Sterberaum

Gregor Schneider

Kunstraum Innsbruck, Innsbruck, Austria

Curator: Veit Loers (Solo)

19.11.2011 – 28.01.2012
 
 
PR-Text: “Ich möchte eine Person zeigen, welche eines natürlichen Todes stirbt oder gerade eines natürlichen Todes gestorben ist. Dabei ist mein Ziel, die Schönheit des Todes zu zeigen. Diese aus dem Kontext gerissene Feststellung aus Anlass eines Interviews in Paris im Februar 2008 löste vor 3 Jahren wütende Proteste, aber auch Sympathiebezeugungen vor allem in der deutschen Presse aus.Gregor Schneider erhielt sogar Morddrohungen. Dabei hat niemand jemals diesen Sterberaum gesehen. Nun wird er erstmals in Innsbruck gezeigt.

Gregor Schneider u60, WAND, wall in front of a wall, breeze blocks and plaster blocks, plastering, white (272 x 259cm), DREI ARBEITEN, Museum Haus Lange, Krefeld, 4.09.1994 - 23.10.1994 Photo: © Volker Döhne / Museum Haus Lange

Schneider beschreibt im Interview mit Heinz-Norbert Jocks (Kunstforum International 2008) ausführlich das Aussehen des gebauten Kunstraums: Ich habe einen Sterberaum gebaut, der für mich als Bildhauer das eigentliche Kunstwerk ist. Doch dieser kann auch als solcher genutzt werden. Er ist ein Nachbau eines Raums aus dem Museum Haus Lange/Esters [Krefeld], der in meinen Augen einer der empfindsamsten und künstlerisch anspruchvollsten ist, die wir für die Gegenwartskunst als Museumsbau haben. Es handelt sich dabei um einen von Licht durchfluteten Wohnraum mit großen Fenstern und Holzboden. Von Mies van der Rohe konzipiert, ist er für mich ein Ausdruck von räumlicher Freiheit… Der Kunstraum kann die nötige Würde schaffen um das Sterben und den Tod auch öffentlich sichtbar zu machen.

Kunst hat für mich einen zutiefst im positiven Sinne humanen Anspruch. Sterben kann auch Kunst sein. Im Grunde ist ein Sterberaum ein persönlicher Gestaltungsauftrag für den Raum und die Umgebung, in der wir sterben uns auflösen um dann Tod zu sein. Eine Gestaltungsaufgabe die jedem Menschen bevorsteht.

Die öffentliche Darstellung kann den Tod aus dem gesellschaftlichen Tabu führen. Ist es vorstellbar das sterben und den Tod ähnlich der Geburt eines Menschen, zu einem positiven Erlebnis werden lassen?

Schneider, 1969 in Rheydt (Mönchengladbach) geboren, ist vor 15 Jahren durch sein Totes Haus ur bekannt geworden, ein gründerzeitliches Reihenhaus, in dem Schneider über viele Jahre hinweg alptraumhafte Raumfolgen schuf, die zunächst in verschiedenen Museen zu sehen waren und dann in ihrer Gesamtheit in den Deutschen Pavillon der 49. Biennale von Venedig (2001) verpflanzt wurden. Gregor Schneider erhielt dafür den „Goldenen Löwen“. Seitdem hat er international zahlreiche Projekte verwirklicht, den für den Markusplatz in Venedig geplanten Cube, eine Replik der Kaaba in Mekka, die an der Kunsthalle Hamburg verwirklicht wurde, das Raumlabyrinth Weisse Folter in der K21 der Kunstsammlungen Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf, die Cells des Bondy-Beachs bei Sydney, END am und im Museum Abteiberg Mönchengladbach und kürzlich it’s all Rheydt für das Durga Puja Festival in Kolkata.

Parallel zum Sterberaum wird im Centro de Arte Dos de Mayo C2M Madrid Gregor Schneiders neues Projekt Punto Muerto (Dead End) gezeigt. Ein gewaltiges darmartiges Röhrensystem mit einzelnen ur-Räumen durchzieht von außen das Museum, durch die der Besucher auch den Ausgang finden muss, ohne das Museum zu betreten.

Zur Ausstellung erscheint im Neuen Jahr ein dokumentarischer Katalog.

