Shanghai based gallery m97 presents 3 photographers dealing with the recent social and geopolitical developments in China  in their particular point of view, while Berlin gallery Alexander Ochs + White Space Beijing show the latest work “Index” by Miao Xiachun in their new rooms in Beijing. Xiaochun is famous for his large scale photographs, realized with the help of digital technology.

Installation view m97 Gallery © m97 Gallery

.

3 Solo Exhibitions ｜ 三个个展

Li Jun: “Impermanent Instant”
Yang Yi: “Uprooted”
Meng Jin & Fang Er: “Love Hotel”

m97 Gallery, Shanghai

September 5 – October 31, 2009

.

.

.

Li Jun: “Impermanent Instant”

Quoted from PR-Text: In Buddhism, the fundamental concept of  “impermanence” teaches that all living and non-living objects are in an unrelenting constant state of change. Time, existence, and consciousness itself are nothing more than a series of eternally changing impermanent instants.

For the unprecedented frenzy of development that is modern China there is perhaps no more fitting a metaphor than dust. It’s a sign of the old world and a sign of the new world. A sign of the ubiquitous concrete high-rise block and cavernous construction site. A sign of the demolished lanes and dwellings of ancient architecture, as well as a sign of pollution and an insatiable industrial appetite. In China, dust is the ever-looming particulate by-product of the physical metamorphosis that envelops the entire country and its people.

For photography artist Li Jun, the phenomenon of dust that envelops the simple objects and possessions of his Chengdu apartment and the haunting traces the objects leave offers poetic empirical proof of his and their temporary impermanent existence, however ephemeral, amidst tumultuous

YANG YI: "Uprooted #12: Old Town of Kaixian, The Ring Road" (2007) C-Print. 100cm x 70cm, Edition of 12; 150cm x 105cm - Edition of 6. © YANG Yi. Courtesy of m97 Gallery.

Yang Yi: “Uprooted”

Yang Yi photographed his childhood hometown which has been flooded by the Three Gorges Dam, damming the  Yangtze River in the Hubei province of China. The controversial project is the world’s largest engineering and construction site, which has displaced over 1.24 million people and destroyed several cities as well as archeological and cultural sites.

In the sepia-colored works, Yang Yi documented his hometown before being flodded and conceptually immerses the residents under water. A reverie of human life still persisting in this submerged, quiet town that inevitably has now been washed away.

MENG JIN + FANG ER: "Hotel 69" (2008-09) C-Print. 90cm x 90cm, Edition of 8; 150cm x 150cm, Edition of 10. © MENG Jin + FANG Er. Courtesy of m97 Gallery.

Meng Jin & Fang Er: “Love Hotel”

Quoted from PR-Text: Partners Meng Jin and Fang Er’s first collaborative photography project, “Love Hotel” explores the two artists’ ongoing interest in urban life, architecture, memory and found objects, and the inter-relationship between physical buildings, objects and their social context. The couple worked on-site within the framework of 3-hour ‘rest’ periods in various ‘short-stay’ hotels creating improvised, spontaneous sculpture works with the existing objects found in the rented love hotel rooms. Slightly amorphous structures, the rearranged inanimate objects hint at entangled anthropomorphic creations in this fantasy space devoid of actual human presence.

..

.

.

.

.

Miao Xiaochun: Index

ALEXANDER OCHS GALLERIES BEIJING + WHITE SPACE BEIJING
September 7th – November 7th , 2009

.

Miao Xiaochun, R17 09.4.11, 2009 Digital print, 25 x 95 cm and 42 x 160 cm © M. Xiaochun, A.O.Galleries

Artist Statement/PR-Text: “We all give priority to the ‘objectivity’ of photographs; however, everyone makes a subjective choice prior to shooting. We choose the theme, the location, the time of shooting, the aperture and the shutter speed; we decide on the people and objects entering the frame. If we really don’t know what to shoot, we can shoot first and select later or we can ask someone else to choose for us. [...]

Therefore, I use a Seitz Roundshot-Camera for the Beijing Index. This way, I don’t have to choose the shooting angle, since it is a 360 degree anyway, with all angles included. I took a map of Beijing and draw longitudes and latitudes of equal distance. The crossing points of those lines define the shooting locations. It does not matter if those locations are important and interesting or not. I set up the camera and took a photograph in order to shoot something that’s not planned. I just wanted to shoot more and more. [...]“

Foto-Ausstellungen in Berlin, die sich mit Architektur befassen: Alexandra Schraepler transformiert Räume zu malerisch anmutenden Bildwelten (läuft gerade an), Jörg Steck gibt der anonymen Globalisierung ein Gesicht – in Konzernrepräsentanzen (ist gerade zu Ende gegangen | verlängert bis Ende Okt.!), und die Megapolis Tour geht in die zweite Runde (läuft noch bis Ende Oktober).

