Transformable Design: Chuck Hoberman in Stuttgart

12 05 2011

A unique opportunity: Until May 20, you can see Chuck Hoberman’s Transformable Design in Stuttgart. Hoberman is an US architect and designer,  inventor of folding structures, most notably the Hoberman sphere (if you like to “wiki”).

HOBERMAN

Transformable Design, New York

Arbeiten des amerikanischen Architekten und Designers Chuck Hoberman.
09.05.2011 – 20.05.2011
Stuttgart

Eintritt: kostenlos

Veranstaltungsort:
Universität Stuttgart K1
Keplerstraße 11
70174 Stuttgart

Veranstalter:

Universität Stuttgart Institut für Entwerfen und Konstruieren

 




Zweimal „Mein Moskau“: Ein Stadt-Lese-und-Schau-Buch

17 03 2011

MORMO (Mein Moskau) ist ein Stadtlesebuch – genauer noch: ein Stadt-Lese-und-Schau-Buch –, das nicht zum schnellen Durchblättern geeignet ist. MORMO will in Ruhe gelesen werden, immer wieder zur Hand genommen und goutiert werden. Auf über 200 Seiten versammelt MORMO Fotografien und Kurztexte, die die russische Hauptstadt porträtieren, visualisieren, beschreiben, sie in alltäglichen Momentaufnahmen ebenso plastisch vor Augen treten lassen wie in architekturhistorisch interessanten Ansichten. „Mein Moskau“ ist der zweite Band der Stuttgarter Edition Esefeld & Traub, die mit „My New York“ eine Reihe von Stadtlesebüchern begonnen hat. Hervorgegangen ist das Projekt aus einer Ausstellung im Theaterhaus Stuttgart im Sommer 2008.

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Mein Moskau
Jörg Esefeld, Sascha Neroslavsky
Edition Esefeld & Traub, April 2010
Hardcover, 224 Seiten
Deutsch, Englisch, Russisch
53 Euro

ISBN 978-3980988759

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Foto Jörg Esefeld

Foto Jörg Esefeld

In zwei zeitlichen Blöcken – 1987/88 und in den Jahren von 2003 bis 2009 – haben sich die beiden Fotografen, der Stuttgarter Architekt und Stadtplaner Jörg Esefeld und der Moskauer Fotografen und Grafiker Sascha Neroslavsky, der russischen Metropole durch die Linse genähert. So verschieden die historischen, sozialen und kulturellen Umstände dieser zeitlichen Phasen waren, so unterschiedlich sind auch die fotografischen Perspektiven – der eine hat in Schwarzweiß und analog gearbeitet, der andere in Farbe und digital. Und so vielfältig sich die fotografische Annäherung präsentiert, so facettenreich ist damit auch das Moskau, das in diesen Aufnahmen sichtbar wird: Während Esefeld Szenen des Sowjet-Moskaus in der Umbruchsphase von Glasnost und Perestroika eingefangen hat mit einem besonderen Blick auch für avantgardistische „Merk-Würdigkeiten“ der Architektur, zeigt Neroslavsky das neue Gesicht der Stadt – ein Gesicht der Werbetafeln und Firmenlogos, des Konsums und der Statussymbole.

Foto Sascha Neroslavsky

Foto Sascha Neroslavsky

 

Inspiriert von diesen Fotografien haben rund 60 Autoren kurze Texte verfasst, die den Aufnahmen gegenübergestellt wurden. Unter den Verfassern finden sich Vertreter aus Politik und Journalistik ebenso wie aus Architektur, Kunst und Literatur, aus Deutschland ebenso wie aus Russland. So nennt die Autorenliste etwa Gabriele Krone-Schmalz und Rainer Graefe ebenso wie Wladimir Kaminer, Vittorio Magnago   Lampugnani, und Günther H. Oettinger. Präsentiert in den drei Sprachen Deutsch, Englisch und Russisch (zum Teil sind die Übersetzungen auch hier im Internet zu finden), denen zur besseren Unterscheidung und schnelleren Auffindbarkeit unterschiedliche Schriftfarbenzugeordnet sind, umreißen diese Texte ganz unterschiedliche Eindrücke, Gefühle, Beobachtungen und Erlebnisse in der Stadt Moskau. Es finden sich architekturgeschichtliche Ausführungen neben feuilletonistischen Texte, experimentelle Geschichten und alltägliche Erinnerungen neben rationalen Beobachtungen. Die Vielfalt der Texte spiegelt die Eindrücke der Fotografien wider und macht die Verschiedenartigkeit des Lebens in Moskau im historischen Wandel auch auf sprachlicher Ebene sichtbar – manches überraschend, manches humorvoll, manches sachlich-nüchtern.

Foto Jörg Esefeld

Foto Jörg Esefeld

Da ist, natürlich, der historistische Einkauftempel GUM, der bei keiner Stadtbesichtigung fehlen darf. Hatte er zu Sowjet-Zeiten auch oder gerade wegen Restriktion und Warenknappheit noch einem besonderen Charme, so beobachtet der Autor heute dort nur mehr als eine weitere seelenlose Shopping-Mall. Da sind auch die rosaroten Flamingos im Krasnaja Presnja Zoo vor der grau-tristen Fassade eines Hochhauses im stalinistischen Zuckerbäckerstil – im Unterschied zu ihren New Yorker Pendants wuchsen die Moskauer Wolkenkratzer jedoch weniger in die Höhe als vielmehr rücksichtslos in die Breite. Auch vom Roten Platz ist die Rede, der sich kaum verändert und den der Einzug des Kapitalismus wenig beeinflusst zu haben scheint – bis auf das italienische Café, das neuerdings Stühle nach draußen stellen darf.