Info + illus. courtesy Gregor Schneider

STEPHEN CRAIG Thrills & Spills

Plastiken, Installationen, Malerei

Preis des Kuratoriums des Mannheimer Kunstvereins

Mannheimer Kunstverein, 06. November – 23. Dezember 2011

www.mannheimer-kunstverein.de

Thrills & Spills verspricht das poppigbunte Plakat: Ein Karussell, zwei Kassenhäuschen, ein Cowgirl mit Pistole, viele Glühbirnen … – ein Jahrmarkt im Kunstverein? Der nordirische Künstler Stephen Craig verwandelt die Mannheimer Räumlichkeiten in eine andere Welt. Diese Ausstellung steht ganz unter dem Zeichen temporärer Architekturen, die bald wieder verschwinden – wie die Jahrmarktbuden, die das Jahr über von Markt zu Markt ziehen.

“Stephen Craig versteht sich als Künstler und Architekt. Seine mehrdeutigen Arbeiten spielen immer wieder mit der Grenzziehung zwischen autonomer Skulptur und Architektur. So sind seine Modelle Ergebnisse künstlerischer Imagination, werden aber auch zu Wohn- oder Ausstellungsräumen umgesetzt. Vor allem Mies van der Rohe mit seinem Konzept der Befreiung der architektonischen Elemente und der damit verbundenen Schaffung von Übergangszonen zwischen Innen- und Außenraum ist für Craig ein wichtiger historischer Referenzpunkte. Aber auch Alberto Giacometti und seine skulpturale Auseinandersetzung mit Raum und Proportionen haben ihn nachhaltig beeinflusst.” (zititert nach Link)

In seiner Arbeit verbindet Craig Architektur und Kunst. Er spielt mit ganz unterschiedlichen Medien, arbeitet mit Skulptur und Rauminstallationen ebenso wie mit Zeichnung und den neuen Medien, mit Film, Video und Fotografie. Seine Objekte sind Ergebnisse komplexer Arbeitsprozesse, wie er in einem Interview betonte: „Ich persönlich sehe die Dinge mehr als fest gewordene plastische Denkprozesse in Materialform, wie Eisbergspitzen. Ich muss einfach immer gleichzeitig denken und machen. Der Denkprozess wird im Machen zu Ende gedacht – ausgearbeitet. Weil ich nicht immer ganz Großes machen kann, entstehen solche Sachen, die man Modelle nennt“ (Link). Dabei sind Craigs Arbeiten immer auch verbunden mit einem feinen Humor, der das Undenkbare für denkbar hält und das Denkbare ins Absurde zieht.

Für seine Arbeit erhält Stephen Craig, seit 2001 Professor für Visual Arts an der Architekturfakultät der Universität Karlsruhe, als achter Preisträger den Preis des Kuratoriums des Mannheimer Kunstvereins. Diese Auszeichnung wird seit 1996 alle zwei Jahre an junge Künstler und Künstlerinnen vergeben als Anerkennung für ihre Arbeit und entspricht damit der Zielsetzung des Kunstvereins, junge Kunst zu fördern. Der Preisträger erhält neben einem Preisgeld von 5000€ die Gelegenheit, seine Werke in einer Einzelausstellung im Kunstverein Mannheim zu präsentieren.

Fehler im Lauf der Dinge

Knut Eckstein, Gabriele Künne, Eric Tschernow & Ludwig Mies van der Rohe

15. Juli bis 6. Oktober

Stadtgalerie Mannheim

www.stadtgalerie-mannheim.de

PR-Text: „Fehler im Lauf der Dinge“ beschäftigt sich kritisch mit der Architektur- und Baugeschichte der Städte Mannheim und Ludwigshafen nach 1945. Die beiden Industriestädte wurden gegen Ende des Zweiten Weltkriegs weitgehend zerstört. Gabriele Künne befasste sich intensiv mit dem Wiederaufbau. Im Vordergrund standen für sie die Folgen von Fehlentscheidungen in Architektur und Stadtplanung. Sie lud die Berliner Künstler Knut Eckstein und Eric Tschernow zur Teilnahme an ihrem Projekt ein. Ergebnisse dokumentiert eine Publikation (Fehler im Lauf der Dinge, 2010 erschienen bei Revolver) und die aktuelle Ausstellung in der Stadtgalerie Mannheim.

Ausgangspunkt für die Werke der Ausstellung ist die Recherchearbeit Gabriele Künnes, vor allem in den Stadtarchiven in Mannheim und Ludwigshafen. In ihren Arbeiten bezieht sie sich auf die Rationalität der Städte und analysiert existierende Formen. Die vorgefundene Stadtarchitektur, in Form von Plänen bereits abstrahiert, reduziert die Künstlerin nochmals auf assoziativ verdichtete Grundformen. Vorgefundenes, bereits verfügbares Material gewinnt ein neues Eigenleben als formales System.

