeginn selbst nicht ganz klar. Entsprechend war ich mir unsicher bei der Wahl des Studiengangs. Doch schnell merkte ich, dass mich das Thema Architektur fesselte – daran hat sich bis heute nichts geändert. Ich habe also mein Diplom gemacht und begann nach einer Phase mit Wettbewerben (auch im Bereich der Kunst) als angestellter Architekt zu arbeiten. Dabei merkte ich aber sehr schnell, dass der Berufsalltag wenig Spielraum für Kreativität in meinem Sinne zuließ und meinem Wunsch, eigene Ideen zu verwirklichen, durch gesetzliche Vorschriften und Bauherren starke Schranken gesetzt wurden. Da mein damaliger Arbeitgeber selbst auch erfolgreicher Künstler war, hatte ich einen guten Einblick in die Praxis eines Künstlers. Das war der Anfang.

Wer war dieser Arbeitgeber?

Das war der mittlerweile verstorbene Prof.Klaus Neuper, ein bekannter Maler.

Wie ging es nach dieser ersten Begegnung mit der Praxis eines Künstlers weiter? Hast du eine Zeit lang als Architekt und Künstler parallel gearbeitet oder schnell den Sprung ins kalte Wasser gewagt und nur als Künstler gearbeitet?

Was die Architektur angeht, gab es dann einen harten Schnitt. Als Architekt zu arbeiten und das gleiche Thema künstlerisch umzusetzen war für mich ein Widerspruch. Natürlich konnte ich nicht von meiner Kunst leben, sodass es noch andere Einkommensquellen gab.

Seit 2002 bist du freischaffender Künstler, nachdem du davor ein paar Jahre als Architekt gearbeitet hast. Wie beeinflusst das Architekturstudium bzw. die Architektur deine Kunst, etwa bei der Arbeitsweise und/oder bei der Themenwahl?

Sven Hamann: o.T. - #092_6080_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 60/80 cm

Als ich den Beruf des Architekten ausgeübt habe, wurde mir bei vielen Projekten bewusst, wie wenig sich Bauherrn mit dem Thema und der Theorie der Architektur auseinandersetzen. Entsprechend schwierig waren für mich die Bauvorhaben, da ich es mit den mir vorhandenen Mitteln nicht schaffte, für das Thema Architektur zu sensibilisieren. Ganz anders in der Kunst – hier kann ich mich unabhängig von äußeren Anforderungen auf einen Aspekt konzentrieren und diesen ausarbeiten.

Du möchtest für das Thema Architektur zu sensibilisieren: Welche Ziele verfolgst du mit deinen Arbeiten?

Ich möchte die Menschen für das Thema der Architektur begeistern und sensibilisieren und den Blick des Betrachters für Architektur schärfen.

Warum ist es nötig und wichtig, den Blick für Architektur zu schärfen?

Welche Bedeutung hat Architektur für uns?

Sven Hamann: F08_060R - Fotografie 2008, 75/50 cm, Auflage 3+1

Wir sind in unserer Zivilisation permanent mit Architektur umgeben, verbringen einen Großteil unseres Lebens darin – allein dadurch ergibt sich schon der zwingende Bedarf, sich der Thematik zu stellen. So wie wir uns beispielweise mit dem Thema Mode beschäftigen, das uns unmittelbar auf der Haut betrifft, wünsche ich mir eine Auseinandersetzung mit der räumlichen Hülle, die uns als Menschen umgibt. Ich würde sogar so weit gehen zu sagen, dass das Thema Architektur bereits in der Schule stärker eingebracht werden müsste. Vielleicht könnte man so auch eine intensivere Auseinandersetzung erreichen, was mein Anliegen wäre – ich möchte keine Meinung vorgeben nach dem Motto: Das ist gut und dies ist schlecht – sondern animieren, sich auseinanderzusetzen und ein eigenes Urteil zubilden.

Ein interessanter Gedanke, Architektur schon in der Schule stärker einzubringen. Ich möchte gern später darauf zurückkommen.

Zunächst aber zurück zu deinen Arbeiten. Mittlerweile bist du seit 6 Jahren freischaffender Künstler und arbeitest sowohl mit Fotografie als auch mit Malerei. Warum diese beiden Medien Fotografie und Malerei?

