In der Reihe “Baukunst” präsentiert der Bielefelder Kunstverein in diesem Jahr das Phänomen der “Micro Houses”, Kleinsthäuser, die unter optimaler Ausnutzung des Raums auf wenigen Quadratmetern Leben, Wohnen und Arbeiten ermöglichen. Die Ausstellung ist in Kooperation mit dem Bund Deutscher Architekten BDA entstanden. Eine ganz ähnlich gelagerte Schau – “Portraits from Above – Hong Kong‘s Informal Rooftop Communities”  – ist zur Zeit auch im Kunsthaus Hamburg zu sehen; ich werde darauf zurückkommen.

An exhibit at the Bielefeld Kunstverein focuses the phenomenon of “Micro Houses”, minimal houses making optimal use of space: living and working on few squaremeters.

(Fotos Bielefelder Kunstverein)

exilhäuser architekten Zusatzraum, 2000, Foto: Thilo Härdtlein

Micro House
30. MAI – 26. JULI 2009

Bielefelder Kunstverein

Beiräge: studio aisslinger; exilhäuser architekten; Haack + Höpfner Architekten und Horden Cherry Lee Architects; Folke Köbberling & Martin Kaltwasser; Korteknie Stuhlmacher Architecten; naumann.architektur; Michael Sailstorfer ; Architekturbüro Hans Peter Wörndl; Yasuhiro Yamashita | Atelier Tekuto;  studentische Projekte des Lehrstuhls für Gebäudelehre und Produktentwicklung (TU München)

Um den Raum auf wenigen Quadratmetern bestmöglich auszunutzen müssen die Kleinsthäuser über eine multifunktionale Raumnutzung und eine flexible Grundrissgestaltung verfügen. Stetig steigende Quadratmeterpreise, das Fehlen von freien Brachflächen in den Metropolen, eine zunehmende Mobilität, aber auch der Wunsch nach individuellen Rückzugsorten verlangen nach Lösungen und Anpassungen an die sich wandelnden Bedürfnisse.

studio aisslinger Loftcube, 2003/07 Foto: Steffen Jänicke

Darüber hinaus werden in den Micro Houses neue Materialien, Konstruktions- möglichkeiten und Technologien eingesetzt. Häufig sind sie nach den neuesten ökologischen Richtlinien gefertigt und übertreffen die bestehenden Standards mit innovativen Konzepten. So machen Micro Houses nicht nur den Traum vom günstigen Erst- oder Zweithaus wahr, sondern repräsentieren auch neue Formen des Landhauses sowie des sozialen und ökologischen Wohnungs- und Städtebaus.

Die Micro Houses nutzen vorhandene Architekturen, sie nisten sich in Zwischenräume ein, docken an größere Bauwerke an oder machen sich völlig selbständig. Daher haftet ihnen sowohl die Idee des Parasitären als auch des Unabhängigen an.

Yasuhiro Yamashita / Atelier Tekuto Reflection of Mineral, 2006 Foto: Makoto Yoshida

Die Kleinsthäuser stehen in einer ganz eigenen Tradition. Viele Projekte sind inspiriert von einfachsten Gebäudetypen wie Zelten, Bushaltestellen, Garagen, Schutzräumen, Ställen und Hütten. Zudem finden sich Ideen des modularen Bauens und mobilen Wohnens wieder, die bereits von Architekten der Moderne wie Richard Buckminster Fuller, Walter Gropius oder Frank Lloyd Wright formuliert wurden.

Die Ausstellung im Bielefelder Kunstverein versammelt eine Auswahl verschiedener Architekturprojekte, die das Spektrum und die vielfältigen Ansätze auf dem Gebiet der Micro House-Architektur beispielhaft repräsentieren. Darüber hinaus werden in einem eigenen Raum studentische, nicht realisierte Entwürfe und Prototypen des Lehrstuhls für Gebäudelehre und Produktentwicklung (TU München) präsentiert. Nicht zuletzt erweitern künstlerische Beiträge, die insbesondere Aspekte der Transformation und deren gesellschaftliche Funktion thematisieren, die Ausstellung.