Eric Tschernow fotografierte für das Projekt „Fehler im Lauf der Dinge“ Verkehrsadern: Unterführungen, Autobahnbrücken, Geleise. Seine Fotografien begnügen sich nicht damit, die Straßenkonstruktionen zu inszenieren. Durch Kombination und Montage seiner Aufnahmen erweitert er sie zu monumentalen Betonriesen.

Knut Eckstein bewegt sich mit seinen Pfropfungen von Schachteln, Fäden und Zivilisationsresten im dreidimensionalen Raum und erzeugt mit seinen Installationen ironische Architekturmodelle, die den Verfalls- und Alterungsprozess steriler Architektur vorwegnehmen und die Idealmodelle von Architekten wie Le Corbusier oder Mies van der Rohe respektlos persiflieren.

Ab dem 15. Juli wird Konstantin Voit parallel zu „Fehler im Lauf der Dinge“ den kleineren Raum der Stadtgalerie in ein offenes Atelier verwandeln. Die Ergebnisse seiner Arbeit in der Stadtgalerie werden im September (Eröffnung am 6. 9.) in einer Ausstellung präsentiert.

The attention for Le Van Bo’s Hartz IV furniture came all of a sudden. Only in spring 2010 had he developed his 24 Euro Chair – often mistakenly called Hartz IV chair – and by now, the construction plans have been requested more than 700 times. More than 400 chairs have been constructed, according to the photographs of the finished furniture, which Van Bo asks for in return for the free instructions. The project makes waves all around the world, even Terre des Hommes Mosambique contacted Van Bo about his do-it-yourself furniture. Recently, the Gewerbemuseum Winterthur has included the 24 Euro Chair in its collection and presents it as part of the permanent show “Böse Dinge” (Bad Things).

Copyright illustrations Le Van Bo / hartzivmoebel.blogspot.com

24€ Chair

Meanwhile, the trained architect has created more Hartz IV furniture items, such as the Kreuzberg 36 Chair and the SiWo Sofa – the Single-Wohnung-Sofa (Single Appartment Sofa) –, and is experimenting with new ideas. Using “Guerrilla Lounging“, Van Bo tries to make public spaces more habitable, secretly sneaking in sites like underground stations, riversides like the Maybachufer or the city hall of the Berlin district Kreuzberg – a witty play on the German word “heimlich” comes to mind, meaning both “secretly” and “homely”: secretly making public spaces more homely.

The Guerrilla Lounges are accompanied by Van Bo’s first poster: the Hartz IV Rainbow, inspired by Otl Aicher’s colours. It is sold in limited edition (10€) to finance the guerrilla lounges.

It is the ideas of Bauhaus – “Less is more” – and the philosophy of functional forms that impress Van Bo most, and on which he is following up decisively. Thus the 24 Euro Chair recalls Mies van der Rohe’s Barcelona chair (1929) and the Wassily Club Chair by Marcel Breuer (1925). Its furniture workshop impacted the most effective image of Bauhaus to this day. In 1923, the first pieces of furniture were presented at the Bauhaus exhibition, which were designed according to Gropius’ “Guidelines of Bauhaus Production”: each product was to be functional, sustainable, cheap and beautiful. Furthermore, it is interesting that many of these now famous furniture items were created by architects. Marcel Breuer, for example, was trained as an architect, yet taught furniture design at the Bauhaus school from 1925 until 1928. Many of these pieces of furniture are design classics today. No surprise indeed, considering how furniture is among the most important items that influence people’s everyday life most directly. One’s personal habitat is where “form follows function” can be felt immediately.

Inspired by ...

Inspired by Bauhaus, Le Van Bo,who has been mentioned in the short list 2010 by baunetz.de as one of 12 architects, sets out to update these ideals – augmenting them with the idea of “do it yourself”, which appears to be as simple as it is effective in times of high tech mass production. Few role models can be found in this respect: Dutch architect Gerrit Rietveld created the Crate chair made of wooden boards in 1938, which was distributed as a construction set, while the Italian designer Enzo Mari developed construction plans for his “autoprogettazione” series including plans for beds, wardrobes, book shelves and chairs. Also the architects of Raumlabor Berlin have developed several pieces of furniture as social sculptures – most recently their “sedia venezia” has successfully accompanied the visitors of the Venice architecture biennial 2010.

