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“Herein!” – “Come in” is the title of the current exhibition at the Art Foyer DZ Bank in Frankfurt. It presents photographed interiors by several photographers who follow different approaches to the topic.

Miriam Bäckström, Set Constructions, 1995-1990 © M. Bäckström

Herein! – Fotografierte Interieurs

14. April – 11. Juni 2011

ART FOYER DZ BANK
Eingang: Cityhaus I, Friedrich-Ebert-Anlage
Frankfurt
www.dzbank-kunstsammlung.de

Miriam Bäckström |Laurenz Berges |Katharina Bosse |Lynne Cohen | Lucinda Devlin | Martin Doerbaum | Julian Faulhaber | Luigi Ghirri| Alex Hartley |Matthias Hoch |Candida Höfer | Sarah Jones | Louise Lawler |Robert Longo | Paulo Nozolino | Jason Oddy |Lois Renner | Georges Rousse | Raïssa Venables

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PR-Text: Herein, bitte! Jeder ist willkommen. Die Einladung ist freundlich und ernst gemeint. Aber Vorsicht! Wer der Aufforderung nachkommt, wird aus den betretenen Räumen womöglich schnell wieder heraus wollen, handelt es sich doch in den meisten Fällen um Flucht und Zufluchtsorte, die es entweder gar nicht gibt oder die kaum einen Ausweg offen lassen.

Es sind Innenräume, die die Besucherinnen und Besucher im ART FOYER der DZ BANK Kunstsammlung in Frankfurt am Main in jeder Hinsicht gefangen nehmen. Vom 14. April bis 11. Juni 2011 sind hier in der Ausstellung „Herein!“ fotografierte Interieurs von 20 internationalen Gegenwartskünstlern zu sehen. Vertreten sind u.a. Miriam Bäckström, Laurenz Berges, Katharina Bosse, Lucinda Devlin, Martin Dörbaum, Luigi Ghirri, Matthias Hoch, Candida Höfer, Sarah Jones, Louise Lawler, Robert Longo, Paulo Nozolino, Jason Oddy, Georges Rousse und Raissa Venables.

„Seit den Anfängen in den frühen 1990er Jahren haben wir den Aufbau unserer Sammlung zeitgenössischer Fotografie nach den Gattungen der Kunstgeschichte konzipiert. Anhand unserer großen Bestände an Werken, die sich mit den klassischen Genrethemen auseinandersetzen, lässt sich nachvollziehen, in welchem Maße die Fotografie die Prinzipien der Malerei mit anderen Mitteln fortführt. Für unsere thematische Ausstellung „Herein!“ haben wir eine Auswahl getroffen, die diese Bezüge an einem der ältesten künstlerischen Sujet sichtbar macht“, erläutert Luminita Sabau, Leiterin der DZ BANK Kunstsammlung.

Julian Faulhaber, Cocoon, 2004 © J. Faulhaber

Lichtbildner des späten 20. und des 21. Jahrhunderts schaffen mit aus der Malerei entlehnten Motiven und Stimmungen innere Räume völlig neuen Zuschnitts. „Sobald wir die Künstler beim Bild nehmen, stellen wir fest, dass sie uns durch Irritation zu eigenen Gedankengängen herausfordern. Das ist Sinn und Zweck ihres trickreichen Treibens“, kommentiert der Kulturpublizist Günter Engelhard, der die Begleittexte zu dieser Ausstellung verfasste.

Der Becher-Schüler Laurenz Berges zum Beispiel erzeugt malerische Wirkung, indem er sich dem Lichteinfall auf Wandflächen widmet. Der Franzose Georges Rousse bemalt Architekturmotive mit geometrischen Blickfängen, bevor er die Kamera darauf ausrichtet. Raissa Venables (USA) bezieht sich auf surrealistische und kubistische Formen sowie auf den belgischen Symbolismus. Lois Renner, in Salzburg geboren, verbindet die Raumskulpturen seiner Atelier füllenden Gerüste zum Zweck fotografischer Verschmelzung mit der Gestik barocker Fresken.