Foto Sascha Neroslavsky

Foto Sascha Neroslavsky

Diese ganz unterschiedlichen Sichtweisen fügen sich in MORMO zu einem Panorama einer Metropole, die „uns“ in Deutschland, im Westen meist fremd ist und bleibt. Im Zusammenspiel von Fotografien und Texten entfaltet sich ein Porträt der russischen Hauptstadt im Umbruch, das man immer wieder zur Hand nehmen, durchblättern und hineinlesen kann, um sich auf visuelle und literarische Entdeckungsreise zu begeben durch ein Panoptikum der Perspektiven auf Moskau.

Beispielseiten aus dem Buch als PDF

 

 




Bauhaus meets Hartz IV furniture or: Why do architects make furniture? Le Van Bo talks about his Do-it-yourself furniture

27 02 2011

The attention for Le Van Bo’s Hartz IV furniture came all of a sudden. Only in spring 2010 had he developed his 24 Euro Chair – often mistakenly called Hartz IV chair – and by now, the construction plans have been requested more than 700 times. More than 400 chairs have been constructed, according to the photographs of the finished furniture, which Van Bo asks for in return for the free instructions. The project makes waves all around the world, even Terre des Hommes Mosambique contacted Van Bo about his do-it-yourself furniture. Recently, the Gewerbemuseum Winterthur has included the 24 Euro Chair in its collection and presents it as part of the permanent show “Böse Dinge” (Bad Things). And the Kreuzberg 36 Chair has travelled even further: it has been shown in China by the Goethe Institut and the Internationales Designzentrum (IDZ) during the Taiwan Design Expo “German Shades of Green”.

Copyright illustrations Le Van Bo / hartzivmoebel.blogspot.com

24€ Chair

24€ Chair

Meanwhile, the trained architect has created more Hartz IV furniture items, such as the Kreuzberg 36 Chair and the SiWo Sofa – the Single-Wohnung-Sofa (Single Appartment Sofa) –, and is experimenting with new ideas. Using “Guerrilla Lounging“, Van Bo tries to make public spaces more habitable, secretly sneaking in sites like underground stations, riversides like the Maybachufer or the city hall of the Berlin district Kreuzberg – a witty play on the German word “heimlich” comes to mind, meaning both “secretly” and “homely”: secretly making public spaces more homely.

The Guerrilla Lounges are accompanied by Van Bo’s first poster: the Hartz IV Rainbow, inspired by Otl Aicher’s colours. It is sold in limited edition (10€) to finance the guerrilla lounges.

It is the ideas of Bauhaus – “Less is more” – and the philosophy of functional forms that impress Van Bo most, and on which he is following up decisively. Thus the 24 Euro Chair recalls Mies van der Rohe’s Barcelona chair (1929) and the Wassily Club Chair by Marcel Breuer (1925). Its furniture workshop impacted the most effective image of Bauhaus to this day. In 1923, the first pieces of furniture were presented at the Bauhaus exhibition, which were designed according to Gropius’ “Guidelines of Bauhaus Production”: each product was to be functional, sustainable, cheap and beautiful. Furthermore, it is interesting that many of these now famous furniture items were created by architects. Marcel Breuer, for example, was trained as an architect, yet taught furniture design at the Bauhaus school from 1925 until 1928. Many of these pieces of furniture are design classics today. No surprise indeed, considering how furniture is among the most important items that influence people’s everyday life most directly. One’s personal habitat is where “form follows function” can be felt immediately.

Inspired by ...

Inspired by ...

Inspired by Bauhaus, Le Van Bo,who has been mentioned in the short list 2010 by baunetz.de as one of 12 architects, sets out to update these ideals – augmenting them with the idea of “do it yourself”, which appears to be as simple as it is effective in times of high tech mass production. Few role models can be found in this respect: Dutch architect Gerrit Rietveld created the Crate chair made of wooden boards in 1938, which was distributed as a construction set, while the Italian designer Enzo Mari developed construction plans for his “autoprogettazione” series including plans for beds, wardrobes, book shelves and chairs. Also the architects of Raumlabor Berlin have developed several pieces of furniture as social sculptures – most recently their “sedia venezia” has successfully accompanied the visitors of the Venice architecture biennial 2010.

More info: hartzivmoebel.blogspot.com

In the following interview, Le Van Bo tells us about his passion for Bauhaus, how it inspired his work on the Hartz IV series and what Eastern and Western design have in common.

(This essay and the interview were published on the occasion of the exhibition “Perspectives on in/outside” at Savvy Contemporary, Berlin (Dec. 2010). The interview below has been abridged.)

Interview

The modernism of the 1920s is particularly of interest to you – why?