More info: hartzivmoebel.blogspot.com

In the following interview, Le Van Bo tells us about his passion for Bauhaus, how it inspired his work on the Hartz IV series and what Eastern and Western design have in common.

(This essay and the interview were published on the occasion of the exhibition “Perspectives on in/outside” at Savvy Contemporary, Berlin (Dec. 2010). The interview below has been abridged.)

Interview

The modernism of the 1920s is particularly of interest to you – why?

Kreuzberg 36 Chair

Everywhere I look there is Bauhaus breathing in the air, especially when I look at the Metro exits, the city planning and in particular typography and furniture design. Helvetica for example, founded by a Swiss typographer Max Miedinger in the 1950s, must have been inspired by a German font: Akzidenz Grotesk (1902), published by German entrepreneur Hermann Berthold in 1902, who also had his factories in Berlin. So the modern type was somehow invented in Berlin, like so many things – for example the “Plattenbau” (social housing by Gropius), the very first industry lamps and the very first corporate identity by Peter Behrens for AEG. And the very first German Volkshochschule (adult education centre) was founded in Berlin, which also can be called a child of the democratic movement. Bauhaus is a way for me to find my German identity.

You are a trained architect. Why architecture?

I studied architecture at the Beuth Hochschule in Berlin and graduated in 2003, but honestly: At that time architecture didn’t interest me at all. As a student I used to make music, I did MCing (Hip Hop) and a lot of Graffiti writing. In a way, this was my very first physical contact with architecture.

Le Van Bo and his Kreutzberg 36 Chairs, Foto: Ute Haufe

I didn’t choose architecture. It chose me, and now, five years after my diploma, I begin to understand the architectural heritage that surrounds us – especially in Berlin with industry designer Peter Behrens, Bauhaus founder Walter Gropius and Mies van der Rohe.

Now it seems like I have learned to read a language that I have studied, but never spoken.

SiWo-Sofa

How did you get into the field of designing and how did you come to participating in art exhibitions?

The organiser of a Berlin art fair recently told me that he spots me as an artist. That is interesting, because I don’t see myself as an artist or a designer. I am trained in architecture, which makes me think holistically. I try to make use of the skills I’ve learned with all my different projects. Most of them have a social dimension such as “school talks” which I have initiated in Berlin-Wedding.

((The project School Talks offers career counselling. Together with Kiez-Tank-Stelle, Le Van Bo has been organizing this project in Berlin-Wedding and -Kreuzberg for over three years. Arranged as a talk show, these events give students the chance to talk to interesting people about their professions.))

I am not an artist. I am someone who is really grateful for all the beautiful things I’ve experienced here in Germany, and I just want to give something back: “Geben und nehmen.“ (Give and take.) Armin Paul, the organizer of the Berlin Art Tower Fair, paralleled my project to Joseph Beuys’ “Everybody is an artist”, saying: “Everybody is a carpenter.” This is a very interesting point of view.

How does your background in architecture influence your design work?

Berliner Hocker _ Plans

Obviously Bauhaus inspired my Hartz IV furniture project a lot. Isn’t it a pity that a lot of Bauhaus classic pieces like chairs are unaffordable to the people? Offering construction plans for Bauhaus inspired furniture for free is the idea behind Hartz IV furniture.

“Do it yourself” is getting more and more popular. Why, do you think, is it appealing to so many people to build their own furniture?

People, in the western industrialized world in particular, are getting more and more globalized and digitalized via Skype, Google, Facebook and so on. But this also means that we lose more and more our relationship to our body. When did you write more than two pages with a pen the last time? I think people nowadays long for more handmade experience.

Additionally, in Germany, there is still a lack of answers concerning German identity. By celebrating German design or German movements such as Bauhaus we can refer to a somehow German tradition without getting in conflict with the Nazi past. Sitting on a Bauhaus inspired chair, self-made, gives you a conscious and safe feeling about German identity.

You often mention that you are really grateful for all the beautiful things you’ve experienced here in Germany, which is thus reflected in you works. How much does your Asian origin influence your work as an architect or carpenter?

First of all, I come from a poor workers family, non-academics. This, of course, made me think a lot about quality of life. My parents used to have a wall paper at home showing fake wood, just to pretend a little luxury at home. Poor people often long for a higher status. Concerning life style and interior living, which means, poor people don’t want to see their lack of money and happiness when choosing furniture. Bauhaus objects, which are very reduced but at the same time with high attention to detail, offers a lot of opportunities to design your home with little money – because less

Making of ... 24€ Chair

is more. I think the real luxury is to have time, space and freedom to choose.