(Infos aus dem PR-Text des Bielefelder KV)

Ich bin wieder zurück aus Berlin – eine kleine Momentaufnahme dieser Reise in architektonisch/künstlerischer Hinsicht folgt, versprochen! – und Zeit für 2 neue Foto-Ausstellungsankündigungen. Eine in Berlin (in die ich es leider nicht mehr geschafft habe, der Terminkalender war zu voll) und eine sozusagen in entgegengesetzter Richtung, in Innsbruck.

I am back from Berlin – and a short art/artistic summary of the trip will follow, promised! – and it’s time to tell you about 2 new photo exhibits. One in Berlin (though I didn’t make it to visit it, schedule too full) and the other one sorf of in the opposite direction, in Austria Innsbruck.

View from Midtown Manhattan, New York © Andreas Feininger Archive.com

ANDREAS FEININGER
THAT’S PHOTOGRAPHY

FO.KU.S

Foto Kunst Stadtforum

Bank für Tirol und Vorarlberg Stadtforum, 6020 Innsbruck
Österreich

bis 01. August 2009, Eintritt frei

Andreas Feininger (1906-1999), einer der Meisterfotografen des 20. Jahrhunderts und Sohn des berühmten Malers Lyonel Feininger, gehört zu der Künstlergeneration , die in den 1930er Jahren eine neue fotografische Sehweise entwickelte: Klarheit und Einfachheit sind Grundprinzipien seiner Arbeit. Feininger studierte am Bauhaus in Weimar Architektur und Fotografie. Mit Ausbruch des Zweiten Weltkriegs emigrierte Feininger nach New York.  Die Architektur und das Leben seiner Wahlheimat New York haben ihn über die Jahrzehnte hinweg fasziniert. Er gehörte fast zwanzig Jahre als Bildredakteur zum berühmten Fotografenstab beim »Life«-Magazin.

Reed Stalk © Andreas Feininger Archive.com

Sein Werk ist von zwei großen Themenkomplexen bestimmt: Stadtansichten und Naturmotive.

Feiningers Ansichten der Metropole NY, die kurz nach seiner Ankunft entstanden, zählen heute zu den Klassikern der Fotografie-Geschichte und prägten das Bild von New York im kollektiven Gedächtnis.

Durch die Verwendung von Fachkameras mit Teleobjektiven mit sehr langer Brennweite, teilweise selbst gebaut, konnte der Autodidakt großen Abstand von den Motiven halten und die tatsächlichen Größenverhältnisse darstellen. Seinen durchkomponierten Makroaufnahmen von Naturdetails verleihen diesen Motiven fast skulpturalen Charakter.

In Innsbruck bieten 80 ausgewählte Werke einen Überblick über Feiningers Werk.

Übrigens gibt es in Tübingen ein Andreas Feininger Archiv.

English Information about Andreas Feininger (wiki)

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In Berlin zeigt das Epicentro – die Ausstellungräume Gruppo del Café Palermo in Kooperation mit der Galerie Camera Work – Arbeiten von Lukas Roth, den ich schon einmal vorgestellt habe. Der 42-Jährige studierte an der École Nationale de la Photographie im südfranzösischen Arles und wird inzwischen mit Größen wie Andreas Gursky verglichen. Wie dieser fotografiert Roth vorwiegend Architektur, Innen- und Außenräume, die er digital bearbeitet und aus Detailfotos neu montiert.

Begleitet wird die Ausstellung von ausgewählten Arbeiten des Designers Piet Hein Eek.

More info in English on the named websites.

Lukas Roth

im Epicentro Berlin

16. Mai – 19. Juni 2009

Eröffnung: Freitag, 15. Mai 2009, 18 Uhr

Café Palermo Epicentro

Galerie CAMERA WORK
Contemporary Photography and Vintage Masterworks

© Lukas Roth

Der Taschen-Verlag hat zwei große Architektur-Magazine als Reprints neu verfügbar gemacht:

domus,1928 bis 1999 (Reprint)

12 Bände, originalgetreu reproduzierte Seiten der Zeitschrift mit zahllose Artikel über die Design- und Architekturgeschichte der Moderne.

Die 12 Bände sind separat erhältlich.

