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In the second half of 2011, ICARCH.US gallery launched A New Tahrir Square competition, asking for ideas for a new Tahrir square, the focal point to the Egyptian revolution in Cairo. The participants were free in their ideas and approaches. Now the awardees were announced – first place goes to the Stuttgart office of Scala Architekten. Congratulations to Stuttgart!

1st place: J. Esefeld & S. Bostanci  / Scala Architekten – Germany

2nd place: Francesco Garofalo / Openfabric – Italy / The Netherlands

3rd place: Prof. Wolfgang Rahm / Atelier Rahm – Germany

Members of the jury were Anna Barbara, Luca Molinari, Alessandro Scandurra and Marco Navarra.

More about the entries online: tahrircompetition.wordpress.com

The jury’s report by Anna Barbara, Luca Molinari, Alessandro Scandurra and Marco Navarra.

It is unquestionable that Tahrir Square is born again in 2011 through an irreversible process that is not over yet. Most of the projects submitted to A New Tahrir Square competition launched by ICARCH deal with the Arab Spring, with a revolutionary event whose transformational extent is still at the beginning. The broadmindedness towards Egypt’s possible futures bestow the projects with passion, vision and hope.

The proposals for A New Tahrir Square were developed around the following main themes:

1. New media as vox populi (voice of the people) in all the accepted meanings of online people. Arab Spring taught us that people who took refuge into the Internet as a community are not invisible, nor far away, but on the contrary their togetherness can materialize in a given, concrete place, and make itself heard. Through the Internet, its tribes and its tools have been couched through symbols, myths and archetypes in many projects.

2. Time aesthetics instead of space aeshetics.
Most of the projects, conceived for the same site, have common aesthetical hallmarks that belong to the international semantics of these days.

3. Democracy symbols, or unity of the individuals into a critical crowd. 
The consciousness that the individuals can gather in a strong and cohesive whole is maybe the most bewildering and powerful discovery. Many applicants chose it and stressed it through the pattern, rhythm, pixel and forms that compose their projects.

4. Symbolical reversal of symbols.
Exorcizing the symbols of the dismissed power becomes an urgent need for a sudden societal change. This can happen through destruction, irony or through a resignifying process that inexorably gives birth to possible new symbols.

The jury acknowledges three different approaches: political-digital, societal-landscaping, environmental-utopian and the following projects as the best ones for A New Tahrir Square –
phase 1:

A New Tahrir Square (political – digital) 
by Joerg Esefeld & Sayman Bostanci (SCALA Architekten) – Germany 

The project summarizes the main themes: the social and the political dimensions of the digital world as a shared place; sensitiveness as a peculiar human quality and as super seismograph of the web; the human scale symbolical dimension through the footprint pattern that makes the square vibrate and the monumental and utopian scale of the obelisk which is modernized through digital technolgy but it is also a museum.

The project is coherent and doesn’t try to transform the square into something else, it translates memory into an essential urban vision.

Planting Democracy (societal – landscaping) 
Francesco Garofalo (Openfabric) – Italy / The Netherlands 

The project seizes a vital feature of the site: a connection which goes beyond symbolical geometries and designed boundaries. This proposal allows a humanizing reading for a New Tahrir. Maybe in this garden a big void (space) could gather people to remember and meet again. The project is a landscape proposal with a remarkable botanical report that recalls the earthly garden, the reconciliation place par excellence. The tree is the unit, while democracy is a garden to look after.

Light Mirror (environmental – utopian) 
by Prof. Wolfgang Rahm (Atelier Rahm) – Germany 

The project is an Enlightenment utopia that combines air, sun, light and shade.
The project develops a gigantic thin canopy of intangible particles that unconditionally shelters from the sun. It has an environmental scale that reminds us of the works of Olafur Eliasson and a physiological hint like some of the works by Diller and Scofidio. It’s purposely out of scale to increase its expressive strenght, like the pyramids did.