Do you by any chance recognise cross-roads of these “western” and “non-western” identities you both encompass in your works or your person?

My father is Chinese and he doesn’t understand the hype with my Hartz IV furniture at all. Of course, I try to find parallels between European and Asian design. And there are more bridges than we think. The Ming throne for example for the kings and emperors of China inspired Danish architect Hans Wegener a lot when he created his masterpiece: The Y Chair. Wegener’s chairs became known worldwide after John F. Kennedy sat in one of them in a TV Show. German architect Bruno Taut was a big fan of Indian sacral architecture. With his books and essays he created a strong exchange between European and Asian – Japanese in particular – design.
Have a look at the German saw – big and based on push stroke – and compare it to a Japanese saw – light and based on pull stroke: you can see the difference between the western and eastern way to saw. This is fascinating. The tools themselves give you answers about cultural characteristics.

Le Van Bo, thanks for the interview!

]]> http://www.deconarch.com/bauhaus-meets-hartz-iv-furniture-or-why-do-architects-make-furniture-le-van-bo-talks-about-his-do-it-yourself-furniture/feed/ 2 http://www.deconarch.com/das-streichen-einer-wand-ist-also-die-egoistische-zerstorung-von-lebensraum-und-information-interview-mit-stefan-hoenerloh/ http://www.deconarch.com/das-streichen-einer-wand-ist-also-die-egoistische-zerstorung-von-lebensraum-und-information-interview-mit-stefan-hoenerloh/#comments Thu, 22 Apr 2010 08:29:45 +0000 Simone http://www.deconarch.com/?p=4233 Der Berliner Künstler Stefan Hoenerloh zeigt in seinen Gemälden Stadtansichten, die wie urbane Momentaufnahmen scheinen, welche auf einem Spaziergang durch eine Altstadt begegnen könnten – und die doch rein fiktional sind. Zu sehen sind keine Veduten, sondern menschenleere Ausschnitte urbaner Architektur: Monumentale Großbauten werden in Ausschnitten gezeigt, meist in Untersicht mit stürzenden Linien, wie man sie vor Ort erlebt. Hoenerloh bringt sie in einer altmeisterlich perfekten Technik vielschichtig lasierend auf den Bildträger.

Dennoch handelt es sich nicht um reale Bauten, die etwa von einer Fotografie abgemalt oder vor Ort mit dem Pinsel anstelle der Kamera “aufgenommen” wurden. Hoenerlohs Motive sind reine Fiktion. Als typische Stadtarchitektur, wie sie überalle begegnen könnte,  verkörpern sie die Idee der “alten gebauten Stadt”. Denn zu sehen sind “alte” urbane Gebäude, wie sie in den alten Stadtkernen europäischer Städte begegnen. Die Gemälde sind in Grau-Tönen gehalten, dunkel, trübe, verwaschen. Die Gebäude haben Patina, deutlich nagt der Zahn der Zeit an ihnen.

Auch kunsthistorische Stilgeschichte zeigen die Gemälde nicht: Es wird nicht nur darauf verzichtet, Realarchitektur zu porträtieren, sondern auch darauf, reale Stile zu zeigen. Aus dieser zweifachen Fiktionalität gewinnen Hoenerlohs Arbeiten ihre Ausdruckskraft.

In einem Interview mit deconarch.com gibt Stefan Hoenerloh Einblicke in seine Kunst, schildert, welche besondere Faszination die Architektur für ihn hat, und verrät, warum er keine modernen Bauten malt.

Abb.:  © Stefan Hoenerloh

INTERVIEW

deconarch.com: Herr Hoenerloh, wie haben Sie zur Kunst gefunden? Welche Möglichkeiten eröffnet sie?

Stefan Hoenerloh: Man beginnt als Künstler seine Tätigkeit, ohne zu wissen, dass man Künstler wird. Das stellt sich erst später heraus. Anfangs gibt es einen unbändigen Wunsch, bestimmte Vorstellungen umzusetzen, und erst nach einigen Jahren Tätigkeit merkt man, dass man einen bestimmten Beruf hat, der bestimmte gesellschaftlich verankerte Normen zu erfüllen hat und einigen typischen Mechanismen unterworfen ist. Dies gilt aber nur für Künstler der Postmoderne, also ausgebildet bis etwa 1985; die Generationen danach haben andere Herangehensweisen und bemerken die Existenz dieser Normierung und Mechanismen wesentlich früher, teilweise im Studium bereits, und reagieren entsprechend. Der nachpostmoderne Künstler beabsichtigt zunächst, Künstler zu werden, und sucht sich dann sein Arbeitsfeld, während hingegen der postmoderne Künstler sein Arbeitsfeld quasi in die Wiege gelegt bekommt.