Kreuzberg 36 Chair

Kreuzberg 36 Chair

Everywhere I look there is Bauhaus breathing in the air, especially when I look at the Metro exits, the city planning and in particular typography and furniture design. Helvetica for example, founded by a Swiss typographer Max Miedinger in the 1950s, must have been inspired by a German font: Akzidenz Grotesk (1902), published by German entrepreneur Hermann Berthold in 1902, who also had his factories in Berlin. So the modern type was somehow invented in Berlin, like so many things – for example the “Plattenbau” (social housing by Gropius), the very first industry lamps and the very first corporate identity by Peter Behrens for AEG. And the very first German Volkshochschule (adult education centre) was founded in Berlin, which also can be called a child of the democratic movement. Bauhaus is a way for me to find my German identity.

You are a trained architect. Why architecture?

I studied architecture at the Beuth Hochschule in Berlin and graduated in 2003, but honestly: At that time architecture didn’t interest me at all. As a student I used to make music, I did MCing (Hip Hop) and a lot of Graffiti writing. In a way, this was my very first physical contact with architecture.

Le Van Bo and his Kreutzberg 36 Chairs

Le Van Bo and his Kreutzberg 36 Chairs, Foto: Ute Haufe

I didn’t choose architecture. It chose me, and now, five years after my diploma, I begin to understand the architectural heritage that surrounds us – especially in Berlin with industry designer Peter Behrens, Bauhaus founder Walter Gropius and Mies van der Rohe.

Now it seems like I have learned to read a language that I have studied, but never spoken.

SiWo-Sofa

SiWo-Sofa

How did you get into the field of designing and how did you come to participating in art exhibitions?

The organiser of a Berlin art fair recently told me that he spots me as an artist. That is interesting, because I don’t see myself as an artist or a designer. I am trained in architecture, which makes me think holistically. I try to make use of the skills I’ve learned with all my different projects. Most of them have a social dimension such as “school talks” which I have initiated in Berlin-Wedding.

((The project School Talks offers career counselling. Together with Kiez-Tank-Stelle, Le Van Bo has been organizing this project in Berlin-Wedding and -Kreuzberg for over three years. Arranged as a talk show, these events give students the chance to talk to interesting people about their professions.))

I am not an artist. I am someone who is really grateful for all the beautiful things I’ve experienced here in Germany, and I just want to give something back: “Geben und nehmen.“ (Give and take.) Armin Paul, the organizer of the Berlin Art Tower Fair, paralleled my project to Joseph Beuys’ “Everybody is an artist”, saying: “Everybody is a carpenter.” This is a very interesting point of view.

How does your background in architecture influence your design work?

Berliner Hocker _ Plans

Berliner Hocker _ Plans

Obviously Bauhaus inspired my Hartz IV furniture project a lot. Isn’t it a pity that a lot of Bauhaus classic pieces like chairs are unaffordable to the people? Offering construction plans for Bauhaus inspired furniture for free is the idea behind Hartz IV furniture.

“Do it yourself” is getting more and more popular. Why, do you think, is it appealing to so many people to build their own furniture?

People, in the western industrialized world in particular, are getting more and more globalized and digitalized via Skype, Google, Facebook and so on. But this also means that we lose more and more our relationship to our body. When did you write more than two pages with a pen the last time? I think people nowadays long for more handmade experience.

Additionally, in Germany, there is still a lack of answers concerning German identity. By celebrating German design or German movements such as Bauhaus we can refer to a somehow German tradition without getting in conflict with the Nazi past. Sitting on a Bauhaus inspired chair, self-made, gives you a conscious and safe feeling about German identity.

You often mention that you are really grateful for all the beautiful things you’ve experienced here in Germany, which is thus reflected in you works. How much does your Asian origin influence your work as an architect or carpenter?

First of all, I come from a poor workers family, non-academics. This, of course, made me think a lot about quality of life. My parents used to have a wall paper at home showing fake wood, just to pretend a little luxury at home. Poor people often long for a higher status. Concerning life style and interior living, which means, poor people don’t want to see their lack of money and happiness when choosing furniture. Bauhaus objects, which are very reduced but at the same time with high attention to detail, offers a lot of opportunities to design your home with little money – because less

Making of ... 24€ Chair

Making of ... 24€ Chair

is more. I think the real luxury is to have time, space and freedom to choose.

Do you by any chance recognise cross-roads of these “western” and “non-western” identities you both encompass in your works or your person?

My father is Chinese and he doesn’t understand the hype with my Hartz IV furniture at all. Of course, I try to find parallels between European and Asian design. And there are more bridges than we think. The Ming throne for example for the kings and emperors of China inspired Danish architect Hans Wegener a lot when he created his masterpiece: The Y Chair. Wegener’s chairs became known worldwide after John F. Kennedy sat in one of them in a TV Show. German architect Bruno Taut was a big fan of Indian sacral architecture. With his books and essays he created a strong exchange between European and Asian – Japanese in particular – design.
Have a look at the German saw – big and based on push stroke – and compare it to a Japanese saw – light and based on pull stroke: you can see the difference between the western and eastern way to saw. This is fascinating. The tools themselves give you answers about cultural characteristics.

Le Van Bo, thanks for the interview!




Hochparterre in Frankfurt mit Yasmin Alt und Friedrich Vater

31 01 2011

Ab Donnerstag eröffnet die zweite PLAZA Show in der Lobby der Frankfurter Commerzbank mit einer Ausstellung von Yasmin Alt und Friedrich Vater. Begleitend dazu erscheint eine kleine Publikation mit Interviews von mir mit den beiden Künstlern. Insbesondere Yasmin richtet denFokus ihrer Arbeit auf die Auseinandersetzung mit architektonischen Formen.