An international series of dialogues (in English language) held at the BDA Galerie, Berlin, after a concept of urban drift: An Berlin-based architect discusses with a colleague from France about their positions as well as about actual questions of the current architectural discourse and about cultural and social questions.

1:1 Berliner Architekturdialoge

Susanne Hofmann (Die Baupiloten, Berlin) – Dominique Marrec (ecdm, Paris) am 17. April 2012

Martin Kaltwasser (Köbberling Kaltwasser, Berlin) – Elsa de Smet (Kuratorin, Paris) am 8. Mai 2012

BDA Galerie Berlin

www.bda-berlin.de

PR-Info: Im Rahmen der Internationalen Gesprächsreihe 1:1 Berliner Architekturdialoge in der Berliner BDA Galerie begegnen sich am Dienstag, den 17. April um 19 Uhr Susanne Hofmann (Die Baupiloten, Berlin) und Dominique Marrec (ecdm, Paris). Am Dienstag, den 8. Mai um 19 Uhr diskutieren Martin Kaltwasser (Köbberling Kaltwasser, Berlin) und Elsa de Smet (Kuratorin, Paris).

Auch die beiden letzten Veranstaltungen dieser ersten Serie von 1:1 mit jeweils einem Gast aus Berlin und einem Gast aus Frankreich zielen darauf, im Dialog persönliche Standpunkte zur Architektur und die Herangehensweise an den Entwurf im Kontext gesellschaftlicher Fragestellungen zu vergleichen. Erörtert werden spezifische Fragen, die auf die jeweiligen Dialogpartner und ihre Arbeiten zugeschnitten sind. Interessant sind sowohl die Gegenüberstellung der verschiedenen Positionen, als auch die internationale Komponente im Vergleich zwischen Berlin und Paris.

Filmdokumentationen der Reihe 1:1
Ausführliche Filmmitschnitte aller Gespräche der Reihe 1:1 – bisher Edouard François / Matthew Griffin, Jean-Christophe Masson / Martin Rein-Cano, Jürgen Mayer H. / Guillaume Sibaud, Eike Roswag / Nicolas Ziesel – können unter www.vimeo.com/bdaberlin gesichtet werden.

www.bda-berlin.de

Ruinous houses are everywhere in Havana. What makes them special, and different from, e.g. the ruins of Rome: they are inhabited. This morbid atmosphere attracts tourists – but the beauty of these houses lies in the eye of beholder, not the ones actually living in them. Sabine Thier documents the topical colourful harmony of Havana’s houses, presenting them in non-manipulated shots.

© Sabine Thier

Sabine Thier | Kubanische Stillleben

30. März – 30. April 2012

Galerie Edition Camos, München

www.edcamos.de

PR-Info: Einstürzende Häuser sind in Havanna keine Seltenheit. Was die Ruinen Havannas von beispielsweise denen in Rom unterscheidet: sie sind bewohnt. Der morbide Charme der Stadt fasziniert die Touristen – schön sind diese Ruinen jedoch nur für den, der nicht darin leben muss.

© Sabine Thier

Mit großem Respekt nähert sich die Fotografin dem Leben, das die Menschen in Havanna führen. Sie bewundert die Kunst der Kubaner, sich auch dann noch etwas einfallen zu lassen, wenn überhaupt nichts mehr geht. Den Kopf nicht hängen zu lassen, sondern mit Optimismus, Stärke und Stolz den beschwerlichen Alltag zu meistern. Ein Alltag, an dem das westliche Anspruchsdenken abperlt. Auch trotz – oder gerade wegen – der momentanen Krise. Jedes Bild lässt diese Hoffnung spüren.

Sabine Thier ist fasziniert von der Harmonie der Farben und der Würdigung des Kleinen, des vermeintlich Banalen. Ihre Fotoarbeiten zeigen alltägliche nicht manipulierte Szenen. Und doch sind diese farblich so perfekt gestaltet, als habe sich ein bekannter Designer dieses Arrangement ausgedacht.