Die Frage der Authentizität stellt sich bei ersterem natürlich neu, da nach dem Ende der Grenzerfahrungen (mit der letzten noch ursprünglichen Kunstrichtung der Land Art 1979 dann abgeschlossen) nur noch Kunstrichtungen erschienen, welche eine Retroausrichtung beinhalten, also bereits Dagewesenes neu interpretieren (bestes Beispiel heutzutage: die Appropriation Art). Eine Kreativität im Sinne von Kreation (Neuschöpfung) ist heutzutage nicht mehr möglich, da alles ausnahmslos schon vorhanden gewesen ist. Künstler wie Schwarzkogler oder Duchamp vernichteten sozusagen jegliche Weiterentwicklungsmöglichkeit. Auch Mark Quinn mit „Shithead” ist nur ein Remake von „merde d’artista” von Piero Manzoni. Auch Tracy Emins ungemachtes Bett ist nur ein Remake von Eugene Delacroix „Un Lit Defait” von 1827.

Wo stehen Sie in dieser komplexen (post-)postmodernen Situation?

Als Künstler, der 1960 geboren ist, stehe ich genau an der Grenzlinie dieser beiden Zeitabschnitte. Ein Teil wollte eigentlich nur bestimmte psychologische Themen verarbeiten, ein Teil war sich dessen bewusst, dass dies in einen Beruf mündet, den man auch dazu verwenden kann, nach außen zu treten – also auszustellen und zu verkaufen. Diese unheilige Verquickung bedroht dann ständig die eigentliche Herangehensweise an Kunst, eröffnet aber die Möglichkeit weiterzumachen, da man sich die Farben weiter leisten kann. Damien Hirst leistet sich sehr teure Farben, wie man weiß.

Auf den Kunstmarkt werden wir gleich noch einmal zurückkommen. Ein besonderer Schwerpunkt Ihres Werks liegt auf der Architektur bzw. dem Zeigen von architektonischen Räumen. Wie kam und kommt es dazu? Was beschäftigt Sie besonders in Ihren Arbeiten?

Dies ist eine der schwer zu erklärenden Fragen, da sie aus dem jugendlichen unartikulierten Bedürfnis erwuchs. Architektur ist eine vom Menschen geschaffene langfristige Raumsituation, welche gut dazu geeignet ist, Zeit, Informationstheorie und Negativraum gleichzeitig darzustellen. Da Bauwerke länger als Menschen existieren, heben sie sich über deren Wichtigkeit primär hinweg. Das ist günstig, um nicht in den Chor der anderen Menschenaffen einzustimmen, welche sich immer nur einen Spiegel vorhalten. Viele Kunstwerke zeigen nur menschliche Gesichter, als ob dies alles wäre, was im Universum wichtig ist.

Ihre Gemälde zeigen menschenleere Stadtansichten, verwittert, sie scheinen realistisch möglich und sind doch rein fiktional. Wie stellen sie die Fragen nach der Zeitlichkeit, dem Vermitteln von Informationen und dem Negativraum, um die Ihre Arbeiten kreisen?

Die Zeitfrage ist dadurch dargestellt, dass Gebäude übereinander gestellt sind, ohne dass sich ihr Baustil ändert. Dies zeigt eine Metapher für eine fortschrittslose Gesellschaft, in welcher das menschliche Gehirn Zeit hat, sich evolutionär den neuen Entwicklungen anzupassen; ergo eine sehr langsam vergehende, begreifbare Zeit.

Die entstandene Information komplexer patinierter verwitterter Oberflächen ist ein Symbol für eine Gesellschaft, die wahrscheinlich durch die höhere Quantität an Information die höherstehende ist. Die Bibliothek von Athen hatte gewiss weniger Bände als die British Library, genauso hat eine schmutzige Wandfläche tausendfach mehr Information als eine frisch gestrichene. Besonders für Kleinlebewesen ist die verwitterte Wand ein Sammelsurium an Versteckmöglichkeiten, komplex wie ein Tropenwald.

Das Streichen einer Wand ist also die egoistische Zerstörung von Lebensraum und Information.