Photo exhibits in Berlin focusing on architecture: Alexandra Schraepler transforms spaces to painterly imageries (just started), Jörg Stecks gives a face to anonymous globalisation – in the firms’ representational head quarters (just finished | extended until end-Oct.), and the Megapolis Tour goes into the 2nd round (until the end of October).

Alexandra Schraepler, Raumtransformation, am. Freizeitpark 7/1 2009 © A. Schraepler

.

Alexandra Schraepler – Raumtransformationen

16. Oktober – 28. November 2009

Galerie en passant, Berlin

.

.

Alexandra Schraeplers Arbeiten beschäftigen sich mit Stadt, Raum und Architketur, mit Bewegung und/in urbanene/n Strukture. Ihr Fokus liegt darauf, neue Bildwelten zu schaffen. Foto-Ausschnitte aus Architektur- und Raumkontexten dienen als Arbeitsgrundlage. Sie setzen sich zum Teil aus unterschieldichen Bildelementen zusammen, so werden etwa Architektur- oder Modellaufnahmen mit Realitätsausschnitten kombiiert. Durch analoge Verfremdungen und Überlagerungen durch Spiegelungen wird der ursprüngliche Bildraum der Fotografien “verunklärt”.

In diesen RAUMTRANSFORMATIONEN verschwimmmen Architekturfragmente und Raumteile, sie werden dynamisch und lösen sich stellenweise geradezu auf. Mediale und reale Räume werden miteinander verwoben und entwicklen malerische Qualitäten. Wirklichkeit und Unwirklichkeit verschmelzen in diesen Bildwelten, die dem Betrachter neue Erfahrungsebenen durch Irritation der gewohnten Raumwahrnehmung und Sehgewohnheiten eröffnen.

Infos + Bilder Alexandra Schraepler

.

.

.

aus der Installation "Promisses of Belief and Hope" © Jörg Steck

.

Jörg Steck – Promisses of Belief and Hope

5. September bis 17. Oktober 2009 verlängert bis 31.10.

Galerie IAC-Berlin

.

.

Der Begriff der Globalisierung ist in aller Munde und gewinnt immer mehr Bedeutung – obwohl er eigentlich nicht recht fassbar ist. In der Regel wird in ökonomischen Zusammenhängen von Globalisierung gesprochen: Typisch sind internationale Megakonzerne, die sich stetig vergrößern und weltweit agieren, die von einem Heer von Managern und Vorständen geleitet werden, die häufig wechseln. Diese Firmen erscheinen hyrdaartig und gesichtslos.

Sichtbar werden diese Konzerne in ihrer Architektur. So ist es etwa üblich geworden, in den TV-Nachrichten bei Berichten über Firmen deren mit dem Firmenlogo versehenes Haupt”quartier” einzublenden.

aus dem PR-Text: [Diese] Bauten gleichen sakralen Inszenierungen und symbolisieren Macht durch Grösse, Höhe und Ehrfurcht einfordernde Materialität und Massstäblichkeit. Markierten von alters her die größten Gebäude die Grenze zwischen weltlicher und kirchlicher Macht und Gerichtsbarkeit in Form von Stadttoren und Kirchtürmen, so sind heutzutage die Repräsentationsgebäude und Logos jener Konzerne und Marken der globale Inbegriff von Wirtschaftskraft, Fortschritt und Weltläufigkeit, welche durch ihre gigantische Grösse oder allgegenwärtige Präsenz Unverwundbarkeit durch Überlegenheit symbolisieren.

Jörg Stecks Installation zeigt lichtinszenierte Kulissen und Fassaden von Repräsentationsbauten, die Transparenz vermitteln wollen (Glas!), aber die Sicht von außen nach innen versperren. In den C-Prints und Leuchtkästen wird “die analog zum Warenkult zu beobachtende religiöse Überhöhung der Wirtschaftssysteme und ihrer Marktmechanismen  insbesondere in der aktuellen Krise durch die Wahl von Terminologien wie “Sündenfall” und “Heilsversprechen” zum Ausdruck gebracht, bei der die häufig geforderte “Rückbesinnung” auf bestimmte Lehren die Leere der Ratlosigkeit gegenüber steht”.

Infos + Abb.  IAC Berlin, Jörg Steck

.

.

.

.

THE MEGAPOLIS TOUR #2
Bombay by Johann Rousselot

Seven Star Gallery, Berlin

September 25 – October 31, 2009, Seven Star Gallery

.

.

As already reported in July, the THE MEGAPOLIS TOUR presents portrays of 14 mega cities all around the world, destined to be the largest by 2020. The portrays are taken by 14 international photographers, chosen for their particular work. After New York in Summer, the 2nd megapolis is Bombay, photographed by Belgian photographer Johann Rousselot.

Rousselot travelled in India for months, where Bombay captured his attention most. His series “India Shining, India Crying” and “Indian Night” show the glamour and the silence, the optimism and emotionality of this contradictory country. The best motifs are shown in the Megapolis Tour exhibit.