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PLAZA SHOWS

Hochparterre

Yasmin Alt / Friedrich Vater

4. Februar bis 1. April 2011

Vernissage: Donnerstag, den 3. Februar 2011, um 18:00 Uhr

in der Lobby des Commerzbank-Towers, Kaiserplatz, 60311 Frankfurt

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PR-Text: Der Fokus der beiden Künstler liegt auf Installationen und Objekten. Die skulpturalen Arbeiten der 32jährigen Künstlerin aus dem hessischen Bad Schwalbach sind anzusiedeln zwischen Abstraktion und Figuration. Friedrich Vater, 1977 im brasilianischen Salvador geboren, beschäftigt sich mit dem Thema Identität. Er lotet in seinen Arbeiten die Grenzen der Identitätsbindung aus und fragt nach, wie sich die Position des Einzelnen in der Gesellschaft und die Gesellschaft insgesamt wechselseitig beeinflussen.




NEU Hartz IV Möbel: Berliner Hocker 10 Euro, 10 Schrauben, 10 Minuten

18 01 2011
Nach dem großen Erfolg des 24 Euro Chairs und des Kreuzberg 36 Chairs wird am Wochenende im Berliner Maxim Gorki Theater das neueste Hartz IV Möbel von Le Van Bo präsentiert: Der Berliner Hocker. Im Rahmen einer Aktion (Workshop) im Maxim Gorki Theater baut Bo mit Theaterbesuchern das neue Möbel. Das Konzept: Der Berliner Hocker kostet 10 Euro an Material, braucht 10 Schrauben und wird in 10 Minuten gebaut.
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Workshop Bau den Berliner Hocker (Hartz IV Möbel)
mit Le Van Bo
Samstag, 22. Januar
15-17 Uhr
17:30 Uhr Podiumsdiskussion “Maßnahmen gesellschaftlicher Teilhabe”
Garten

Am Festungsgraben 2
10117 Berlin-Mitte
Bhf Friedrichstrasse

Veranstalter: Maxim Gorki Theater, Berlin
Beginn: 15 Uhr (Ende 17 Uhr)
Workshop-Gebühr: 0 Euro
Materialkosten: 10 Euro/Berliner Hocker
Keine Anmeldung erforderlich, Werkzeug vorhanden.

http://hartzivmoebel.blogspot.com/p/berliner-hocker.html

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Auszug aus Programmheft (Maxim Gorki Theater): Ein Hocker ist ein Behältnis ist ein Regal ist ein Rednerpult … Der Berliner Architekt Le van Bo, Designer des liebevoll „Hartz-IV-Sessel“ betitelten Sitzmöbels zum Selberbauen und Initiator Berlinweiter Guerilla Loungings, hat exklusiv für das Maxim Gorki Theater das Möbelstück zur Inszenierung „Früchte des Zorns“ entworfen: ein mobiles Wohnelement für wandernde Heimaten.

Sein Preis: etwas Holz, eine Stunde Lebenszeit und Schwielen an den Händen.
Antikapitalistische Raumgestaltung mit den Mitteln der Innenarchitektur. Wohnkultur als Protestkultur: Lichterketten waren gestern! – bilden wir unsere eigene Verwertungskette! Unter Anleitung Le van Bos und mit der Unterstützung der Tischlerei des MGT Berlin können alle Freunde des Hobels und der Späne, alle Hobbyhandwerker, Gesellschaftsgestalter und zufällige Vorbeiflanierer sich ihren höchstpersönlichen Hocker bauen.
Wer möchte, kann sein Exemplar anschließend als temporäre Leihgabe dem Maxim Gorki Theater überlassen. Wir schenken Ihrem Hocker ein erstes Leben als Rauminstallation oder Bühnenelement, wir steigern seinen Wert um die Zinsen des Gebrauchs, bevor er aus der Vergesellschaftung zurückwandert zum Einzelnen.
Material und Werkzeug wird gestellt; Unkostenbeitrag für das Material: 10 Euro
Den Bauplan finden Sie ab Februar kostenlos unter: hartzivmoebel.blogspot.com
Infos + Abb. Le Van Bo



Guest contribution Media facades: When buildings start to twitter

7 12 2010

deconarch.com is delighted to present you an exclusive guest contribution: In his article and the accompanying movie, architect Thomas Schielke writes about “Media facades: When buildings start to twitter”. The movie is a shortened version of the lecture, „The semiotics of media facades – When buildings start to twitter” that was presented at the Parsons The New School for Design in New York in 2010.

Schielke designed an extensive online guide for architectural lighting, leads lighting workshops and publishes articles on lighting design and technology internationally.

Read more about Thomas Schielke and arclight below.

The timeline depicts international media facades with their different artistic, social or brand messages up to interfaces like iPhone Apps or brain sensors for public participation. The movie is a shortened version of the lecture, „The semiotics of media facades – When buildings start to twitter” that was presented at the Parsons The New School for Design in New York in 2010.