Hrsg. von Charlotte und Peter Fiell

Seit mehr als acht Jahrzehnten gilt domus als das einflussreichste Architektur- und Design-Magazin der Welt. Die Zeitschrift, die 1928 vom berühmten Mailänder Architekten Gio Ponti gegründet wurde, gewährt dem Leser einen Einblick in das Wesen eines bestimmten Stils und Zeitalters, von Art Deco, Modernismus und Funktionalismus über Pop und Postmoderne bis hin zur Spätmoderne. In wunderschöner Aufmachung und mit umfassendem Begleitmaterial präsentiert domus die aufregendsten Design- und Architekturprojekte der Welt.  (PR-Text Taschen)

Band I —1928 – 1939
Band II —1940 –1949
Band III —1950 – 1954
Band IV —1955 –1959
Band V —1960 – 1964
Band VI —1965 –1969
Band VII —1970 – 1974
Band VIII —1975 –1979
Band IX —1980 –1984
Band X —1985 – 1989
Band XI —1990 – 1994
Band XII —1995 – 1999

A&A Arts & Architecture 1945 – 1954

Alle Ausgaben als vollständiges Faksimile des legendären Magazins, das ein Stück Zeitgeschichte der modernen amerikanischne Architektur ist – 40 Jahre nach seinem Erscheinen.

hrsg. von David Travers, Redakteur, Herausgeber und Leiter von A&A

Der vorliegende erste Teil der Edition umfasst zehn Schuber, die je einen kompletten Jahrgang von A&A aus den Jahren 1945–54 enthalten, angefangen mit Entenzas Ausschreibung des Case Study House Program im Jahr 1945.

Während andere noch am Dienstboteneingang der Moderne warteten, stieß John Entenza vorne die Haustür weit auf. Der charismatische Herausgeber von Arts & Architecture und Initiator des Case Study House Program war maßgeblich daran beteiligt, die amerikanische Architektur und das moderne amerikanische Design weltweit bekannt zu machen. Doch A&A berichtete in den Jahrzehnten nach dem 2.Weltkrieg nicht nur geistreich, frisch und spannend über Architektur, sondern auch über Kunst, Musik und Politik. Dank John Entenza, der das Magazin über zwei Jahrzehnte leitete, wurde aus diesem ehrgeizigen Projekt ein Magazin, das völlig neue Maßstäbe setzte. A&A präsentierte die größten Architekten seiner Zeit, darunter Neutra, Schindler, Saarinen, Ellwood, Lautner, Eames und Koenig. Hier wurden zwei der heute international erfolgreichsten Architekten, Frank Gehry und Richard Meier, zum ersten Mal vorgestellt. Mitwirkende am Magazin waren u. a. die Fotografen Julius Shulman und Ezra Stoller, die Autoren Esther McCoy und Peter Yates und die Cover-Designer Herbert Matter und Alvin Lustig. (PR-Text Taschen)

118 vollständig nachgedruckte Ausgaben, 6.076 Seiten

Zusätzlich Begleitheft mit einem Essay des früheren A&A-Herausgebers David Travers , Gesamtindex und alle Inhaltsverzeichnissen der Jahre 1945–54.

Nach Arts & Architecture 1945–54 wird bei TASCHEN bald auch ein zweites Set mit den vollständigen Ausgaben der Jahre 1955–67 erscheinen.

Mehr: Arts & Architecture Magazine

Nearly over again, the festival Saperlipopette, voilà Enfantillages! in Montpellier takes place on 2 weekends (9.+10. May, 16+17. May) in Domaine d’O Park and in several communities in the Hérault département (11.-29. May). Already for the 12. time, the festival presents a huge selection of events ranging from theatre and dance to performances and art installations for young and old. There’s loads to discover, claims the program (read the program here).

Saperlipopette, voilà Enfantillages! is a festival open to all arts, and all ages.

Microclimax, a team of two architects from Montpellier – I reported about them a while ago – present: PATRIMOINE ET MALABAR.