UN predictions have it that Bombay will have more than 24 Mio. inhabitants by the year 2020. Then she will be the 2nd largest city in the world, next to Tokyo.

“The Megapolis Tour” consists of 14 Hardcover Booklets.

More info THE MEGAPOLIS TOUR

.

October 12, 2009 has been a big day for American architecture: Richard Meier turned 75.  Reason enough to raise a glass to him, says TASCHEN and announces a special artist’s edition of a publication dedicated to R. Meier.

.

Richard Meier

Hardcover + Box, 22.5 x 30 cm, 176 pages
€ 1250.00

The limited edition of 100 copies worldwide, each numbered and signed by Richard Meier in 1996, traces the development of Richard Meier, one of the foremost architects of our times, and affords a generous overview of his projects to date.  The monograph is not suited for an impluse buy though – it is a collectors edition and thus is available for the high price of 1250€…

More info here.

.

.

For the smaller budget, there’s another possibility:

Richard Meier & Partners, Complete Works 1963-2008

Jodidio, Philip
Hardcover, 30.5 x 39 cm, 568 pages
€ 100.00

The great American architect’s career to date

“The entire span of Meier’s career, right up to his most recent designs for New York and Shenzhen, is included in this exceptional volume, created in close collaboration between the architect, the author, and the eminent graphic designer Massimo Vignelli . This spectacular monograph displays Meier’s work in unprecedented size and brilliance, and features a preface by the noted Spanish architect Alberto Capo Baeza.”

More info here.

A new group exhibition, with the participation of French architects/artists duo Microclimax, starts today, presenting 10 artists taking part in the artist-in-residence program at the old collège Victor Hugo, Sète.

.

.

Faux Amis

Chapelle du Quartier Haut, rue Borne, Sète

16.10.-22.11.2009

Vernissage 15.11.2009, 18.30h

.

..

With the particiption of Aldo Biascamano, Stephan Biascamano, Céleste Boursier-Mougenot, Christophe cosention, Claude Dadu, Jean Denant, Microclimax, Mael Mignot, Sabine Réthoné, Thérèse Walko.

Nach der Sommerpause bietet der Herbst wieder eine Fülle spannender Ausstellung in ganz Deutschland. Die interessantesten stellt deconarch in diesen Tagen nach und nach vor. Und dass es nicht immer Berlin sein muss, zeigt diese Auswahl – in Mülheim werden Arbeiten von Deimel + Wittmar gezeigt, in Stuttgart sind Fotografien des bedeutenden türkischen Fotografen Ara Güler zu sehen und in Dresden ist Beate Gütschow zu Gast.

After the summer break there’s a lot to discover in autumn. Many exciting exhibitions are presented in and outside Germany. deconarch presents the most interesting ones within the next days, step by step. And it’s not always necessary to travel to the “art capital” Berlin – in Mülheim works by Deimel + Wittmar are shown, in Stuttgart photographs by the famous Turkish photographer Ara Güler, and Dresden hosts Beate Gütschow.

Deimel + Wittmar, Hoechst Frankfurt, C-print Diasec gerahmt, 100 x 70 cm © Deimel + Wittmar

.

Deimel + Wittmar

Hubertus v. Amelunxen
Jenseits der zwanziger Jahre – Diesseits der Fotografie

12. September bis 16. Oktober 2009

Galerie Ricarda Fox, Mühlheim

.

.

PR-Text: Deimel + Wittmar haben Architekturen der zwanziger Jahre gesichtet, haben Blicke zu Fotografien gemacht, ohne dass sie anderen als den eigenen Ansprüchen zu folgen hatten. Freie Bilder, Fotografien, die dem eigenen Verlangen entspringen können, Entsprechungen zu schaffen, die nicht der funktionalen, sondern der geistigen Bestimmung gelten. Sie haben seit 1996 Gebäude besucht, die zumindest architekturhistorisch am Rande liegen, weniger für den architektonischen »Aufbruch« als für eine eklektizistische Kontinuität stehen.

Deimel + Wittmar, Disch-Haus Köln, C-print, 60 x 80 cm © Deimel + Wittmar

Was sie mit ihren Fotografien anbieten, ist eine Art erneuten Lesens der Bauten, wie ein Buch, das, nach vielen Jahren aus dem Regal genommen, wiedergelesen und nun erst geschrieben wird. Und eben dies vermag ja die Fotografie, mit jedem Schritt auf einem bekannten Weg Unerkanntes und nicht Gesehenes zu heben, Dinge oder Geschehen nicht zu dokumentieren, aber sie in die Zeit anderer Blicke zu stellen. Die Fotografien bieten Einblick in den strukturellen Umfang der Architekturen wie auch in die Distanz, die sich zu ihm offenbart. Es ist eine doppelte Distanz zur Architektur, in die uns Deimel + Wittmar mit ihren Arbeiten stellen. Jeden in der Aufnahme historisierenden Gestus vermeidend, werden sie dem Medium Fotografie gerecht und verhindern den Eindruck einer historischen Kontinuität in der bewussten Fragmentierung. In jedem Bild lassen sie die Architektur anders überleben, mit jedem Bild legen sie offen, was nicht zu sehen ist. Sie haben sich im Sinne Walter Benjamins fotografisch an die Arbeit der Übersetzung gemacht, Gänge durch die Arkaden der Architektur unternommen, um in formaler wie konzeptioneller Strenge uns ein Angebot der Teilhabe zu unterbreiten.