Luminous tweets and retweets
During the day, façade structures with their windows and material combinations grant a specific building image to the public. However, after sunset electrical light is the medium for an architectural image. The light appearance sends an atmospheric signal to the citizens like hang on in front of an asleep structure, look at an inviting but static façade or enjoy a vivid architecture sharing short stories. In the last decade, media facades have become a widespread element for luminous tweets. They establish a network between the building owner and the citizens, sometimes driven by aesthetical debates, other times by commercial intentions to avoid traditional light advertisement.
The pursuit of persuasion by way of big screens gives the impression that size receives a higher relevance than content, comparable with the large amount of trivial tweets in Twitter. Various media facades appear as monumental monologues repeating a fixed animation daily. A few facades use signals from the environment and transform them into a play of light and shadow. Others emerge as urban dialogues when buildings show combined moving pictures. Some even allow people to send messages to the building to receive luminous retweets. They turn the city into a community following the dialogue and with the respective Apps may possibly even gain a following community worldwide.

The historical overview of international projects covers various lighting methods and techniques from lighting designers as ag4, Arup Lighting, blinkenlights, Fusion, LAb[au], Licht Kunst Licht, L´Observatoire International, Mader Stublic Wiermann, Okayasu Izumi, magic monkey, Matthew Tanteri, Onur Sonmez , Qosmo, realities:united, StandardVision, Urbanscreens, Uwe Belzner, Yann Kersalé and architecture like Asymptote Architecture, Frank Gehry, Jean Nouvel, O.M. Ungers, Peter Cook, Peter Marino, UN Studio, schneider + schuhmacher, Simone Giostra, WOHA architects1. Artists like Doug Aitken, Jaume Plensa, Kurt Hentschläger and Zhong Song are included in the timeline as well.

Thomas Schielke
www.arclighting.de

Thomas Schielke, born 1973, studied architecture at the University of Technology in Darmstadt, Germany. During the course of his studies he worked as a research assistant at the department for Building Design and Lighting Technology for Prof. Hofmann.

He has been in charge of the didactic and communication division at the lighting manufacturer ERCO since 2001 where he designed an extensive online guide for architectural lighting, leads lighting workshops and publishes internationally articles on lighting design and technology. He is author of the book “Light Perspectives – between culture and technology”. This book covers the actual qualities of light, the relationship between light and space, finally, the dimension of light as it relates to culture – based on paired terms to explore the design dimension of light.

Additionally, he lectures at different universities.
His dissertation at the University of Technology in Darmstadt analyses architectural lighting.




Vortrag: Annett Zinsmeister zu Gast bei GEDOK Stuttgart

29 11 2010

Am kommenden Mittwoch gibt die Architektin und Künstlerin Annett Zinsmeister einen Gast-Vortrag in der GEDOK-Galerie Stuttgart.

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Annett Zinsmeister zu Gast bei GEDOK

Mi 01.12.10

20:00 Uhr

GEDOK – Galerie

5 € / 2,50 €

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Annett Zinsmeister arbeitet interdisziplinär und intermedial. Ausgehend von dem Schwerpunkt Raum und Architektur löst sie vorgefundene Strukturen aus ihrem Kontext und fügt diese an anderen Orten und in neuen Kompositionen wieder zusammen. Sie verbindet in ihrer künstlerischen Praxis Kunst, Architektur und Design. Ihre prozesshaften Arbeiten manifestieren sich als Zeichnungen, Fotografien, Installationen, in digitaler oder gebauter Form. In Projektbegleitenden Publikationen vereint sie zudem wissenschaftliche Methodik und gestalterische Praxis.

Annett Zinsmeister studierte Kunst, Architektur, Kultur- und Medienwissenschaften an der Hochschule der Künste Berlin. Seit 2007 ist sie Professorin für konzeptionelles Gestalten und experimentelles Entwerfen und seit 2009 auch Leiterin des Weißenhof-Instituts an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Mehr Info.




Call for contributions: poolbar-Architektur-Wettbewerb

17 11 2010

Noch ein Hinweis für alle Interessierten: Der poolbar-Architektur-Wettbewerb ist wieder ausgeschrieben.

Seit 1997 werden jährlich junge GestalterInnen eingeladen, für das poolbar-Festival in Feldkirch eine temporäre, Image prägende Architektur zu schaffen. Auch beim 18. poolbar-Festival vom 1. Juli bis zum 15. August 2011 wird dies nicht anders sein. Gemeinsam mit dem Vorarlberger Architekturinstitut (vai) und der Wirtschaftskammer Vorarlberg (WKV) schreibt die Festivalleitung deshalb den poolbar-Architektur-Wettbewerb erneut aus.

“Demokratischer Raum, humanes Licht”

… ist das herausfordernde Thema des Wettbewerbs, an dem jede/r mit Sinn für Architektur, Design und Ästhetik teilnehmen kann. Detaillierte Informationen zur Ausschreibung sowie Unterlagen und Pläne können auf HIER downgeloadet werden.

Am 10. Januar 2011 um 10 Uhr endet die Einreichfrist, noch am selben Tag wird die Jury – bestehend aus Herwig Bauer (poolbar-Festival), Jesco Hutter (Baumschlager Hutter Partners, nominiert vom vai), Verena Rauch (columbosnext architektur, nominiert vom vai) und Otto Bechter (Zumtobel, nominiert von der WKO) – ab 16 Uhr tagen und die besten Projekte auswählen.