Bei Paulo Nozolino (Portugal) entdeckt der aufmerksame Betrachter verblassende Wandfarben in einem orientalischen Café, wie man sie aus dem verwaschenen Anstrich einer Wand im „Balkonzimmer“ von Adolph Menzel kennt. Die nachträglich abfotografierte Kohlemalerei, mit der der Amerikaner Robert Longo die Wohnung des Psychoanalytikers Sigmund Freud in der Wiener Berggasse erkundet hat, erinnert etwa an Edvard Munch. Die gebürtige New Yorkerin Louise Lawler bezieht Kunstwerke (z.B. einen Akt von Gerhard Richter) kontextuell auf die Wohnungen der Sammler. Die gespiegelten Räume von Katharina Bosse sind vergleichbar mit spannungsvoll kombinierten Farbflächen. Der Blick des 1992 verstorbenen Italieners Luigi Ghirri in den Dom von Orvieto führt in die Frührenaissance zurück.

Eine weitere Gruppe von Künstlern repräsentiert in der Ausstellung den Bereich der digital hergestellten Interieurs, die auf Autonomie pochen und den Wiedererkennungswert so weit wie möglich mindern. Bei Matthias Hoch besteht das anonymisierte „Paris“ aus einer Sitzgruppe und „Leipzig“ aus Säule und Teppichboden. Julian Faulhaber verfremdet scheinbare Räumlichkeit zur lebensfernen Zone: Betreten verboten! Martin Dörbaum verfolgt das Motto „Natürlich künstlich“.

Ähnlich absolut reduziert der Engländer Jason Oddy Innenräume auf das Zusammentreffen von Ecken und Kanten und säuberlich ausgerichtete Details. Demgegenüber wirken die „Camouflagen“ der in Kanada lebenden Amerikanerin Lynn Cohen vergleichsweise wie Interieur-Parodien.

Vielfach sind Interieurs auch Leerräume. Auf sich selbst gestellt durchwandert man die repräsentativen Kulturräume von Candida Höfer. Allein im Interieur fasziniert der Blick auf die Couch in den von der Engländerin Sarah Jones fotografierten „Consulting Rooms“. Letzte Lebensstationen hat Lucinda Devlin (USA) mit 30 ganz speziellen amerikanischen Interieurs zu einer „Omega-Suite“ zusammengestellt.

„Das Interieur“, so Günter Engelhard, „dient dem Selbstverhör. Reine Schönheit und wohliges Empfinden gibt es hier nicht mehr.“

Im ART FOYER der DZ BANK veranstaltet die Deutsche Zentral-Genossenschaftsbank in Frankfurt am Main regelmäßig Ausstellungen. Die Bank verfügt über eine weltweit anerkannte Sammlung zeitgenössischer Fotografie und visueller Medien mit mehr als 6000 Werken von über 600 Künstlern.

Info + illus. courtesy ART FOYER DZ BANK

Out now: the new edition of MONU – magazine on urbanism focuses on “Editing urbanism”. MONU – magazine on urbanism is a unique bi-annual international forum for artists, writers and designers that are working on topics of urban culture, development and politics. Each issue collects essays, projects and photographs from contributors from all over the world to a given topic. Thus MONU examines topics that are important to the future of our cities and urban regions from a variety of perspectives.

MONU has been recognized already as one of the most innovative and progressive magazines in its field and has been part of an open workspace at the documenta 12 – one of the world’s most important exhibitions of modern and contemporary art in summer 2007. MONU was invited by Arch+, a German architectural publication that was organizing the workspace as part of the documenta’s magazines project. Recently MONU has been exhibited at places such asOmotesando Hills (Tokyo), Casa Encendida (Madrid) and the LA Forum (Los Angeles).

More about MONU.