Neben dem einfachen Leben in den Häuserwinkeln sind vor allem jene Bilder spannend, mit denen uns die Fotografin einlädt, die Augen spazieren zu führen – durch eine fremde Welt, in fremde Häuser, durch Gassen, in denen die Hitze steht.

Sabine Thier, 1972 geboren, hat lange in München gewohnt und lebt jetzt im Landkreis Fürstenfeldbruck. Sie widmet sich ganz der künstlerischen Fotografie und spezialisierte sich auf moderne Stillleben.

Info + illus. courtesy Edition Camos

In April 2012 a project for temporary art in public space is initiated in Berlin, district Hellersdorf. Beteiligte Künstlerinnen und Künstler sind Benoît Maubrey, Dellbrügge & de Moll, Anna Borgman und Candy Lenk, Rolf Wicker und Barbara A. Keiner, Anke Westermann.

Temporäre Kunstprojekte für die Helle Mitte 2012

Ab April 2012

Weitere Informationen und Aktualisierungen: 
www.kunstraum-m.de

 

PR-Text: Vor fünfzehn Jahren entstand im Herzen der Großsiedlung Hellersdorf ein neues Stadtteilzentrum. Es wurde als komplette Stadt geplant, jedoch nur in Teilen gebaut. So erscheint das heutige Stadtteilzentrum Helle Mitte noch sehr unfertig, mancherorts sogar unwirtlich. Die Helle Mitte zeugt davon, dass sich Stadt nicht einfach implantieren lässt und dass die Stadtwerdung einer gesellschaftlichen und politischen Entwicklung unterliegt.

Im Zuge des Programms Stadtumbau Ost sollen deshalb temporäre künstlerische Projekte die noch unfertigen – aber auch die schon fertigen Straßen, Flächen und Plätze der heutigen City Hellersdorf – unter die Lupe nehmen und Anstöße für eine künftige vielschichtige Weiterentwicklung dieses Stadtraums und Impulse für seine Vitalität geben. Die Kunstprojekte sollen den Prozess des Stadtumbaus für eine Zeit begleiten.

Im Herbst 2011 führte das Bezirksamt Marzahn-Hellersdorf von Berlin einen berlinweit offenen Kunstwettbewerb für professionelle Berliner Künstler durch. Aus 54 eingereichten Entwürfen wählte eine Fachjury im Dezember 2011 sechs Kunstprojekte zur Realisierung in Hellersdorf im Jahr 2012 aus:

Beteiligte Künstlerinnen und Künstler sind Benoît Maubrey, Dellbrügge & de Moll, Anna Borgman und Candy Lenk, Rolf Wicker und Barbara A. Keiner, Anke Westermann.

Die offizielle Eröffnung der temporären Kunstprojekte in der Hellen Mitte findet am 02. April 2012 um 15:00 Uhr durch die Bezirksstadträtin Juliane Witt auf dem Alice-Salomon-Platz statt.

Weitere Informationen und Aktualisierungen: www.kunstraum-m.de

The places where you are living play an important role in everyone’s life, influencing identity and self-conception. However, what happens when these places literally cease to exist? When social and economic interests make it necessary to relocate entire villages, erasing the old locations due to mining? The exhibition project presents three photographers’ documentations of such “lost places”.

Wie weit weg ist ganz verschwunden?

Fotografien von Peter Granser (Gruorn auf der Schwäbischen Alb), Johannes Twielemeier (Braunkohlegebiet Garzweiler II) und René Zieger (Folgelandschaften in Ostdeutschland)

31. März bis 24. Juni 2012
Stadthaus Ulm
www.stadthaus.ulm.de

PR-Text: Ein wichtiges, Identität stiftendes Element im Leben eines Menschen ist der Ort, an und in dem er lebt. Aber was geschieht, wenn dieser Ort plötzlich zur Disposition steht und übergeordneten gesellschaftlichen Interessen weichen muss? Was passiert, wenn Heimat verschwindet und Menschen zurückbleiben? Dieses Szenario war und ist auch in unserem eigenen Land durchaus nicht aus der Luft gegriffen. Die Ausstellung zeigt Beispiele aus Gegenwart und jüngeren Vergangenheit, aus der nahen Umgebung und entfernteren Ecken Deutschlands.