Patrimoine et Malabar © Microclimax

Un volume soufflé, épanchement en légère surpression sort du château par la porte du grand salon (entre la bulle de Malabar et la gentille hernie des entrailles du bâtiment) et raconte aux enfants et aux parents, à la façon d’une fable ou d’un conte, les évolutions du domaine d’O et du territoire avoisinant, l’histoire du lieu au rythme des conflits de jadis, des plans urbains et des pelleteuses de la spéculation d’aujourd’hui…

C’est un monstre gentil, à peine nommable, mais drôlement rigolo…!

Aimable Totoro, plein de mémoire et de sagesse. A regarder, écouter, toucher, appuyer, câliner, se frotter, rêver, réfléchir…

(from their program description)

Zwei Ausstellungen im Mai und Juni zeigen in Berlin und Brüssel die Arbeiten von zwei Fotografinnen, deren Arbeit ähnliche Themen verfolgt – die Dokumentation architektonischer Hinterlassenschaften der Industriekultur bzw. die Zeichen, die die Urbanisierung hinterlässt. || Two exhibits in May and June present works by 2 photographers whose work focus similar objectives – the documentaton of architectonical remains of Industriekultur/industrial heritage resp. the imprints of urbanization.

Kerstin J. Schorer: Ofengang (Foto: K. Schorer)

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Kerstin J. Schorer – Stille Zentralen

loftgalerie für Fotografie. Peter Gregor, Berlin

15. Mai – 19. Juni 2009

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Kerstin J. Schorer (*1972 in Saarbrücken) ist fotografische Autodidaktin. Aufgewachsen in der Industrieregion Saarland setzt sie sich seit Jahren intensiv mit maroden und stillgelegten Industriebauten und -objekten auseinander. Mit ihren Schwarzweißaufnahmen fängt sie den Charme des natürlichen Verfalls ein und erweist den dokumentierten Anlagen eine letzte Ehre. Schorers Dokumentationsreisen haben sie in das Gebiet der ehemaligen DDR, das sie bevorzugt, geführt, aber auch in die Schweiz, nach Frankreich, Italien, Spanien, Belgien, Tschechien und Polen.

In Berlin werden ihre Arbeiten zusammen mit Aufnahmen von Fritz Fabert – Archäologie der Arbeit zu sehen sein.

Kerstin J. Schorer: Betonformen (Foto: K. Schorer)

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Isabelle Hayeur: Monument aux hommes des carrières III, 2008 - 2009 (Foto: I. Hayeur)

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ISABELLE HAYEUR : FORMES DE MONUMENTS

May 13th – June 21st, 2009

L’espace Photographique Contretype, Brussels

(Contretype Website doesn’t work currently, so try this link instead)

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(Text Quote Contretype: )

Since the end of the 1990s, Isabelle Hayeur (*1969, Montreal) has been taking panoramic photographs which reveal her unusual critique of the North American anthropic landscape. Her images represent places where the debate over land-use is being played out, such as the division of land into building-plots on the outskirts of towns, waste ground, places where the landscape is being exploited and other unusual and disenchanted locations.

The artist’s ultra-realist landscapes are, nevertheless, a little artificial, because they have been made using different sources. Just like a painter, Isabelle Hayeur retouches existing landscapes and uses fragments of images from a variety of origins and temporalities, and nimble-fingeredly produces a displacement of meaning, constructing very strange places, at the outer limits of probability. The unknown, or unknowable, places she constructs by blending different places together into one, demonstrate weaknesses that focus our attention on our relationship with the environment; the transformation and development of towns and cities; the strata of urban history; the insertion of towns and cities into the countryside, and the many different styles of urban living.

Isabelle Hayeur: Monument aux bâtisseurs de Ville, 2008 - 2009 (Foto: I. Hayeur)

Her latest project, Formes de monuments (2008-2009), was created in Brussels within this framework. By juxtaposing urban blight and public statuary, these new compositions metaphorically show the changing city and the uneasy cohabitation of standardised town-planning with cultural identity. The result of this cohabitation are images that are seductive and disturbing at the same time, located between devastated land and the commemorative spaces of history.

Hayeur is known primarily for her large digital photomontages. She also produced several site-specific installations, public art commissions and videos. Her works have been widely exhibited across Canada, Europe and the United States.