Auch das Publikum wird wie bereits 2010 zur Stimmabgabe gebeten: Am Abend des 10. Januars stehen die Projekte online, gevotet werden kann bis zum 7. Juli 2011 (15 Uhr). Denn neu ist der Termin der Präsentation aller prämierten Projekte: Am poolbar architektur-Tag, dem 7. Juli, werden die besten Projekte der Öffentlichkeit vorgestellt und der Publikumspreis vergeben. Zudem führen Jury und/oder Gewinner/in(nen) durch das umgesetzte Siegerprojekt.




People meet in ARTitecture: 12. Architektur-Biennale in Venedig (Teil 1)

1 11 2010

Meine erste Architekturbiennale! Nachdem ich in den letzten Jahren schon mehrere Kunstbiennalen besuchen konnte, habe ich es dieses Jahr das erste Mal zu einer Architekturbiennale geschafft. Ein Tag ist nicht gerade viel, um alles mitzunehmen, aber wir haben es geschafft, zumindest die Länderpavillons in den Giardini (ausgiebig) und das Arsenale (zügig) zu sehen. Die Eindrücke waren vielfältig und sind jetzt allmählich verdaut, so dass es an der Zeit für einen „Erfahrungsbericht“ ist: Was hat gefallen, was weniger, welche zwei Pavillons haben es in mein persönliches Best of geschafft und was hat es mit der ARTitecture auf sich?

Mehr Fotos auf meiner Facebook-Seite.

Das Medienecho war eher verhalten (wie das meist so ist, bei Großveranstaltungen dieses Kalibers). Daher habe ich mich bemüht, möglichst „uninformiert“ nach Venedig zu fahren und alles so unvoreingenommen wir möglich wirken zu lassen. Trotzdem waren die Erwartungen, nuja, mittelgroß: „Bist du auch schon auf der Biennale gewesen dieses Jahr?“ – „Nein, noch nicht … Lohnt es sich denn?“ – „Äh, nicht so …“ In dieser Form liefen einige Unterhaltungen im Vorfeld der Fahrt ab. Bezeichnenderweise fiel das Echo von Architektenseite her eher reduziert aus, während es von Künstlerseite sehr viel positiver war. Nicht ohne Grund, wie ich jetzt weiß …

Tatsächlich sind sehr viele Pavillons weniger architektonisch gestaltet, sondern künstlerisch. Soll heißen, es werden wenige Exponate gezeigt, die sich mit konkreten Fragen des praktischen Bauens beschäftigen, sondern vielmehr freiere Herangehensweisen an das Thema Architektur – manche gelungener, manche weniger. Alles in allem könnte man in Ahnlehnung an das diesjährige, von Kazuyo Sejima ausgegebene Motto sagen: People meet in ARTitecture. Für mich und den Standpunkt, den ich mit deconarch.com verfolge, also eigentlich genau richtig. Ich kann allerdings auch nachvollziehen, dass gerade Architekten von einer solchen „Bauschau“, die keine so richtig ist, eher enttäuscht sind.

Die Länderpavillons

Pavillon Kanada, Foto: SK

Pavillon Kanada, Foto: SK

Es versteht sich, dass bei einer Fülle von Pavillons, die von mehr als 50 Nationen bespielt werden, einiges mehr, einiges weniger gefallen kann. Auffallend ist, dass es bestimmte Typen der Pavillongestaltung gibt, die gehäuft vorkommen. Statt eines Aha-Effekts ertappt man sich daher häufiger bei einem Déjà-vu-Gefühl.

Pavillon Ungarn, Foto: SK

Pavillon Ungarn, Foto: SK

Da waren durchgestylte Raumlabyrinthe, meist mit Lichteffekten in Szene gesetzt, in denen mehr oder weniger Geheimnisvolles von der Decke hing – in Ungarn etwa sozialromantisch Bleistifte (Bleistifte? Achja, die gezeichnete Linie als Ursprung jedes Entwurfs, das Handwerkszeug des Architekten, Sozialromantisch eingesammelt von Schulen im ganzen Land), während in Kanada James Cameron grüßen lässt – sehr stylisch, sehr cool, aber trotz der grundsätzlich interessanten Idee von „Hylozoic Ground“ (der kanadische Architekt Philip Beesley hat einen Wald aus Acryl-Farn installiert als Vision einer neuen Generation responsiver Architektur) etwas zu viel Sci-Fi im Avatar-Stil und zu wenig Architektur.

An sich gar nicht uninteressant, aber streckenweise schwer zugänglich geben sich viele Pavillons, bei denen man sich fragt, wo genau der Architekturbezug, wenn nicht gar eine Auseinandersetzung mit dem Motto der Biennale ansetzen will. Bei einigen helfen die Zusatzinformationen weiter – das wäre bei sehr viel mehr Pavillons ebenfalls wünschenswert gewesen –, bei anderen bleibt dem Besucher nur viel Fantasie (oder weitergehen). Polen etwa präsentierte eine cool illuminierte Raumskulptur aus – Fahrradkörben? Vogelkäfigen? Der begleitende Text liest sich zwar im Nachhinein spannend, lässt sich aber aus der Installation nicht wirklich erschließen. „Emergency Exit”? Oh, ja bitte.

Im Pavillon der Nordischen Länder, Foto: SK

Im Pavillon der Nordischen Länder, Foto: SK

Viele Pavillons sind solide gestaltet – ganz ordentlich, ohne allzu viel Neues, Überraschendes, Aufregendes zu bieten: Brasilien etwa, mit einer Ode an Oscar Niemeyer, da kann man nicht viel falsch machen, ebenso etwa auch die USA (verschiedene urbanistische Konzepte), Frankreich (was ist METROPOLIS?) und Korea (traditionelle Bauweisen in der Gegenwart).