Orte ohne Wiederkehr

Johannes Twielemeier fotografierte in den Jahren 2002 bis 2009 im Gebiet für den Braunkohletagebau Garzweiler II zwischen seiner Heimatstadt Aachen und Düsseldorf. Hier gibt es Kohleabbau-Genehmigungen bis zum Jahr 2045 auf einer Fläche von ca 40 km². Im Abbaubereich lebten 1992 noch 7600 Menschen in 13 Ortschaften. Seit etwa 2000 werden sie nach und nach umgesiedelt. Twielemeier geht mit seinen Bildern dem nach, was die einstigen Bewohner zurückgelassen haben und findet überraschende Metaphern für das Vergehen und Anhalten der Zeit. Das Medium Fotografie holt die Bilder aus dem Strom der Ereignisse und schafft zugleich ein unwiederholbares geschichtliches Dokument.

Ein Interview mit Johannes Twielemeier gibt es auf deconarch.com LINK.

Retired Soil

René Zieger bewegte sich für seine Bilder in den Braunkohletagebaugebieten Ostdeutschlands und wird in Ulm mit Bildern aus den sogenannten „Folgelandschaften“ vertreten sein. Die buchstäblich umgekrempelten Landschaften, die nach dem Abbau des Energieträgers übrigbleiben, ermöglichen vielfältige Assoziationen und haben anfänglich wenig mit dem zu tun, was wir gemeinhin als schöne Landschaft identifizieren. Der Eingriff in die Landschaft offenbart erst hier seine schon fast apokalyptischen Ausmaße und die Menschen werden zu staunenden Beobachtern einer außerirdisch wirkenden Szenerie.

Was einem Heimat war

Peter Granser arbeitete im Auftrag des Stadthauses auf der schwäbischen Alb nahe Münsingen. Er suchte nach Spuren des Ortes Gruorn, nach Spuren der langjährigen militärischen Nutzung des Geländes und fand viel Natur, die diese Spuren mehr und mehr verschwinden lässt. Entstanden ist eine aus verschiedenen Teilen bestehende Serie von Fotografien und eine Videoarbeit, die begleitet wird von einer Komposition des Stuttgarter Künstlers Johannes Schlichting.

Grourn musste ab 1937 der Erweiterung eines damals schon bestehenden militärischen Übungsgeländes weichen. Lange Zeit nicht zugänglich, ist das Interesse für den Ort und sein Schicksal bei den Menschen in der Umgebung nach wie vor sehr lebendig. Seit 2005 ist der ehemalige Truppenübungsplatz Kernstück des neu entstandenen Biosphärengebietes „Schwäbische Alb“. Aus Sicherheits- und Naturschutzgründen ist der Zugang noch immer strikt reglementiert.

Info + illus. courtesy Ulmer Stadthaus

Spanish artist Aitor Ortiz photographs monumental architecture, such as Gehry’s Guggenheim Bilbao or Norman Foster’s viaduct in Millau/France. But his large-format shots are no classical architecture photos. Architectural elements and space are reduced to basic forms and structures and seem to dissolve every materiality. After his solo show at the Guggenheim Museum Bilbao in 2011, his works are currently shown in Munich.

Aitor Ortiz, "Amorfosis 001", 2008, Skulptur (Druck auf Aluminium), 250 x 100 cm courtesy Nusser & Baumgart, München ©Aitor Ortiz

Aitor ORTIZ 2002 – 2012 

23. März – 5. Mai 2012,

Nusser & Baumgart, München

www.nusserbaumgart.com

Aitor Ortiz, "Modular Mod (010 + 011 + 012)", 2002, Installation, Fotografie auf Aluminium, 190 x 300 cm, Edition 4,2,5/5, courtesy Nusser & Baumgart, München ©Aitor Ortiz