Editorial by Bernd Upmeyer, Editor-in-Chief, April 2011: Despite the current urgency to deal with the enormous potential of the already existing urban material as Urban Editors, there seems still to be an enormous lack of interest in topics such as urban and architectural restoration, preservation, renovation, redevelopment, renewal or adaptive reuse of old structures among architects and urban designers. But ignorance in this matter can only be dismissed as socially irresponsible and economically and culturally unacceptable. But what might be the reason for the prevailing ignorance? Who is to blame? Why is Urban Editing considered to be so utterly unattractive?
Felix Madrazo, one of the members of the UNION3 collective, blames the media and in particular architecture publications, as he points out in UNION3′s discussion of urban renewal entitled “The Naked Lunch: A Stark Honest Discussion on Renewal”. He states that a prestigious architectural magazine such as the Spanish El Croquis would never publish an architect who has been practicing renewal for the last twenty years. In OMA’s contribution “Extreme Demolition and Extreme Preservation” Rem Koolhaas holds the arrogance of the modernists responsible for making the preservationist of today look like a futile and irrelevant figure. He furthermore claims that preservation necessitates the development of a theory of its opposite: not what to keep, but what to give up, what to erase and what to abandon – and proposes a system of phased demolition.
To a certain extent this is what Lucas Dean recommends in his piece “Apoptotic Woomera 2035″ for a small town in South Australia, in which he suggests a programmed urban death that ensures that the urban fabric can constantly undergo a process of rejuvenation. The concept is an analogy to the biochemical process of apoptosis, which is organized cell death that our bodies undergo on a daily basis, killing fifty to seventy million cells, enabling the body to rejuvenate and ensure longevity. Obviously terms such as death and rejuvenation are crucial notions when it comes to Editing Urbanism.
In his article “Eternal Ise” Jarrik Ouburg sees destruction as a natural part of preservation. He advises to look east and learn from the way how in Japan important shrines have been rebuild every twenty years for more than ten centuries. But accepting death and decay in buildings is one thing, when it comes to our own death, things get much more complicated. For that reason Adolfo Natalini, one of the founders of the legendary 60ies architecture firm Superstudio, does not like physical changes in cities, because they remind us that we are moving closer and closer towards death, as he explains in an interview with us entitled “Deadly Serious”. He likes to be surrounded by things that remain the same as they give us the impression of eternity and he sees architecture as the most powerful medium of this form of hope.
To solve the paradoxical situation that cities should on the one hand remain the same, keeping and maintaining all their existing buildings, yet on the other able to change, Beatriz Ramo / STAR suggests in “In the Name of the Past: Countering the Preservation Crusades” to establish Virtual World Heritage Sites as a new category for UNESCO. Virtual preservation enables cities to survive for eternity in the virtual, yet remain living and changing organisms in the real world. Released from the fear of death, Editing Urbanism can become a vital, active and experimental practice, in which the concept of sample and the remix gain importance as a cultural technique as Jan Bovelet and Miodrag Kuc describe in their contribution “The Digital Habitat and Urban Design as Emerging Practice”. Just as remixes of songs are alternative versions of recorded songs, made from original versions, remixes of cities can be alternative versions of the original cities.
Especially with the help of hand-held devices, mobile and digital online applications, citizens will be able to alternate and control cities as Michiel van Iersel, Juha van’t Zelfde, and Ben Cerveny explain in their article “Controlling the City”. To edit cities successfully, Brian Davis, Rob Holmes, and Brett Milligan even propose to develop “Urban Field Manuals”, which show how to change or maintain your city just as automotive maintenance manuals teach you how to repair or maintain your car. Such Urban Field Manuals allow you for example to learn how, as a non-profit landlord, to approach buildings that are awaiting demolition permissions for a new construction on old properties, and to format micro-contracts that make unoccupied buildings available to other non-profits at the costs of utilities alone. But one of the most successful strategies for such reuse of unoccupied spaces in cities has probably been developed by Patrizia Di Monte recently. In her contribution “This Is Not an Empty Plot”, she shows how she created an employment plan, in which sixty one long-term unemployed workers cleaned initially empty plots of the historic district of Zaragoza, which led eventually to the realization of twenty-eight projects on those lots over the last two years.

(browse the entire issue #14 on YouTube)

Contributions:
The Naked Lunch: A Stark Honest Discussion On Renewal by UNION3;
On Politics of Planning by Henk Ovink;
Beyond Editing by Simone Pizzagalli;
Extreme Demolition and Extreme Preservation by OMA;
Apoptotic Woomera 2035 by Lucas Dean; Eternal Ise by Jarrik Ouburg;
Moveable Chair by Sara Hendren;
What not to Do: A Case for Designed Neglect by Sean Burkholder;
Deadly Serious – Interview with Adolfo Natalini by Beatriz Ramo and Bernd Upmeyer;
In the Name of the Past by Beatriz Ramo – STAR strategies + architecture;
Cultural Editors by Paul Meurs and Marinke Steenhuis;
The Digital Habitat and Urban Design as Emerging Practice by Jan Bovelet and Miodrag Kuc;
Between Material and Culture by Ephraim Joris;
Controlling the City by Michiel van Iersel, Juha van ‘t Zelfde, and Ben Cerveny;
Layered Reality by Gijs Hoofs and Michiel Daalmans;
Urban Field Manuals by Brian Davis, Rob Holmes, and Brett Milligan;
This Is Not an Empty Plot by Patrizia Di Monte;
The Good, the Bad and the Ugly – Excerpts from MONU’s Most Valuable Urbanism Debate