Spanien Pavillon, Foto: SK

Spanien Pavillon, Foto: SK

Damit kein falscher Eindruck entsteht: Einige Pavillons widmen sich durchaus konkret der Architektur und dem Urbanismus (allerdings sind es nicht zwangsläufig auch die interessanteren Pavillons). Spanien etwa zeigt Solarhäuser, Österreich gibt sich egozentrisch-pompös (sehr treffend kommentiert HIER), Dänemark stellt didaktisch gelungen Fragen nach der Zukunft des Städtebaus. Auch der skandinavische Pavillons ist interessant, hier darf der Besucher sogar selbst Jury spielen und Goldene Hirsche an das gelungenste Exponat vergeben, oder Japan, das sich selbstkritisch mit dem „Metabolismus“ auseinandersetzt, der vor 50. Jahren als erstes einflussreiches Architekturmanifest aus Japan um die Welt ging. Etwas zu voll präsentiert sich der Pavillon zwar, bietet dem Besucher aber dennoch spannende Einsichten – sozusagen von oben und unten, von innen und außen: Über zwei Stockwerke ist ein Haus-Modell gebaut, in das man von unten in ein „Guckloch“ eintreten kann.

Serbien Pavillon, Foto: SK

Serbien Pavillon, Foto: SK

Australien Pavillon, Foto: SK

Australien Pavillon, Foto: SK

Und dann waren da noch – die Pavillons, die irgendwie cool/amüsant/interessant waren, aber irgendwie nicht so recht auf eine Architekturschau passen wollen. Australien etwa zeigt eine Disco-Laser-Licht-Show im Darkroom (ach ja, es gibt auch einen 3D-Film über Bauprojekte). Griechenland baut eine Arche mit allem Saatgut und Serbien einen Holzspielplatz für Erwachsene: Walk the plant! See you on the seesaw! Nicht wirklich architektonisch, aber definitiv der lustigste Pavillon – und genauer besehen auch einer der wenigen Ausstellungsräume, in dem man wirklich von „people meet“ sprechen konnte. Ohne Vermittlung sind diese Ideen jedoch nicht ohne Weiteres zugänglich.

To be continued …




Architektur in/aus Afrika? Ein Essay

26 10 2010

Architektur im Schatten der WM-Stadien – Gibt es zeitgenössische Architektur auf dem afrikanischen Kontinent?

Es ist noch nicht lange her, dass sich dank der Fifa-Fußballweltmeisterschaft die Blicke der Welt auf den afrikanischen Kontinent gerichtet haben. Das Sportgroßereignis hat im Gastgeberland Südafrika für einen Bauboom gesorgt, bei dem nicht zuletzt auch deutsche Architekten engagiert waren – drei der zehn Austragungorte wurden von den Hamburger Architekten gmp entworfen (mehr zum Thema). Aber nicht nur Stadien, sondern vor allem auch Unterkünfte für Zehntausende Besucher sowie die nötige Infrastruktur mussten geschaffen werden. Die WM wurde für Südafrika Anlass für umfangreiche stadtplanerische Aktivitäten. Diese Ziele wurden zumindest im Rahmen der WM erreicht, ob der Erfolg sich auch langfristig einstellen wird, bleibt abzuwarten.

Die Berichterstattung über Architektur in Südafrika erschöpfte sich jedoch weitgehend mit Dokumentationen über die Sportstadien. Weiter wurde der Blick auf zeitgenössische Architektur, ja auf eine mögliche Architektur-Avantgarde in und aus Afrika nicht verfolgt. Eine Situation, die symptomatisch ist für den gesamten Kontinent. Dubai und die arabischen Emirate, China und Fernost sind die neuen architektonischen Boomtowns – aber Afrika? Bedeutet dies, dass es in Afrika keine zeitgenössische Architektur gibt?

Zeitgenössische Architektur in und aus Afrika im WWW?

Erste Recherchen im Internet zeigen, dass das so nicht stimmt. Natürlich gibt es zeitgenössische Architektur in und aus Afrika. Allerdings ist die moderne afrikanische Architektur im westlichen Kulturraum bislang tatsächlich eher unbekannt und vor allem: Sie ist deutlich unterrepräsentiert. Gerade im deutschsprachigen Web findet sich nur wenig Informatives zum Thema. Wenn, dann wird man vor allem auf englischsprachigen Webseiten fündig.

Wer ohne größeres Vorwissen afrikanische Architekten und Architektur sucht, stößt auf Namen wie den ghanaischen Architekten David Adjaye (*1966), der in London lebt und arbeitet und Büros in Berlin und New York betreibt, oder den Ägypter Hassan Fathy (1900-1989), der für seine Lehmziegelhäuser berühmt wurde, mit denen er traditionelle, den Gegebenheiten seines Heimatlandes angemessene – im Gegensatz zu westlichen Bautechniken stehende – Bautechniken aufgriff. Auch das ambitionierte Operndorfprojekt von Christoph Schlingensief, das auch nach Schlingensiefs Tod unter der Ägide des burkinischen Architekten D. Francis Kéré in Burkina Faso realisiert wird (mehr hier), ist einer der ersten Treffer, den Suchmaschinen finden. Danach wird es jedoch dünn.