Und der dritte Aspekt, der Negativraum …

Dann noch der Negativraum: Er bietet das Bühnenbild für Handlung, welche vom Betrachter imaginiert werden soll, das Kunstwerk entsteht sozusagen im Kopf des Betrachters. Dadurch wird das Kunstwerk interaktiv. Es ist nur die Weiterführung von Caspar David Friedrichs und Bellottos Räumen, welche noch nicht auf den Menschen als Referenzpunkt verzichtet haben. Dieses Bühnenbild kann ein Canyon sein, eine Straße oder ein Waldweg. Der Inhalt ist der gleiche, aber die natürlichen Dinge entbehren hier ein wenig der Kausalität, da sie ihren Sinn in sich selbst tragen und die Informationstheorie sowie die Zeitfrage bei ihnen keine Rolle spielt.

In ihren Arbeiten konzentrieren Sie sich ausschließlich auf „alte“ Bauten. Warum keine modernen Gebäude?

Bei modernen Bauten findet man weder proportionierte Schönheit, noch gibt es eine patinierte Wand, welche durch ihren Komplexitätsgrad eine Allegorie zu Baumrinde, Holzboden oder Felswänden darstellt, sondern nur Oberflächen und Formen, welche eine möglichst weite Entfernung zu jeder Natürlichkeit zurückgelegt haben. Die Ängste der Menschen vor der Natur (und dem Tod) hat hier eine neue Dimension gewonnen. Die 3 Väter des Internationalen Stils (Le Corbusier, Mies v. d. Rohe und W. Gropius) haben einen Stil geschaffen, welcher zusätzlich eine extreme Ökonomie am Bau zuließ und sich damit komplett weltweit ausgebreitet hat. Diese Ökonomie (das Gegenteil von Kultur) lässt sich nun nicht wieder wegzaubern, die Gründe dazu sind in Tom Wolfes Buch „Mit dem Bauhaus leben” genauestens und verständlich dargelegt. Die Macht der Verbünde und Seilschaften an den Universitäten lässt anderes Bauen gar nicht erst zu, da es abgewertet wird. Nach dem Studium dieses Buches versteht man, warum große Teile der Architektur seit 1918 aufgehört haben zu existieren.

Wenn eine Klasse einen Kurs mit Aktzeichnen hat, dann arbeiten sie nach einem menschlichen Modell. Sie würden wohl kaum, wie es in der Architektur seit 1918 der Fall ist, stattdessen eine Schaufensterpuppe porträtieren.

Wie finden Sie Ihre Themen und Motive?

Die Themen und Motive zu finden ist eine andere, schwierigere Aufgabe. Ein Situation wird zunächst schemenhaft skizziert, da die schemenhaften Bilder sich selbst formen. Dann wird Haus für Haus soweit hin und her geschoben in einem virtuellen Grundriss, dass der Blickwinkel interessant ist.

Manchmal wird auch eine Situation aus einem Canyon nachgestellt, mit Hauswänden verdeutlicht.

Das Motiv des Canyons, der „canyon-haften“ Häuserschlucht, wird besonders deutlich auch in der Gegenüberstellung zu Fotografien von Natascha Wilms, die amerikanische Canyons porträtiert. Arbeiten Sie zusammen?

Die Canyons sind prinzipiell eine ähnliche Situation: eine Darstellung der Zeit, nur in umgekehrter Reihenfolge, von oben nach unten. Städte wachsen andersherum. Beiden ist gemeinsam, dass der Negativraum die sichtbaren Flächen erst ermöglicht und verstärkt, je steiler die Wand ist. Architektur und Canyon sind Gebilde, die der Entropie entgegengerichtet sind und gegen sie kämpfen.
Damit kämpfen sie gegen den Tod, die Canyons dabei sehr erfolgreich, da sie schon sehr alt sind. Ich lasse mich von den Fotografien von Natascha Wilms auf neue städtebauliche Ideen bringen, man kann Flussläufe in Grundrisse umsetzen.

Ihre Arbeiten spielen auch mit der Seherwartung der Betrachter – „Hier bin ich schon mal gewesen!“ – und sind dennoch nicht „real“ existent. Malerei bietet andere Möglichkeiten als die „realistische“ Fotografie. Warum Malerei?

Wenn es die Möglichkeit gäbe, diese Bilder zu fotografieren, dann würde ich das tun. Da es die Gebäude aber nicht gibt, muss ich sie malen, dies aber nur ungern. Malerei ist eine hilflose Krücke mit der man nur einen Teil der eigenen Ideen verwirklichen kann. Aber das Ganze tatsächlich bauen, steht auf einem anderen Blatt.