I am glad to present you another impressive photo artist whose work is focusing on architecture, cityscapes, urban sceneries,… Brazilian photographer Tuca Vieira gives us insight into his work and tells us why chose photography, what literature means to him and how it influences his work with the camera, and how he met Oscar Niemeyer.

Tuca, thanks so much for sharing your thoughts!

© photos Tuca Vieira

Tuca Vieira: Centro

Why photography? How and why did you become a photographer?

I always wanted to have an instrument of expression. I have tried music and drawing before and now I realize that I was trying to say the same things. It is important to see the camera just as an instrument.
I have made an important travel in Europe when I was 16. I have visited many countries, alone with a backpack. At that time it was more difficult than today, I was the first in my family to visit Europe since the Italian immigrants and I wanted to share this experience with them. I had just a fake Yashica camera and a few rolls of film. I had to think before shooting. I became photographer at this moment.

Tuca Vieira: Vale do Anhangabaú

You studied languages and literature first. Why did you decide to become a photographer?

I have decided to be a photographer before the university. And when I had to choose a course, I thought language and literature would give me a good aesthetic, social and historical background. Many photographers I admire didn’t study photography. I love literature; writers are the best image creators I know. Kafka, Jorge Luis Borges and José Saramago are always on my mind when I think about photography.

What does photography mean to you, what possibilities does it offer?

Photography is like a passport. It puts you in some interesting situations that wouldn’t be possible otherwise. Sometimes I feel that what I have experienced, the people I meet, are more important than the photographs I take. In the future I am not sure if I will leave a good photographic work, but I will have many stories to tell.

How do you choose your motives?

Photography is a passion. I guide myself by the pleasure of being on the streets. And sometimes I feel that the subject chooses the photographer. I live in the centre of São Paulo. The city is not as beautiful as Rio but it is a fascinating city, full of creativity and energy. Unlike Rio, where the beauty is everywhere, São Paulo is a place where you are forced to find the beauty in order to support the urban chaos. It makes a wonderful photographic subject.

Tuca Vieira: Centro

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

I try to bring to the photography what I learned with literature, cinema, and music. It is more influent to me than photography. A good poem is full of beautiful images. I try to say to young photographers (at least younger then me) that there is not much to learn with other photographers. To read a good book is the best photo lesson I know.

Why architecture photos? What are your ambitions with your photographs?

I don’t know if I am exactly an architecture photographer. Sometimes I feel myself closer to the landscape photographers. But instead of nature, I look to the cities. I don’t know if it is the same in English or German, but In Portuguese we call a big city “stone jungle” (selva de pedra).

[[yes, in German there's quite the same expression - Großstadtdschungel / jungle of the city - an idea, that became predominant in the 1910s and 1920s in Berlin and can often be found in Expressionist texts and poems. In English I heard say "urban jungle", though I don't know about the literature historical connotations.]]

Tuca Vieira: VVTs, Moscou

You mostly photographed São Paulo so far – but I take it that you are now exploring new cities, S. Petersburg, Berlin,…

Exactly. I have been photographing São Paulo during the last years I now I feel that it is time to explore different places. I am going to Berlin this year for a six months period. I am curious to see what will happen. São Paulo is my city and I love to see the work of a foreign photographer about São Paulo. Now I will be a foreigner in Berlin.

Did you shoot the major part of your São Paulo portrays from “above”, i.e. from an airplane?

Some are from the top of buildings, others from helicopter. But I also have a black and white work, more intimate and personal, where I try to make some “street photography”. It is important to me to be on the street level, closer to the people, even to understand the city from above.

Most of your photos are without humans. Is that intentional?

ot intentional. I don’t think much about this. But even without people, I try to show the human presence behind the buildings. A city is perhaps the most complex human work ever made. I see a great human drama in the city shape.

What does architecture mean to you?

I lived in Belo Horizonte, in state of Minas Gerais when I was teenager, and I will never forget the impact of visiting the works of Niemeyer in the Pampulha complex or the colonial cities like Ouro Preto and Sabará. The richness of baroque and modernist architecture in Brazil (and its relations) is a wonderful example of what this country can offer to the world.