It’s a anniversary we’d rather forget: 25 years ago the nuclear catastrophe of Chernobyl in Ukraine happened. While Andrej Krementschouk travelled to Chernobyl several times since 2008 and captured how life is – still – going on in the death zone, Semjon Prosjak’s photos show the life in the village of Sednjew, 64 km away from Chernobyl, before the nuclear disaster.

Andrej Krementschouk Zone – Heimat Tschernobyl

20.03. – 31.07.2011

ZEPHYR Mannheim

http://www.zephyr-mannheim.de/

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Der Fotograf Andrej Krementschouk reiste seit 2008 immer wieder in die 30-Kilometer-Sperrzone um den Reaktor. Entstanden sind eindrucksvolle Aufnahmen vom Leben in dieser Zone, die n zwei Bildbänden des Kehrer Verlags “Chernobyl Zone (I)” und “Chernobyl Zone (II) versammelt werden. In der Ausstellung in Mannheim werden ausgewählte Aufnahmen präsentiert.

»Die Zone hat etwas Märchenhaftes. Die Natur wuchert, die Tiere vermehren sich. Im Ort Tschernobyl, der nicht so schlimm verstrahlt ist wie Prypjat, wohnen wieder Menschen. Es sind Rückkehrer, die sich dort frei fühlen. Sie sind dort geboren, sie wollen nicht weg, es ist ihnen egal, ob sie deshalb früher sterben.« (A. Krementschouk)

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© Semjon Prosjak

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Semjon Prosjak | Sednjew

01. April – 07. Mai 2011

Galerie STP, Galerie für osteuropäische Fotografie, Greifswald

http://www.galerie-stp.de
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PR-Text: Semjon Prosjaks Fotografien des ukrainischen Dorfes Sednjew sind ein kostbares Dokument. Sie zeigen einen Ort und eine Lebensweise, 64 Kilometer vom Kernkraftwerk Tschernobyl entfernt,die es so nicht mehr gibt. Ein Thema aktueller, denn je zuvor.

© Semjon Prosjak

„Hier hat eine Photograph nicht nur eine Serie oder ein Thema photographiert, sondern seinen Gegenstand gefunden. Aus ihm hat er in jahrelanger Arbeit einen Photoessay extrahiert, den zweierlei auszeichnet: Beweis zu sein im historischen Prozess und die Qualität des autonomen Bildes, welches über das bloße Abbild weit hinausreicht. Damit erweist sich Prosjak als Autorenphotograph, der seinen Gegenstand auf eben seine ganz eigenen Weise darzustellen vermag.

Dieser Gegenstand ist so reich und vielfältig, wie seine Darstellung einfach und direkt: Sozialdokumentation, die Aufzeichnung von Lebensverhältnissen, einer Lebensweise. Prosjak photographiert Schauplätze, Szenen, auf denen etwas geschieht, zeigen sie nun Landschaften, Räume, Menschengruppen oder Situationen. Sein Bildermachen wie seine Bilder sind nie statisch, nie feststellend, keine Landschafts-. Portrait-, oder Reportagephotographie im traditionellen Sinne, sondern so lebendige wie bewegende Bilder eines Lebenszusammenhangs voller Tradition, Fülle und Stimmigkeit“. (T.O. Immisch 2001)

Info courtesy Galerie STB

Berlin Galerie M presents “Karl Heinz Jeron: Marzahn Dingliebe” – love of things. During strolls through this Berlin quarter, Marzahn, the artist has collected random things which he uses as simple “sound makers”: electric circuits change the objects into resonating volumes, thus creating their very own sound. The gallery space is resounding with the sounds of Marzahn.
Jeron collected these objects when strolling around the quarter on a “psychogeographic walk” inspired by situationist ideas.