(Gekürzte Fassung des Textes “Jenseits der zwanziger Jahre – diesseits der Fotografie” in: Ulrich Deimel/Petra Wittmar, “Jene zwanziger Jahre”, Ostfildern: Verlag Hatje Cantz 2003)

Info + Abb. Galerie Ricarda Fox, Deimel + Wittmar

.

.

Ara Güler © Magnum Photos

.

Ara Güler Das Auge Istanbuls

30. September – 22. November 2009

vhs-photogalerie
Stuttgart

.

Der große türkische Fotograf Ara Güler (*1928) porträtiert seine Heimatstadt Istanbul; dabei liegt sein Fokus häufig auf kleinen Details, dem einfachen Leben und Kindern. Er arbeitet meist mit einer Leica in Schwarzweiß.

“Wenn ich die Hagia Sophia fotografiere, ist für mich am wichtigsten der Mensch, der an ihr vorbeiläuft.” A. Güler

Güler wurde für seine Werke mehrfach ausgezeichnet: 1961 bezeichnete ihn das “Photography Annual” als einen der sieben besten Fotografen weltweit, 1962 wurde er zum “Master der Leica” gekürt, 1968 wurde er vom Museum of Modern Art, New York zu den “Zehn Meistern der Farbfotografie” gewählt. In seiner Karriere als Fotojournalist arbeitete er für große internationale Zeitschriften wie TimeLife, Paris Match oder Der Stern. Ara Güler ist Mitglied der Agentur Magnum Photos.

Eine Auswahl seiner Aufnahmen von Istanbul ist bis Ende November in der VHS Photogalerie Stuttgart zu sehen.

Infos + Abb. VHS Photogalerie Stuttgart

.

.

Beate Gütschow S#3,1 2009 LightJet print 142 x 122cm © VG-Bildkunst

.

.

Beate Gütschow place(ments)

Beate Gütschow (*1970) erringt zunehmend mehr Aufmerksamkeit für ihre Arbeiten, die auf den ersten Blick wie technisch perfekte Landschaftspanoramen, erscheinen, tatsächlich aber das Ergebnis eines aufwendigen Puzzles aus Fragmenten der Realität sind.

Aus dem PR-Text: Als Ausgangsmaterial verwendet die Künstlerin analoge Fotografien, die sie digitalisiert und archiviert. Am Computer setzt sie bis zu hundert Einzelaufnahmen zu einem Bild zusammen.

Die vorgenommene Manipulation blendet die Realität weder aus noch versucht sie, sie zu überbieten; stattdessen konstruiert sie – aus den Fragmenten des Gegenwärtigen – Erkenntnisräume des Vergangenen (Landschaft) oder Aufzeichnungen des Zukünftigen (Stadt).

Der komplexe Entstehungsprozess von Gütschows Arbeiten ist stets mitzudenken, hinterfragt die Künstlerin doch durch ihn die Authentizität fotografischer Reproduktionen. Mit den Mitteln der Fotografie bearbeitet sie ideale Projektionen von Natur und Architektur in der Kunstgeschichte, die bereits zu kollektiven Wahrnehmungsmustern und zur Bildkonvention geworden sind. Schon die Landschaftsmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts von Claude Lorrain, Nicolas Poussin oder Jacob van Ruisdael bediente eine Fiktion: Die ideale Landschaft wurde nach einem festgelegten Kompostitionschema im Atelier konstruiert. Im Gegensatz zu den arkadischen Landschaften herrscht in Gütschows schwarz-weißen Stadtbilder eine pessimistische Stimmung: Die großformatigen Fotos zeigen unwirtlichliche Gegenden mit heruntergekommenen Gebäuden, modernistische Fragmente fügen sich zusammen zu einer negativen Utopie.

In Dresden wird zum ersten Mal  Gütschows neue Serie I (Innenräume) gezeigt. Zum ersten Mal in Deutschland sind außerdem neue Arbeiten aus der Serie S (Stadtlandschaften) zu sehen. Außerdem werden auch Arbeiten aus LS (Landschaft) präsentiert, mit denen die Fotografin bekannt wurde. Insgesamt werden 40, teils großformatige, Arbeiten ausgestellt.