PR-Text: Aitor Ortiz (*1971 in Bilbao) hat monumentale Bauwerke, wie etwa das von Frank O. Gehry konzipierte Guggenheim-Museum in Bilbao oder den von Norman Foster gestalteten Viadukt von Millau in Südfrankreich, fotografiert. Doch seine großformatigen Bilder sind keine klassischen Architekturaufnahmen. Bei genauer Betrachtung widerlegen sie ihren dokumentarischen Charakter und erweisen sich als eigenständige Kunstwerke. Architektur und Raum werden derart auf elementare Formen und Strukturen reduziert, dass sich jede Gegenständlichkeit aufzulösen scheint. Die Arbeiten verweisen auf Bernd und Hilla Becher sowie Thomas Struth und Andreas Gursky. Zugleich schert der Künstler gekonnt aus dieser Tradition aus und präsentiert seine Fotografien zusammen mit skulpturalen Arbeiten. (aus dem Katalog Hatje Cantz Verlag)

Info + illus. Nusser & Baumbart

Narrative Szenerien, menschenleere Landschaften, Seen und Gewässer und – Betonwände, Auffangbecken, Brücken. Naturräume, in denen die menschlichen Eingriffe sichtbar sind. Keine „schönen“ Idyllen, sondern Zweckarchitekturen, moderne Gebäude, Industriespuren, Brücken werden zum Motiv der Stuttgarter Künstlerin. In ihren Kompositionen entfaltet jedoch gerade das ungewohnt Gewohnte, meist begleitet von dunklen, farbenreichen Himmelansichten, eine besondere Stimmung, die den Betrachter trotz – oder gerade wegen – der eher düsteren Atmosphäre in die poetischen Szenerien hineinzieht.

Lichtung, 110x160, 2011

Jakowlev kreiert eine Landschaftsmalerei, die die „traditionellen“ Motivik transferiert und aktualisiert. Sie komponiert, inspiriert von Eindrücken “en plein air”, ihre Motive im Atelier, spielt mit Lichtstimmungen und schafft Szenerien, die die Realität reflektieren, Natur ebenso wie “man-made” Spuren der Zivilisation. Dabei sind es keine außergewöhnlichen Momente, die Jakowlev auf der Leinwand intensiv, Schicht für Schicht aufbaut – oft auch mit Verfahren, das die Spuren der Zeit gleichsam nachahmt, die Verwaschungen, Absplitterungen, Ablagerungen auf den Fassaden etwa – , sondern es sind die gewöhnlichen, gewohnten, alltäglichen, oft auch aus dem Blick geratenen Perspektiven, die sie thematisiert.

Aufgewachsen in einer Künstlerfamilie, in der sie von klein auf mit Kunst und Ausstellungen in Berührung kam und selbst kreativ war – „Kunst war als schon immer ein ganz normaler Bestandteil meines Lebens“, so die Künstlerin, – studierte Jakowlev freie Malerei in Stuttgart. Gegen Ende des Studiums fand sie schließlich zu ihrem Thema, Architektur und Landschaft, „ein unendlich großer Themenkomplex, der mich nach wie vor herausfordert und mir eine riesige Fülle an Inspiration schenkt“.

Deconarch.com erzählte Johanna Jakowlev, was sie an diesem Thema reizt, wo sie Inspirationen findet und wie ihre Arbeiten entstehen.

 Illus. (c) Johanna Jakowlev

Eine umfangreiche Übersicht über Johanna Jakowlevs Arbeiten gibt es

als Virtual Exhibition!

INTERVIEW

Winterschlaf, 3x90x160, 2012

Deine Arbeiten zeigen „Architektur-Landschaften“, also Szenerien, in denen sich Natur- und Architekturansichten verbinden. Was interessiert dich an der Beschäftigung mit Architekturformen?

Architektur ist meist nur ein Teil des Motivs, wenn auch ein wichtiger. Mich fasziniert das Erzählerische, das ein Gebäude immer hat. Der Mensch wird spürbar und bekommt indirekt eine Rolle in den Bildern, schon allein durch die Tatsache, dass immer auch Menschen die Gebäude errichteten.