You portrayed Oscar Niemeyer – any experiences you want to share about meeting him?

Tuca Vieira: escritório, Rio de Janeiro

Oscar Niemeyer is one the artists I most admire. Not only because of his architecture, but also his example as human being. The first time I went to his office to portrait him was not easy. I have introduced myself, saying I am a great admirer of him. After two or three pictures he sad to me: ok enough. I was disappointed until I put the camera back in the bag. Than we started to chat and we had a wonderful conversation about Brazil, about life. He made me think what I was I was doing there. It was not just about the pictures. He always repeats that architecture is not important. That day I realized that also photography is not important. To meet someone like Niemeyer is much more important.

What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

Composition is important to me. I try to find a balance in the frame. I always have in my mind that every photograph is just an interpretation of the subject. The nature of the photography, its two dimensions, the frame format, request a different way of approaching a subject. It is beautiful to say that the camera is an extension of the eye but I see the camera more as a scratch book.

Where can we see your works? Exhibitions coming up?

I have a website, www.fototucavieira.com.br. Now I am planning this trip to Berlin and it would be wonderful to show my work in Germany.

Tuca Vieira, thank you very much for the interview!!

Bis Mitte Juni kann man im SAM noch ein Stück OMA bewundern. Nein, gemeint ist damit natürlich keine Ausstellung im Stil eines G. v. Hagens, sondern die aktuelle Ausstellung im Basler Schweizerischen Architekturmuseum S AM:

Madelon Vriesendorp, City of the Captive Globe, 1972

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DIE WELT DER MADELON VRIESENDORP
Gemälde, Postkarten, Objekte, Spiele von 1967 bis heute

Kuratiert von Shumon Basar und Stephan Trüby
Eine Ausstellung der Architectural Association, London

16.01. – 14.06.2009

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Madelon Vriesendorp ist Gründungs- mitglied des Office for Metropolitan Architecture (OMA) und Ehefrau von Rem Koolhaas. Die Ausstellung, die zuvor in der Architectural Association Londn zu sehen war, gibt erstmals einen Überblick über 40 Jahre Vriesendorp Schaffens.

Gezeigt werden 50 Gemälde und Zeichnungen, die zwischen 1967 und heute von der in London lebenden Künstlerin erschaffen wurden. Zu sehen sind außerdem rund 8000 Postkarten, die von Vriesendorp und

Madelon Vriesendorp, Flagrant Delit, 1975. Courtesy CCA Montreal

Koolhaas in New York während der 70er Jahre zusammengetragen wurden. Koolhaas selbst verweist in seinem Buch (und Bestseller) “Delirious New York. A Retroactive Manifesto for Manhattan” darauf, dass er dieses immense Postkarten-Archiv wesentlich zu seinen Forschungen beigetragen habe.  Sehr viele ihrer Arbeiten illustrieren Koolhaas’ Buch – das bekannteste, “Flagrant délit“, ist auf dem Cover zu sehen:

Das Chrysler und das Empire State Building in post-koitaler Umarmung in flagranti vom Rockefeller Center erwischt – ein Versuch, das unbewusste Doppelleben der modernen Architektur zu veranschaulichen.

Doch auch vor und nach dieser gefeierten Periode entstanden eine ganze Reihe bedeutender Werke, die von der breiten Öffentlichkeit meist unbeachtet blieben.

In der Ausstellung (Foto SAM)

Darüber hinaus wird dem Besucher  Einblick versprochen in Vriesendorps erstaunliches “Archiv” mit Miniaturobjekten, Modellen und Figürchen (insgesamt einige tausend), in dem unter anderem eine lokal gekleidete, indianische Minnie Mouse zu sehen ist, die sich mit einem geflügelten Weihnachtsmann fraternisiert. Ebenfalls zu sehen ist eine interaktive Sonder-Installation, die eine lebensgrosse Verkörperung des von der Künstlerin erfundenen Psycho-Diagnose Bausatzes “The Mind Game” zeigt sowie neue, bisher unveröffentlichte Arbeiten der Künstlerin.