Modellcollage des Operndorfs © Kéré Architects

Modellcollage des Operndorfs © Kéré Architects

Dass es wenig zu finden gibt, liegt jedoch auch an der Art und Weise, wie in Afrika gebaut wird: Die ganz alltäglichen Gebäude baut man in Afrika selbst, im Dorfverband, mit überlieferten Techniken, ohne größere Bauintention. Größere Aufmerksamkeit erringt man als Architekten jedoch in der Regel mit Großprojekten – für die nicht zuletzt die Gelder fehlen. Der Kreis schließt sich.

Architekturparadies Afrika?

Dennoch hat Afrika in den vergangenen Jahrzehnten Investoren und Bauherren aus vielen Ländern angezogen. So sind etwa einige der „modernsten“ Bauvorhaben der klassischen Moderne auf dem afrikanischen Kontinent entstanden. Hier fanden die modernen Baumeister die ihren Vorstellungen vom Bauen der „Tabula Rasa“ entsprechenden Bedingungen vor. Das eriträische Asmara etwa ist eines der größten Ensembles moderner europäischer Architektur (mehr hier). Nur Miami South Beach, Tel Aviv und Napier, Neuseeland, haben entsprechende Anlagen aufzuweisen. Allerdings ist die typische moderne Bauweise – Glas und Beton – für viele afrikanische Länder, die sich etwa im (sub)tropischen Raum oder in Wüstengebieten befinden, nicht angemessen: Sie heizen sich übermäßig auf und müssen mit viel Energie gekühlt werden.

Heute ist es vor allem China, das Afrika als Investitionsland (und als Ressourcen-Paradies) entdeckt hat und Großbauten dort realisiert – allerdings wenig nachhaltig: Die chinesischen Firmen bringen oft nicht nur das Kapital und Know-how, sondern auch die (ungelernten) Arbeiter mit. Sind die Bauprojekte hingeklotzt, zieht man weiter – mitsamt dem technischen Know-how und den Arbeitern. Dadurch wird nicht nur die heimische Bauindustrie geschädigt, die bei den Dumping-Preis-Offerten der chinesischen Konkurrenz nicht mithalten kann, da sie den staatlichen Arbeitsgesetzen und Mindestlöhnen unterliegt. Auch die Leute vor Ort erwerben wenig Fachwissen – weder davon, wie man baut, noch wie man das Hingebaute fachgerecht instand hält. So begegnen die asiatischen Investoren den Afrikanern zwar auf Augenhöhe und nicht mit zum Teil zweifelhaften Entwicklungshilfeprojekten. Sie investieren jedoch auch nur in einer Art und Weise, die für sie selbst einen Vorteil verspricht.

Zudem befinden sich auch einige der Megacities der Welt auf dem afrikanischen Kontinent, deren Untersuchung künstlerisches wie architektonisches Interesse weckt. So erregt beispielsweise Lagos, die größte Stadt Nigerias, immer mehr Aufmerksamkeit. Rem Koolhaas etwa hat dort ein intensives Rechercheprojekt mit Harvard-Studenten durchgeführt – ein Film von Bregtje van der Haak hat Koolhaas dabei beobachtet –, während MAGNUM-Fotograf Thomas Dworzak die Stadt mit der Kamera porträtiert hat.

Dabei war Lagos lange Zeit keine Megacity: 1901 lebten gerade rund 37.000 Menschen dort, 1921 waren es schon 100.000 und 1971 schon 1,2 Millionen. Heute hat die Stadt die 9-Millionen-Grenze gesprengt, im Jahr 2020 sollen es über 14 Millionen Einwohner sein.

Auf Spurensuche: Architektur in/aus Afrika

Auslöser, sich auf Spurensuche zu begeben in die Welt der zeitgenössischen Architektur in und aus Afrika, war das neue Online-Magazin SAVVY | art.contemporary.african (demnächst online), das sich – erstmals im deutschen Sprachraum – der Vermittlung von zeitgenössischer Kunst in und aus Afrika widmen wird.

Für die erste Ausgabe von SAVVY | art.contemporary.african habe ich ein Interview mit D. Francis Kéré (vorab veröffentlicht in der AZ) über sein Operndorf-Projekt sowie über seine Arbeit allgemein geführt, das “Remdoogo” selbst stelle ich ebenfalls in einem Porträt vor.

Modellcollage des Operndorfs: Festspielhaus mit umliegenden Wohnmodulen  © Kéré Architects

Modellcollage des Operndorfs: Festspielhaus mit umliegenden Wohnmodulen © Kéré Architects

Dabei soll keinesfalls die genannte Lücke in der Berichterstattung über afrikanische Architektur in den deutschsprachigen Medien geschlossen werden – das Thema ist viel zu umfangreich, als dass es mit gelegentlichen Berichten zu schließen wäre. Vielmehr geht es darum, die Lücke überhaupt erst offenzulegen und aufzuzeigen.

Diese Annäherung ist auch für mich Neuland und daher möchte ich alle Leser einladen, sich mit mir auf Entdeckugnreise zu begeben und mit Kommentaren, Tipps, Hinweisen dazu beizutragen, dem facettenreichen Thema rund um die zeitgenössische Architektur in und aus Afrika ein Stück näher zu kommen!