Karl Heinz Jeron: Marzahn Dingliebe

Audioguide als Videodokumentation

Gefundene Objekte zum Klingen gebracht

Ausstellung vom 27.3. – 6.5.2011

Workshop zum Bau elektronischer Klangerzeuger am Sonntag, 10.4., 16.00 Uhr

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PR-Text: Ein Audioguide für einen psychogeographischen Spaziergang durch Marzahn

Er soll sich als fiktiver Layer über die reale Welt legen. Dazu benutzt der Künstler eine selbstentwickelte Software, die alle Straßennamen Marzahns auf Einträge im Gutenbergarchiv abfragt und sammelt. Das Gutenbergarchiv ist eine Sammlung zahlreicher klassischer Bücher in deutscher Sprache zum kostenlosen Lesen und legalen Kopieren. Mithilfe der Google Maps API ermittelt die Software alle zusammenhängenden Straßen und legt so die Route für den Spaziergang fest. Google Maps API ist eine Programmierschnittstelle, die den automatisierten Zugriff auf alle Daten von Google Maps erlaubt. Die zu den ermittelten Straßennamen korrespondierenden Texte aus dem Gutenbergarchiv werden mit einer Sprachsynthesesoftware in Audiodateien verwandelt. Zusammen mit der Karte ergeben sie einen Audioguide für Marzahn. Der Audioguide wird im Internet zum kostenlosen Herunterladen angeboten.

Die Idee bezieht sich auf die stituationistische Psychogeographie, also die experimentelle Untersuchung der architektonischen oder geographischen Umgebung auf ihre Einflüsse auf Wahrnehmung, psychisches Erleben und resultierendes Verhalten hin. Die Situationisten beschrieben mit dem Begriff Psychogeographie einen bewußten Zustand im Gegesatz zu DeQuinceys, für den Psychogeographie das planlos Durchwandern einer Stadt in einer Art Traumzustand bedeutet. Für Debor war es eine Frage von konzeptionellen Entscheidungen, wie und wo eine Stadt oder Landschaft „durchstreift“ wurde. Man reklamierte die Stadt als Terrain, das man eroberte, kartographierte und markierte. Eine Stadt oder auch eine Landschaft wird mittels der Psychogeographie erforscht und in psychische „Klimazonen“ eingeteilt. Die Stadt der Situationisten hat daher viele Zentren, die ständig in Bewegung sind. Die Orientierung zu verlieren und sich treiben zu lassen wird dabei als etwas Positives angesehen, etwas das die Abenteuerlust anregt und unvorhergesehene Ereignisse ermöglicht. “Wir meinen zunächst, daß die Welt verändert werden muß. Wir wollen die größtmögliche emanzipatorische Veränderung der Gesellschaft und des Lebens, in die wir eingeschlossen sind. Wir wissen, daß es möglich ist, diese Veränderung mit geeigneten Aktionen durchzusetzen.” (Guy Debord , Rapport zur Konstruktion von Situationen) Vergleichbare Spaziergänge von mir sind auf der Website http://audioguide.projektraum.org dokumentiert.

Klangobjekte

Während seiner Spaziergänge durch Marzahn hat KH Jeron verschiedene Gegenstände auf den Straßen gefunden und eingesammelt. Diese Gegenstände werden in der Galerie zum Klingen gebracht. Eine einfache elektronische Schaltung genügt, um mithilfe des elektrischen Widerstands der gefundenen Objekte Töne zu erzeugen. Unterschiedliche Widerstände erzeugen unterschiedliche Frequenzen. Im Galerieraum zischeln diese Objekte leise ihre eigene Melodie. Die 20 Straßen des Audioguides liefern 20 Objekte für die Klanginstallation. Inspiration dafür ist der Text Supernatural Apparitions and Domestic Life in Japan von Kazuhiko Komatsu.

Er beschreibt darin das Konzept des Ushirometasa. Although it has largely been forgotten since disposability became the order of the day, the Japanese once had a different attitude toward their household goods. They felt guilty about throwing things away, especially utensils made by human hands. The word used for these guilt feelings, ushirometasa, literally means feeling someone’s gaze behind one’s back. One has done something improper; anyone secretly watching would surely disapprove. The gaze implied by ushirometasa includes that of fellow humans, but traditionally it carried stronger connotations of the gaze of a divine spirit. When a utensil is discarded, the agent of the gaze is the spirit of the utensil itself.

Info + illus. courtesy Galerie M, KH Jeron