Die Kuratoren der Ausstellung, Shumon Basar (Direktor Cultural Projects, Architectural Association) und Stephan Trüby (Professor an der HfG Karlsruhe und in Stuttgart ansässiger Architekt und Theoretiker), erhielten einen einzigartigen Zugang zu Vriesendorps aussergewöhnlichem Studio/Archiv im Norden Londons, einer private Kosmologie gefundener und erfundener Symbole und Geschichten. Für Hans Ulrich Obrist ist Madelon Vriesendorp ein “fast unbekanntes Künstlergenie”.

Bei VernissageTV gibt es ein Video zur Ausstellung (engl.).

ArtReview bietet einen ausfürhlichen Artikel zur Künstlerin (engl.).

Ein aufschlussreiches Interview mit Madelon Vriesendorp über ihre Arbeit, anlässlich einer Zwischenstation der Ausstellung in Berlin (aedes) 2008 (dt.).

Am Wochenende eröffnet eine Ausstellung mit Arbeiten von Sven Hamann und Milos Navratil in der BBK Galerie Nürnberg. Über Hamanns Arbeiten, die für die Bedeutung von Architektur sensibilisieren wollen,  habe ich vor einiger Zeit – auch mit einem Interview – berichtet.

Sven Hamann: o.T. - #094_4020_08, Mischtechnik auf Leinwand, 40/20 cm zweiteilig, 2008

Sven Hamann und Milos Navratil

BBK Galerie, Nürnberg

Hirtengasse 3 in Nürnberg

Vernissage Sonntag, 10. Mai 2009, 17 Uhr
Ausstellungsdauer: 10.05. bis 07.06.2009
Öffnungszeiten: Donnerstag und Sonntag jeweils 16-18 Uhr

Weitere Informationen hier.

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Daneben sind Hamanns Arbeiten bis Mitte Juni auch noch in der Galerie Gruppe 10 in Bielefeld zu sehen: Im Rahmen der 8. Bielefelder Nachtansichten wird die Gruppenausstellung “Stadt, Land, Wald, Traum” gezeigt (25.4.-18.6.2009).

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Und worüber ich mich besonders freue: Erschienen ist außerdem Hamanns erster Werkkatalog “06 bis 08″ in Form einer 24-seitigen Broschüre, der Fotografien und Malerei aus den Jahren 2006 bis 2008 mit einer Einführung von mir.

Die Broschüre kann per Mail oder Telefon zu einem Preis von 5 Euro bei Sven Hamann bestellt werden.

Einen sehr speziellen Ansatz verfolgt die Galerie M in Berlin-Marzahn, seit 2008 Karin Scheel die Leitung übernahm. Seit Anfang 2009 werden vorrangig  Projekte von Künstlerinnen und Künstlern gefördert, die in ihrer Arbeit den städtischen Raum thematisieren. Damit reagiert die Galerie auf ihre besondere urbane Situation in Marzahn, im Nordosten von Berlin: Hier ist die größte Großwohnsiedlung im Gebiet der ehemaligen DDR zu finden, die zwischen Mitte der 1970er und Ende der 1980er Jahre entstand. Die vorwiegend in Plattenbauweise errichteten Häuser wurden um das alte Dorf Marzahn als durchgrünte Stadtlandschaft angelegt.

Galerie M © Galerie M

Dieser besonderen urbanen Lage der Galerie prägt das Programm der Galerie:  Ein Teil der Ausstellungen widmet sich langfristigen Kunstprojekte oder/und Kunstaktionen im öffentlichen Raum. Damit ist Galerie M ein Unikat der zeitgenössischen Kunstvermittlung – nicht in der Berliner Kunstlanschaft. Bedenkt man die Vielfalt der hauptstädtischen Szene, keine geringe Leistung!

Neben den wechselnden Ausstellungen ist in den Räumen der Galerie die umfassende Dokumentation zur Geschichte und Gegenwart der Kunst im öffentlichen Raum in Marzahn-Hellersdorf zu sehen.