Zum anderen sind es oft Zweckbauten, die ich male. Die sind vor allem mit dem Ziel der Funktionalität erbaut worden, die Ästhetik und wie sich ein solches Gebäude in die Umwelt einpasst, ist meist nebensächlich. Genau an dieser Schnittstelle passiert aber oft, wie ich finde, ungewollt etwas, das durchaus schön sein kann, etwas, das immer eine Geschichte erzählt und auch eine Form von Zeitgenossenschaft darstellt.

Wie findest du deine Motive und Themen?

Aufmerksam sein und Umwege fahren!

Und ich habe einen riesigen Fundus an Büchern, Zeitungsausschnitten und Fotos, die ich seit Jahren sammle und auch teilweise von Freunden und Familie bekomme.

Brückenschlag, 115x160, 2010

Wie ist läuft dein Arbeitsprozess ab, mit diesen Inspirationen?

Meist ist ein Gebäude oder eine Landschaft – das kann eine Fotografie ebenso sein wie ein „realer“ Eindruck – die Initialzündung für eine neue Arbeit. Wie sich das Bild und die Stimmung dann aber weiterentwickeln, hat so gut wie nie noch viel mit dieser ursprünglichen Idee zu tun. Da passiert viel beim Machen, und vieles ist Zufall oder vielleicht so was wie „gelenkter Zufall“. Es ist auch für mich immer wieder spannend, was für Orte da auf der Leinwand wachsen. Die Orte gibt es in der Realität nicht, es könnte sie aber so oder so ähnlich geben.

Die Szenerien sind immer menschenleer. Warum?

Ich habe früher eigentlich ausschließlich Menschen gemalt. Dann wurden sie immer kleiner und die gemalte Umgebung im Verhältnis immer größer und wichtiger. Irgendwann waren die Menschen, in Form von Figuren, dann ganz weg.

Als malerische Herausforderung ist für mich der Mensch im Moment einfach nicht interessant. Und ich möchte in meiner Arbeit nichts über konkrete Personen erzählen, mir geht es mehr um die Spuren, die „die Menschheit“ hinterlässt.

Bastion, 70x120, 2011

Die Titel deiner Arbeiten sind meist sehr knapp, oft doppeldeutig und spannen bestimmte Atmosphären auf. Welche Bedeutung kommt den Titeln deiner Gemälde zu?

Die Titel sind mir sehr wichtig. Ich finde, wenn schon ein Titel, dann sollte er der Arbeit auch eine weitere Ebene hinzufügen, dem Betrachter einen Denkanstoß oder einfach nur eine Stimmung geben. Nur beschreibende Titel halte ich für überflüssig.

Wie ist dein Arbeitsprozess? Kommen neben Malerei auch andere Medien zum Einsatz?

Ich arbeite ziemlich klassisch, in Acrylfarbe auf Leinwand.

Früher habe ich viel in Öl gearbeitet, aber da ich unheimlich viel übermale und auch lasierend arbeite, habe ich irgendwann nach guten Acrylfarben gesucht, da diese einfach schnell trocknen, was meiner Arbeitsweise sehr entgegenkommt. Da hat sich glücklicherweise in den letzten Jahren viel getan und man kann das Ergebnis oft nicht mehr von Ölmalerei unterscheiden, vor allem wenn man, wie ich, sowieso eine matte Oberfläche erzielen will.

Es entstehen immer auch Fotografien. Sie haben für mich aber nur die Aufgabe, Eindrücke festzuhalten, sie sind kein künstlerisches Endprodukt. Außerdem auch verhältnismäßig schnelle Arbeiten auf Papier, die oft zwischen zwei großen Arbeiten entstehen, sozusagen als Lockerungsübung und um den Kopf freizubekommen.

Klare Sicht II, 110x90, 2012

Gibt es Vorbilder? Setzt du dich etwa bewusst mit Beispielen aus der traditionellen Landschaftsmalerei auseinander?