Sven Hamann: F07_021 - Fotografie 2007, 40/30 cm, Auflage 5+1

Es gibt Aspekte, die kann ich besser mit der Fotografie transportieren, andere mit der Malerei. Mein Anfang in der Fotografie war auch in meiner Studienzeit – ich glaube, es gibt kaum einen Architekturstudenten ohne Kamera. Hier stand der dokumentarische Aspekt im Vordergrund. Schnell merkte ich aber, dass natürlich die Art der Perspektive entscheidend ist, wie und was der Betrachter wahrnimmt. In der klassischen Architekturfotografie wird meist mit Perspektive gearbeitet, um die räumliche Situation festzuhalten. Mir geht es aber in meiner Fotografieserie, die mittlerweile auf fast 70 Arbeiten angewachsen ist, um die Fassade. Die von mir gewählte Perspektive, die eigentlich gar keine Perspektive ist, sondern ein frontales zweidimensionales Abbild der Fassade, erzwingt eine Beschäftigung mit der Fassade, da der Blick nicht der Perspektive zum Fluchtpunkt folgen kann, da es keinen Fluchtpunkt gibt. Also ein Spiel mit der Wahrnehmung des Betrachters, um gewohnte Seh-Muster aufzubrechen.

Ein Verfremden der gewohnten Seh- und Sichtweisen?

Ich glaube, Verfremden ist nicht der richtige Begriff – es ist eher ein Zwingen zu einer anderen, direkten Sichtweise. Auch der Sichtweise des Architekten beim Prozess der klassischen Fassadengestaltung.

Auf die Fassaden komme ich gleich zurück.

Die Fotografien haben keine Titel, nur einen Nummerncode. Warum?

Die Fotografien sind eine umfangreiche Serie, die in den letzten Jahren seit 2006 entstanden sind. So wichtig mir jede einzelne Fotografie, jede einzelne Fassade ist, so wichtig ist mir letztendlich die Gesamtheit, die Serie. Dabei ist ein ganz wichtiger Aspekt das Lösen der Architektur aus ihrem baulichen Kontext – sprich, das Extrahieren aus der Umgebung der gezeigten Architektur. Nur dadurch ist ein ortsunabhängiger Blick und ein Vergleichen möglich. Es gibt zum Beispiel die typischen Plattenbaufassaden in Ostdeutschland. Genau den gleichen Typus findet man aber auch in fast jeder westdeutschen Stadt, nur nicht so gehäuft.

Deswegen lässt auch der Code, der den Titel ersetzt, einen Schluss auf den Ort nicht zu.

Wie und warum kam dann die Malerei dazu?

Wie entsteht ein Gemälde? Wird es inspiriert von den Fotografien?

Sven Hamann: o.T. - #091_8060_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 80/60 cm

Die Malerei war von Anfang an ein Medium, das ich nutzen wollte, da es mir andere Möglichkeiten bietet als die Fotografie. Die erste Phase war geprägt durch viel Probieren, mit welcher Technik ich meine Ideen am besten transportieren konnte.

Ich werde oft gefragt, ob ich meine Fotografien in der Malerei „umsetze”. Es ist jedoch kein Kopieren in das Medium der Malerei, sondern eine abstrahierte Inspiration, die auch formale Gründe hat.

Nämlich welche?

Proportionen, Material, Farbe, Geometrie.

Kommen wir zurück zu den Fassaden, die in deiner Arbeit eine wichtige Rolle spielen.

In gewisser Weise werden deine Gemälde „gebaut”, nämlich geschichtet und durch typische „Baumaterialien” geformt (Lehm, Sand, Zement). Hat dieser Gedanke eine Rolle gespielt bei der Entscheidung, mit diesen Materialien zu arbeiten?

Sven Hamann: "Andeutungen" - #041_LW_2430_1006, Mischtechnik auf Leinwand 2006. 24/30 cm

Ich habe schon im Studium viel gezeichnet und auch skulptural gearbeitet – es kam dann die Phase, in der ich viel probiert habe. Es fing an mit Wandobjekten aus Stahl, wobei mich hier der Prozess des Rostens (Thema ästhetischer Reiz des Vergänglichen) interessierte. Es folgte eine Phase mit Objekten aus Beton, bis ich schließlich bei meiner momentanen Technik gelandet bin, mit der ich sehr gut das Thema der Fassade und dem „Dahinter” transportieren kann. Dabei war es für mich immer sehr wichtig tatsächlich auch mit Materialien zu arbeiten, die einen starken Bezug zur realen Architektur haben.

Das „Dahinter” der Fassade – wie meinst du das? Den Raum hinter der Fassade oder das Material, aus dem die Fassade aufgebaut ist?

Das rein Bautechnische – wie ist tatsächlich eine Fassade aufgebaut – spielt eine untergeordnete Rolle. Allerdings kann ich hier durch die Materialität und durch das haptische Moment meiner Arbeiten auch dafür sensibilisieren.