Webseite Beate Gütschow

Infos + Abb. Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Beate Gütschow, alle Bilder Courtesy Sonnabend Gallery New York, Produzentengalerie Hamburg, Barbara Gross Galerie Munich, Collection Louise and Eric Franck

Frank Sinatra hat es auf den Punkt gebracht – der “Big Apple” ist immer in Action, ist quirlig, hektisch, turbulent. Aber es gibt auch dort Momente, in denen die Stadt zur Ruhe kommt, in denen die Hektik aus dem Blickfeld weicht und die Metropole zu schlafen scheint. Christopher Thomas hat sie in faszinierenden Schwarzweiß-Aufnahmen eingefangen.

Frank Sinatra knew it – the “Big Apple” is always on the go, is hectic, lively, in action. But even in NY there are moments when the city calms down, when the hectic disappears and the metropolis seems to fall asleep. German photographer Christopher Thomas has captured them in fascinating b/w shots, using classic techniques and thus producing images that appear timeless (even though he shot most of the images in the past 2 years).

In autumn 2009, a photo book, edited by Prestel, collects 80 of the most impressive photographs, and an exhibition in Munich presents the photographs for the first time.

Christopher Thomas, Fifth Avenue, Pigment Fine Art Print, 56 x 76 cm © Ch. Thomas

.

Christopher Thomas – New York Sleeps

18. September – 31. Oktober 2009

Bernheimer Fine Art Photography
München

“I want to wake up in a city, that never sleeps!

New York, New York”

Und sie schläft doch. Christopher Thomas hat New York am frühen Morgen fotografiert. Und plötztlich begegnet die Stadt als ein Ort der Stille jenseits des hektischenAlltags, eine verzauberte Metropole ohne Menschen: Grand Central Station, Fifth Avenue, Flatiron Building, Katz’s Restaurant, Brooklyn Bridge…  – vertraut und fremd zugleich.

Thomas, der als  renommierter Werbe- und Modefotograf über alle avancierten Technologien verfügt, fotographiert mit einer Großbildkamera, die ihn zur Langsamkeit zwingt (eine für ihn gebaute Linhof Laufbodenkamera), mit Stativ, schwarzem Tuch und schwarzweißen Polaroid-Filmen. Auch mit seiner klaren Konzeption von Aufnahmetechnik, Komposition, Licht, Format und dem Verzicht auf Farbe, dem exquisiten Druck in reicher, subtiler Tonalität wie auch der Präsentationsform – handgeschöpftes Büttenpapier, Passepartout, im Rahmen schwebend montiert – nimmt er klassische Traditionen auf.

Die so entstandenen Fotografien erinnern an die klassischen Aufnahmen der frühen Fotografen und zeigen ein New York, das zeitlos erscheint.

PR-Text: “Er verwendet einen schwarz/weiß – Film Typ 55 von Polaroid, wie ihn bereits auch schon Ansel Adams verwendet hat. Dieses Filmmaterial besteht aus einem Negativ und einem Positiv. Das Negativ ist sehr groß (ca. 10 x 13 cm), extrem feinkörnig und nuancenreich. Christopher Thomas arbeitet mit dem Negativ (und nicht wie üblich mit dem Positiv), von dem er dann die Abzüge macht. Die Schwierigkeit bei dieser Arbeitsweise liegt darin, dass das Negativ sehr empfindlich ist und sofort nach dem Entwickeln (nach ca. 20 Sekunden) in ein Natriumsulfitbad gelegt werden muss, um es zu klären und den Entwickler zu entfernen. Ein Photograph in einer der modernsten Städte der Welt bedient sich also einer historischen Technik und es entstehen Bilder von zeitloser Ästhetik.”

Christopher Thomas, Solomon R. Guggenheim Museum, Pigment Fine Art Print, 101,6 x 142,4 cm © Ch. Thomas

Entstanden sind die Fotografien – nach ersten Aufnahmen im Jahr 2001 (vor dem 11. September) – in den letzten beiden Jahren zu allen Jahreszeiten. Eine Auswahl von 80 Arbeiten ist in einem im Herbst 2009 im Prestel Verlag veröffentlichten Bildband versammelt. Zeitgleich zeigt die Bernheimer Fine Art Photography zum ersten Mal die Photographien der Serie New York Sleeps.

.

.

Infos + Bilder Bernheim Fine Old Masters + Christopher Thomas

An international exhibition project, which I discovered on Facebook, is currently taking place in Serbia: AT THE ZENITH / U ZENITU, presenting 11 artists from Sweden, Denmark and Serbia. Of particular interest to deconarch is artist and organisator Nina Todorović who focuses on the visual exploration of architectural spaces in her work and who I want to introduce a little closer soon.