Miriam Vlaming, Peter Doig, Didier Paquignon, Neo Rauch, Turner, C. D. Friedrich, Frederic Chaubin, … um nur einige zu nennen. Sie sind aber keine wirklichen Vorbilder, sondern eher Künstler, deren Arbeit ich teilweise sehr mag oder deren Arbeits- und Sichtweise mich inspiriert. Als bewusste Auseinandersetzung würde ich das jedoch nicht bezeichnen, denn ich bin ein Mensch, der Kunst vor allem über den Bauch lebt.

Warum Kunst? Welche Möglichkeiten bietet dir die künstlerische Arbeit?

Weil es das ist, was mich herausfordert, mir Kraft und Freude bringt. Weil es das ist, was ich meine am besten zu können und ich mir einfach nichts anderes für mein Leben vorstellen könnte. Ich würde mir manchmal fast wünschen, es gäbe da noch eine Alternative, die mich erfüllt, denn der sogenannte Freie Markt ist kein Zuckerschlecken.

Die künstlerische Arbeit bietet mir die Möglichkeit, den Blick auf Dinge und vor allem Stimmungen zu lenken, die in der Regel von den Menschen übersehen werden.

Welche Ziele verfolgst du mit deinen Arbeiten?

Konkrete Ziele, im Sinne von „politischer Kunst“ oder dergleichen, verfolge ich eigentlich keine. Ich höre oft, dass meine Bildsujets etwas Mahnendes hätten, aber das ist, glaube ich, auch das, was mancher Betrachter hineinprojiziert.

Wechselspiel, 110x150, 2011

Für mich sind die Bildideen schlicht eine Art Zeitzeugnis von Orten, Stimmungen und modernen Ruinen, die uns alle umgeben und sehr ästhetisch sein können – man muss nur genau hinschauen.

Da ist der Moment des Innehaltens, den ich liebe und in meiner Arbeit zu leben versuche und den ich dem Betrachter zu vermitteln erhoffe.

Und zum Abschluss: Was ist deiner Meinung nach charakteristisch für deine Arbeit?

… das können andere wahrscheinlich klarer und besser beantworten!

Ich glaube, etwas Charakteristisches sind die Himmel, die Oberflächenstrukturen und die Farbigkeit, mit vielen gebrochenen und schmutzigen Tönen. Dann bestimmt auch die Stimmungen, die, wie ich immer mehr merke, sehr unterschiedlich, aber eigentlich immer s tark empfunden werden.

Oft höre ich auch, dass die gemalten Orte etwas Rätselhaftes haben und viele versuchen, sich eine Geschichte zurechtzulegen, was warum auf dem Bild ist und wie es wäre, an diesem Ort zu sein. Das sind oft richtig kleine Geschichten.

Johanna Jakowlev, herzlichen Dank für das Interview!

The traditional lobby or foyer was an ante-room in a public room, for example in a theater: Here visitors could spend the breaks between a play. Historically the foyer became an important place of “see and be seen”, maybe even outdoing the events on stage.  Today however lobbies and the likes turned into passageways – waiting rooms at train stations, or airports, for example. Places you hardly pay attention to, but try to leave them as quickly as possible. Even though we spend more and more time in these places, spaces, traveling back and forth. Anja Ganster captures and transforms empty passageways in an emphemeral atmosphere.

Anja Ganster
WANDELHALLE | PASSAGEWAYS

18. März bis 22. April 2012
Mannheimer Kunstverein
www.mannheimer-kunstverein.de

PR-Text: Anja Ganster malt öffentliche, in der Regel menschenleere Räume, die durchschritten und meist sofort wieder verlassen werden um dem sofortigen Vergessen anheim zu fallen. Selten hält man sich länger in den Fluren und Foyers, Ankunfts- oder Abflughallen eines Flughafens oder Bahnhofshallen auf – eines der Bildthemen, dem sich die Künstlerin in den letzten Jahren immer wieder zugewandt hat.