Gerade zu Ende gegangen ist die Ausstellung von T. W. Blum “höhlen menschen”, deren Ausgangspunkt ein vom Berliner Projektfonds kulturelle Bildung gefördertes Projekt war, bei dem T. W. Blum mit Hellersdorfer Jugendlichen arbeitete. Gemeinsam wurde eine Prozess in Gang gesetzt, bei dem mit  komplexen technischen Möglichkeiten der Malerei, Musik, Video und Fotografie  experimentell in Zusammenhang gebracht. Das Ergebnis waren u.  a. Basics für die Performance „Höhlenmenschen“ in der Galerie M. Mehr Informationen hier.

15 sec © Galerie M

Ab heute (3.5. – 18.6.2009) wird 15sec präsentiert:

(aus der Programmbeschreibung) Ein Auto, eine leere Galerie und 15 Sekunden

Die Autohäuser sind voller neuer Autos, die Parkplätze der Autohändler quellen über. In der Galerie „M“ in Marzahn sieht es ganz anderes aus.
Nur ein einziges Auto ist durch die Glasscheiben zu entdecken. Ist es vielleicht das letzte unverkaufte Exemplar eines besonders erfolgreichen Händlers? Die Wirtschaftskrise lässt keine Ecke der Welt mehr unberührt, sie macht vielen Menschen das Leben schwer oder sogar unerträglich, das sollte die Herausforderung für neue Anfänge und Ideen sein. Im seinem Geburtsland wird die Bedeutung des Automobils, seine Geschwindigkeit in Frage gestellt.

As I already announced, here is the interview with young Portuguese photographer Inês d’Orey. I am happy that Inês found the time to answer some questions about her work – thanks Inês!!

Her fascinating photo series Porto Interior can still be seen at Galleri Image, Aarhus (Denmark) until May, 10, 2009. So if you happen to hang around in Denmark – don’t miss the chance!

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Fenianos 2 (from: Porto Interior), 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

Inês, what can we see at Aarhus?

The exhibition Porto Interior in Galleri Image, presents a selection of 14 large format photographs, part of my ongoing project of  representing empty interiors of public and semi-public spaces in Porto, Portugal. The photographs are exhibited in conjunction with a video projection that incorporates sound recordings of people using the spaces in the photographs.

What is your intention with Porto Interior?

Porto Interior functions as a collection of spaces that I search and find throughout the city. These interiors are photographed absent of any human presence. Familiar places like theatres, swimming pools or staircases, used by people on a daily basis, become stages for a story that is never clear, but that doesn’t need to be clear.  Through digital manipulation, I alter  the photographs subtly until I create  the atmosphere I find appropriate.

Why photography? Why did you become a photographer?

Photography, because it provides the possibility of communicating from a physical and objective reality at the same time, with a subjective subtext underneath. And those two elements put together create a really interesting provocation.

What does art mean to you, which possibilities does it offer?

What is art?

Piscina de Campanhã (from: Porto Interior), 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

How do you choose your motifs?

There isn’t a rule. I’m inspired everyday by different sources that, at a certain point, come together and result in an idea.

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

I never had any role models, specially in photography. My main influences come from cinema , painting and illustration.

In many projects, you focus on architecture, resp. rooms/interiors as well as “space” in general. Why? What does architecture / space mean to you?

Until I finished my degree in photography, I had never been particularly interested in architecture. But then, I started to work with an architecture photographer and was, in a way, „forced” to photograph space! That much delivery and exposure to architecture and being always surrounded by architects made me, slowly, start to acquire a special interest in it. And it reached the point of being, at the moment, my main interest.

What is it that you are interested in when portraying architecture/buildings and people?

The beauty of the form and light, the curiosity of the functionality, the misterious possibility of an unclear narrative.

The everyday usage of spaces tends to make them invisible, indiferent. The more you use the space, the more you ignore it. What photography does is, it selects, focuses your attention and tells you where to look.

Porto Interior, 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

What are your ambitions with your photographs (esp. your “urban” works, but also in a broader point of view)?

I want to trigger the viewer’s imagination: what strange story is happening here? I like to think that the viewer will feel, more than rationalize the photograph.

What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

I always plan and think through before I photograph. I never go out with my camera waiting for something to happen.

I think I could say that my work conceptually stages reality.  I’m more interested in “creating a moment”, more than “catching the moment”.