AT THE ZENITH / U ZENITU
Magacin
Kraljevića Marka, 4
7th Oct. – 14th Oct. 2009

Participating artists:

Stina Pehrsdotter, Niclas Hallberg, Paulus Bodoni Derksen (Sweden); Michael Chang (Denmark); Anica Vučetić, Vera Stevanović, Zoran Todović, Predrag Terzić, Isidora Fićović, Daniel Lončar, Nina Todorović (Serbia).

Nina Todorovic, Defensive Structures Underground, 2009 © N. Todorovic

PR: The exhibition under the title AT THE ZENITH represents the continuing of the international project WARMING, initiated in 2008, by the Swedish artists Niclas Hallberg and Stina Pehrsdotter. WARMING was a workshop and an exhibition, in the artist-run space Formverk (art zone), Eskilstuna, Sweden.
The persons running the space are the artists Hallberg and Pehrsdotter, already well known on the Serbian art scene. The theme of WARMING was given by the group of Serbian artists, and during their visit to Sweden the official collaboration between the artists of two countries started.
That collaboration is now continuing trough the exhibition, entitled AT THE ZENITH, for which the theme was suggested by the well-known and respected art professor, art historian and critic Tom Sandqvist, Sweden. The collaboration has grown, in this occasion, so, besides three Swedish artists, among the participants will also be one artist from Denmark.

© Vera Stevanović

The exhibition will deal with the theme of Zenith, and personal perceptions of this notion, trough different media (video, ambiental and video installations, paintings, drawings, digital photo).

Das Gespräch im Rahmen der Berliner Stadtumbauwoche soll Fragen zum Umgang mit der Kunst im öffentlichen Raum im Rahmen des Stadtumbauprozesses thematisieren. Ist die Umsetzung ortlos gewordener Kunst an neue Standorte möglich oder hat sie mit dem Verlust des Ortes ihre Funktion verloren? Diese und weitere Fragen zum Thema stehen am 11.10.09 ab 18.00 Uhr in der Galerie M zur Diskussion.

The talk about “Kunst im Stadtumbau” (Art and Urban Reconstruction) thematizes questions on how to deal with art in public spaces during urban reconstruction measurements. Is it possible to move art works created for a certain public space to a new location (when the original location gets changed) or has it lost its value with the loss of the original position?

The discussion takes place at Galerie M, Berlin (11.10.09, 18h), and is part of the “Stadtumbauwoche Berlin 2009″, an event to raise awareness for urban reconstructive developments in the different districts of Berlin.

-

Kunst im Stadtumbau, Gespräch

Galerie M

www.galerie-mh.de
www.kunstraum-m.de

18.00-20.00h, 11.10.09

Gäste:
Josephine Günschel , Künstlerin
Thorsten Goldberg, Künstler
Bruno Ebersbach, Architekt
Gabriele Pütz, Landschaftsplanerin
Norbert Lüdtke, Bezirksstadtrat für ökologische Stadtentwicklung, Bezirksamt Marzahn-Hellersdorf
NN, Senatsverwaltung für Stadtentwicklung

Moderation:

Peter Funken

Fassade von Jim Avignon, Marzahn, Foto: Karin Scheel

Mit dem Bau der Großsiedlung Marzahn-Hellersdorf entstanden vor 30 Jahren auch die ersten Werke von Kunst im öffentlichen Raum. Sie waren vorwiegend architekturbezogen und schmückten die Eingänge von Kindereinrichtungen, die Räume der ersten Gaststätten oder die Fassaden von Schulgebäuden. Sie waren das Startsignal für ein bis heute einmaliges Kunstprogramm in einem neu geschaffenen Stadtraum. Nach Abzug der Baukombinate legte das Kunstprogramm für die Großsiedlungen einen Zwischenstopp ein. Im Zuge der Maßnahmen zur Wohnumfeldverbesserung lebte es in den 1990er Jahren vor allem in Hellersdorf wieder auf. Im Unterschied zu den 1980er Jahren kam nun vielfach das Verfahren des Kunstwettbewerbs für vordefinierte Standorte zum Zuge. Der Beginn des neuen Jahrtausends stand unter dem Vorzeichen des Stadtumbaus und stellte die Kunst im öffentlichen Raum vielfach auf eine harte Probe. Im Zuge von Rückbaumaßnahmen konnten nicht alle Kunstwerke erhalten werden.
Der Bezirk Marzahn-Hellersdorf hat von Anfang an die Kunst im öffentlichen Raum als Bestandteil des Stadtumbau-Programms vorgesehen und eine Bestandsaufnahme veranlasst. In deren Folge wurden einzelne Kunstwerke konservatorisch abgenommen, gesichert und in einem Schaudepot „Zwischenablage“ (Riesaer Str. 94) erneut präsentiert und der allgemeinen Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Ein deutschlandweit bislang einmaliges Projekt für einen zeitgemäßen Umgang mit Kunstwerken, die ihren Standort verloren haben.
Seit kurzem liegt mit dem Buch „Kunst in der Großsiedlung“ eine umfassende Dokumentation von 462 Gestaltungen vor, die den Stadtraum der Großsiedlung geprägt haben.