Radio Station, 2011 © VG Bildkunst Bonn, 2012

Anja Gansters Räume sind selten real, höchstens an der Realität orientiert, interpretieren diese und schaffen damit eine eigene, unverwechselbare Realität für jeden Betrachter und zwar für jeden eine andere. Projektionsflächen für eigene Geschichten bieten sich uns dar, Räume, die nur auf den Betrachter gewartet haben.

Beinahe ephemer sind diese Durchgangsstationen, scheinen wie aus einer Eingebung heraus auf der Leinwand auf, besitzen eine visionäre Qualität, die Leere und Verlorenheit spürbar macht.

Jeder Weg bewirkt eine, vielleicht unmerkliche, Veränderung – das Leben an sich schreitet unaufhörlich fort und Veränderung ist eine seiner Grundlagen. Insofern können Anja Gansters Räume temporären Aufenthalts Sinnbilder für Stationen im Leben sein, die Richtungsänderungen vorangehen.

Die Ausstellung wird im Anschluss in der Stiftung Liner, Appenzell gezeigt. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Kerber-Verlag, Bielefeld.

Info + illus. courtesy Kunstverein Mannheim

While exploring private houses in Iran in 2010 and 2011, Beatrice Minda discovered an old patrician villa right in the center of the car dealers’ quarter of Tehran. Said to have been the residence of an Austrian consul one, yet today empty and inhabited by one servant only, the house combines both western and oriental elements in a fascinating way.

Tea Time in Tehran
Fotografien von Beatrice Minda

PR-Info: Während ihrer fotografischen Erkundungsreisen durch Privathäuser in der islamischen Republik Iran in den Jahren 2010 und 2011 hat Beatrice Minda im Herzen des alten Teheran, inmitten des stickigen und hektischen Autohändlerquartiers eine alte Patriziervilla hinter hohen Mauern entdeckt. Der Legende nach einst dem österreichischen Konsul gehörend, ist dieses Anwesen stilistisch eine einzigartige Mischung aus westlichen und orientalischen Elementen.Mehrere Generationen einer großen persischen Familie haben hier ihre Spuren hinterlassen. Nun liegen Haus und Garten gleichsam im Dornröschenschlaf, nur noch von einem Diener bewohnt. Die Zeit scheint darin stehen geblieben. Bis vor kurzem haben sich hier wöchentlich ältere Damen zum Tee in Louis XVI-Fauteuils niedergelassen und vom feinen Teheraner Zuckergebäck genascht, während draußen die islamische Revolution die Lebensverhältnisse veränderte.Seit ihrer Arbeit Innenwelt – Fotografien aus Rumänien und aus dem Exil beschäftigt sich Beatrice Minda immer wieder mit dem Verhältnis von privatem Raum, Erinnerung und Geschichte. Dabei erkundet sie die Beziehung der Menschen zu den sie umgebenden Räumen und stellt diese in ihrem gesellschaftspolitischen Zusammenhang dar. Ihre fotografischen Arbeiten vermögen es dabei, die atmosphärische Dichte eines Ortes einzufangen.

Teatime in Tehran ist eine Serie kleinformatiger Ansichten des geschichts- und geschichtenträchtigen Teheraner Hauses.

Horizonverticaal presents the exhibition ‘Building Blocks’ about architecture in contemporary art. Haarlem Spring is a new event organized by all Haarlem exhibition spaces for contemporary art.

BUILDING BLOCKS //

An exhibition with Jeroen Molenaar, Marin de Jong, Karin Mientjes and Viktor Balthus

at the artist-run projectspace Horizonverticaal, Haarlem, NL.

16.03.2012 - 07.04.2012

Horizonverticaal, Haarlem, NL

 www.horizonverticaal.nl
 
 
 
 
 
 
Horizonverticaal presents the exhibition ‘Building Blocks’. This exhibition is about the architecture in contemporary art. Haarlem Spring is a new event organized by all Haarlem exhibition spaces for contemporary art. Museums, galleries and artists’ initiatives presented on 16 March between 17.00 and 23.00 an evening program including performances, dance and music.