Mein Fokus liegt in der Malerei jedoch auf dem Individuellen, was hinter der gebauten Fassade liegt: Das, was sich uns in Ausschnitten durch die Fassadenöffnungen zeigt. Es sind zwar „nur” Ausschnitte und kleine Einblicke, die uns aber sehr viel sagen über das, was sich dahinter befindet – und damit meine ich nicht (nur) das Materielle, sondern den Menschen und letztendlich unsere Gesellschaft, denn Architektur ist die Hülle unserer Gesellschaft.

Arbeitest du – neben Fotografie und Malerei - auch mit anderen Medien?

Ich werde im Februar am Kunstpreis Langwasser in Nürnberg teilnehmen – das Thema: „Urbane Welten”. Dabei werde ich die gesamte Serie der Fotografien als Projektion zeigen. Die Projektion hat für mich zwei Vorteile: Zum einen natürlich die Größe und damit die Präsenz im Raum, zum anderen ergibt sich hier ein ganz neuer Aspekt – nämlich die Interaktion zwischen Betrachter und Projektion in dem Sinne, dass sich je nach Standpunkt des Betrachters sein Schatten auf der Fassade zeigt. Dadurch stellt sich der Rezipient auch eher die Frage: Was hat die Architektur eigentlich mit mir zu tun? Wie beeinflusse ich Architektur?

Das ist der Anfang von raumbezogenen Arbeiten, an denen ich momentan arbeite. Es gibt noch andere Ansätze und Ideen, es wäre aber verfrüht, über diese im aktuellen Stadium zu sprechen.

Wer und/oder was beeinflusst deine Arbeit? Gibt es bestimmte wichtige Vorbilder?

Meine Technik in der Malerei habe ich zum ersten Mal bei Prof. Klaus Neuper gesehen, bei dem ich ja nach meinem Studium als Architekt und Assistent gearbeitet habe. Auch andere bekannte Künstler haben einen sehr „materialistischen” Malstil wie zum Beispiel der Italiener Giorgio Celiberti oder Antoni Tàpies. Das sind aber reine Vorbilder zur Technik. Beim Thema und der Formensprache habe ich keine konkreten Vorbilder. Wichtig für mich sind meine europaweiten architektonischen Fotografiereisen, die Grundlage meiner künstlerischen Arbeit sind. Durch das Fotografieren und den darauf folgenden Prozess habe ich eine extrem intensive Auseinandersetzung mit der jeweiligen Architektur. Das fängt an bei der Motivwahl, dem Ausschnitt, der passenden Tages- und Jahreszeit, geht weiter über die Belichtungsmessung, die Auswahl der Dias, das Scannen und die ganz wichtige Bearbeitung der digitalen Daten am Computer.

Eine letzte Frage: Was ist deiner Meinung nach charakteristisch für deine Arbeiten?

Die geradlinige Auseinandersetzung mit dem Thema Architektur.

Who’d have thought so – Facebook is not about socializing only: the more you keep an eye out for art, the more interesting positions you can discover. Thus I got to know a young Danish artist who brought some artists to my attention whose work is worth a closer look:

Michael á Grømma: God is in the house, Acryl + Mixed Media, 100 x 100 cm, 2007 © Michael á Grømma

Michael á Grømma, actually a graphic designer,  has found his way to painting only last year when he came back from a trip to California. These experiences there flew into his works. The paintings are collages of prints of skyline photos taken in California, mostly San Francisco.

In Februay, Grømma has his first solo exhibition coming up at Gallerie Rasmus, one of Denmark’s major galleries, in Kopenhagen.

I will report more about his work soon and I’m glad Michael consented to an email interview. (The interview is published now – read on here.)

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Kristian Vodder Svensson: Untitled, Acryl on Canvas, 100 x 200 cm

Kristian Vodder Svensson, another young Danish artist. Also represented by Gallerie Rasmus.

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Ivan Andersen: The shadow out of time, oil and acrylic on canvas, 2007

Ivan Andersen (*1968) is a central figure within a new generation of Danish figurative painters. His motifs are often taken from the most common and tedious surroundings of modern Danish daily life. He captures experiences of parking lots, standard houses, living rooms, apartment houses and hot-dog stands and mixes them with surfaces and structures in the paintings which force the viewer to perceive the objects in a new and different way, which can seem very humoristic and frightening at the same time. Ivan Andersen graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2005. The same year he received the prestigious “Lille Søndergaard-Grant” (quoted Galleri Bo Bjerggaard).