Stadtumbauwoche 2009

Mit der Stadtumbauwoche möchte die Senatsverwaltung für Stadtentwicklung mit den Bezirksverwaltungen, ihren Beauftragten und programmbeteiligten Akteuren die Bürger und Bürgerinnen der Stadt auf die Vielfalt der Stadtumbauaktivitäten sowie beispielhafte und innovative Veränderungen aufmerksam machen, die sich im Kontext des Stadtumbaus in vielen Stadtteilen vollziehen.

Infos + Bilder: Galerie M und Stadtumbau Berlin

Im Goethe Institut in Lyon werden in Resonanz mit der Biennale von Lyon 2009 die eindrucksvollen Arbeiten des Düsseldorfer Fotografen und Becher-Schülers Laurenz Berges gezeigt. Seine Serie “Räume in russsischen Kasernen” ist in den 90er Jahren entstanden und porträtiert die verlassenen, aber noch nicht umgenutzten bzw. zerstörten Gebäude der russischen Armee.

Until the end of October, the Goethe Institut Lyon presents the impressive photographys of Düsseldorf photo artists Laurenz Berges, on of the last master students of Bernd Becher. In his series “Räume in russischen Kasernen” (Rooms in Russian caserns), shot in the 90s, he portrays the deserted, yet not functionally converted or destroyed buildings and traces the presence of the Russian soldiers in a subtle and sober way.

© Laurenz Berges

InIn.

Laurenz Berges: Räume in russischen Kasernen

in Resonanz mit der Biennale von Lyon 2009
Im Zuge von Docks Art Fair: Parcours ArtLine to Everywhere

Goethe-Institut Lyon – Goethe-Loft

17. September – 30. Oktober 2009

.

.

Noch bis zum 30. Oktober werden Laurenz Berges’ (*1966) Fotografien im Goethe Institut Lyon gezeigt. Die zwischen 1991 und 1995 entstandene Serie zeigt die architektonischen Hinterlassenschaften, die nach dem Abzug des russischen Militärs nach der Wende in Ostdeutschland zurückblieben. Damals waren die verlassenen Gebäude bereits etwas verfallen, ihre Zerstörung oder Umnutzung folgte jedoch erst später. Zur Zeit der Fotografien Berges’ standen die Räume leer, doch meistens waren noch Objekte vorhanden, die auf die früheren Lebensumstände rückschließen ließen. Diese Spuren erzeugen eine melancholische, oft auch beklemmende Atmosphäre.

© Laurenz Berges

In seinen Aufnahmen verzichtet der Düsseldorfer Fotograf auf eine überhöhende Perspektive ebenso wie darauf, Symbole, Embleme, Inschriften oder andere bedeutungsschwere Zeichen, die vor Ort sicher zu beobachten waren, zu zeigen. Stattdessen sind seine Fotografien geprägt von der für die Becher-Schule typischen Klarheit, Nüchternheit und Lakonik – Berges war einer der letzten Meisterschüler von Bernd Becher.

Laurenz Berges studierte von 1986-1992 an der Universität Essen Fotografie, arbeitete von 1988-1989 als Assistent bei der Fotografin Evelyn Hofer in New York und setzte sein Studium ab 1992 an der Staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf fort. 1996 schloss er dort das Studium als Meisterschüler bei Bernd Becher ab.

© Laurenz Berges

Zitiert von Texte zur Kunst:

“Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die genaue Beobachtung. In Anlehnung an ethnologische Verfahrensweisen erinnern Berges Fotografien an Feldforschungen, nur dass hier der Blick zurück auf die eigene „Kultur“ – bevorzugt auf kulturelle bzw. soziale Relikte – gerichtet wird. Seine Sujets verfolgt er manchmal über mehrere Jahre. Zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten sucht Berges immer wieder dieselben Orte auf. Jedoch geht es ihm, der sich auch intensiv mit dem Werk amerikanischer Fotografen wie Walker Evans, Robert Frank und William Eggleston beschäftigt hat, in seinen Arbeiten nicht um Sozialstudien oder zeitgeschichtliche Dokumente. Vielmehr wird in den Fotografien die Atmosphäre von Orten aufgespürt und festgehalten. Obwohl die auf einen konkreten historischen Kontext verweisenden Symbole bewusst ausgeblendet werden, tragen die Bilder gerade durch ihre Spuren der Abwesenheit zahlreiche Hinweise auf ihr soziales Milieu. Auf diese Weise wird den Bildern, die sich durch ihren scheinbar sachlich-dokumentierenden Blick auszeichnen, ein manchmal abstrakt-zeichenhafter Charakter verliehen. „Häuser“ bzw. „Wohnungen“ lassen sich in Berges Arbeiten als immer wiederkehrendes Thema finden.”

Info s + Foto Goethe Institut + Laurenz Berges, Texte zur Kunst.de

Zwei sehr unterschiedliche Fotografen sind in der Kunsthalle Erfurt und in Dresden zu sehen, die sich beide auf jeweils eigene Art mit landschaftlichen und architektonischen Räumen bzw. mit der Architektur Dresdens auseinandersetzen.

Two very different photographers show in Kunsthalle Erfurt and in Dresden, both of them dealing with landscape and architectonic spaces resp. with the architecture of Dresden in a particular way: Swiss photographer Loan Nguyen herself appears in her images, always pointing to something – the gesture is a reference to a long art historic tradition – the photographs composed in a painterly way. Her work can be understood as a comment on questions of “home” and “migration”.

American photographer Fredrik Marsh is tracing the “transitions” of Dresden, the changes and developments the city has come across since the reunion of the 2 Germanies. Like an archeologist he focusses the decayed buildings in the suburbs in particular.

Loan Nguyen: Dents de Vesivi, 2007 © L. Nguyen

.

.

Loan Nguyen: Stellenweise
Kunsthalle Erfurt

08. 10. – 29. 11. 09

.

.

.

.

Nach zahlreichen Beteiligungen an internationelen Ausstellungen in den letzten Jahren hat die Schweizer Foto-Künstlerin Loan Nguyen (*1977) jetzt ihre erste museale Einzelausstellung in Deutschland: In der Kunsthalle Erfurt wird Nguyens Arbeit “Mobile” gezeigt, eine eine einzige offene Serie,  an der die Fotografin sei 2003 arbeitet:

(PR-Text) In nahezu allen Aufnahmen erscheint sie selbst – dem nicht eingeweihten Betrachter zunächst als anonyme Figur – vor landschaftlichem oder architektonischem Hintergrund. Mit eher verhaltenen, stillen Gesten deutet Loan Nguyen auf etwas, weist sich über ihre bloße Anwesenheit im Bild eine Stelle in der Welt zu und den Betrachter auf diese hin. Dieser Zeigegestus hat in der Malerei eine lange Tradition. Auch Anlage und Komposition der einzelnen Fotografien sind ganz entschieden malerische.

Loan Nguyen, Marrée haute, 2009 © L. Nguyen

Ihre Arbeit lässt sich aber auch im Kontext virulenter Themen wie “Heimat” und “Migration” interpretierten. Zum einen über ihren eigenen, asiatisch anmutenden Phänotypus im Kontrast zur europäischen Landschaft. Zum anderen über das Projekt, “De-Retour”, entstanden anlässlich der Reise ihres Vaters, Schweizer Staatsbürger wie sie, der erstmals nach 38jähriger Abwesenheit wieder das Land seiner Kindheit Vietnam besuchte.

Für die Erfurter Ausstellung produziert Loan Nguyen darüber hinaus eine weitere Werkgruppe “Weather”, die bewusst-naive Bemühungen, auf das Wetter (und den Klimawandel) Einfluss zu nehmen, zeigt.

Infos + Fotos Kunsthalle Erfurt

——————

——————

Fredrik Marsh, Verlassene Wohnung, nahe Stauffenbergallee, Dresden 2006 © F. Marsh

.

Fredrik Marsh

Übergänge. Das Dresden Projekt | Transitions. The Dresden Project

Technische Sammlungen Dresden. Museen der Stadt Dresden

18. 09. 2009 bis 24. 01. 2010

.

.

Die Fotografien von Fredrik Marsh (*1957) reflektieren die “Übergänge”, die Veränderungen im städtebaulichen Ambiente Dresdens als Folge der gesellschaftlichen Umbrüche nach 1989. Wie ein Archäologe arbeitete sich der aus Columbus (USA) stammende Fotograf seit 2002 immer weiter in die Geschichte der Stadt vor. Sein Interesse galt dabei besonders den verlassene Wohn- und Industriegebäuden in den Randzonen der Stadt. Hier fing er mit Panoramafotografien und großformatigen Außen- und Innenbildern von Gebäuden die Überlagerung historischer Schichten, die Spuren gelebten Lebens ein, die die jüngere ostdeutsche Geschichte sowie die Veränderungen durch den Wiederaufbau und die Erneuerung Dresdens hinterlassen haben.

Fredrik Marsh, Gasometer, Dresden-Reick, Dresden 2002 © F. Marsh

“Die Übergänge sowohl im rein Gegenständlichen wie in der kollektiven Psyche der Einwohner der Stadt haben mich tief bewegt. Deshalb ist es mein Anliegen, eine visuelle Dokumentation dieser historischen Periode zu überliefern, bevor ihre Spuren – und das dazugehörige kulturelle Gedächtnis – für immer verblassen.”
Fredrik Marsh 2009

Infos + Fotos Technische Sammlungen Dresden und Frederik Marsh