Jede Situation muss genau auf der Grenzlinie zwischen Fiktion und Erinnerung balancieren, da nur dann jegliches Schubladendenken unterlaufen wird. Geht man zu weit und baut 5 Brücken übereinander, dann ist es unrealistisch und fordert keine Auseinandersetzung, da man sich mit Träumen nicht auseinandersetzen muss. Aber wenn zu wenig Brücken und Ebenen da sind, dann wirkt es wie eine Vedute; dann startet der Beunruhigungsprozess nicht.

Wer und/oder was beeinflusst Ihre Arbeit? Gibt es Vorbilder?

Vorbilder ohne Ende, mein Kunstgeschichtestudium war recht lang. Das erste Vorbild war Max Ernst und ein wenig MC Escher, aber heute haben sich die Vorbilder verschoben. Monokausale Übereinstimmungen sind nicht mehr zu finden, sondern die Vorbilder liegen grundsätzlich  in einer Mehrschichtigkeit, welche immer auf einer primären (sichtbaren) und sekundären (konzeptuellen) Ebene ein Kunstwerk erfahrbar macht. Demnach Mark Tansey, Christoph Steinmeyer, Desiree Dolron, Rosson Crow, Dirk Skreber, Glenn Brown, Anselm Kiefer, Rebecca Horn und Mathias Weischer.

Welche Ziele verfolgen Sie mit Ihren Arbeiten?

Das frühere Ziel war es, mit einem didaktischen Ansatz eine Herkulesarbeit zu versuchen, da man diese Welt aber nicht auch nur einen Millimeter verändern kann, ist es mein jetziges Ziel möglichst viele Bilder mit irritierenden Namen zu malen wie: Udo Kittelmanns Breakfast, Larry Gagosians Daughter oder Greetings to Saatchi.

Das ist in der Tat irritierend und eröffnet kritische „Seitenblicke“ auf den aktuellen Kunstbetrieb. Was ist Ihrer Meinung nach charakteristisch für Ihre Arbeiten?

Mehrschichtigkeit ist ausschlaggebend, das heißt, dass eine primäre Ebene den Zugang zum Werk eröffnet und die im Kunstbetrieb übliche Hermetik, das elitäre Ausschlussdenken unterminiert. Der künstlerische Elfenbeinturm entspricht ja nicht mehr der ursprünglichen Aufgabe der Kunst „The true artist helps the world by revealing mystic truth” (Bruce Naumann), sondern ist inzwischen völlig zweckfreiem ökonomischen Denken untergeordnet; Kunst ist ja nur noch Geldanlage und hat  damit ihren kulturellen Anspruch völlig verloren. Kunstsammeln ist heute gesellschaftlich so wichtig wie Briefmarken sammeln. Es sollte aber nicht der Sinn der Kunstakademien sein, hochbegabte Ökonomen zu erzeugen, die zuerst ans Geld denken, bevor sie sich einen Pinsel kaufen und später mühsam erkennen müssen, dass es zu viele von ihnen gibt, so dass die Relevanz des einzelnen Kunstwerks gegen null geht (siehe: Kursbuch 122/1995 Daghild Bartels: „Kunstdämmerung”: Wenn es nicht Venedig gewesen wäre, dann wäre ja keiner mehr hingegangen… Siehe auch Wirtschaftswoche 30.9.2007 von Gary Hill: „Man sieht kaum mehr Kunst von Künstlern, sondern Strategie von Strategen”).

Zweiter Aspekt: Antagonistenpaare, welche Spannung aufbauen. Homogene und heterogene Flächen; Architekturplanung und Abbau durch die Natur;  Bewegung durch Perspektive und trotzdem in sich ruhende Architekturlinie; unschönes Geordnetes und schönes Ungeordnetes; logische, die Kraft aufzeigende Elemente gemischt mit manieristischen ornamentalen Verbrechen, so dass keine strukturierende Logik das Gesamtsystem zu schnell erfassbar macht, so dass ein Rest Irrationalität stets bleibt.

Und zum Abschluss eine allgemeine Frage: Welche Bedeutung hat Architektur und überhaupt die gebaute Umwelt für uns?

Hierzu empfehle ich den Film „Why Beauty Matters“ von Roger Scruton, der zwar eine einseitig gefärbte Weltsicht des Verlustes bestimmter gesellschaftlicher Werte beschreibt, aber dennoch auch für eine Zeit, die ständig auf Wachstum aufgebaut sein will, einen warnenden Rufer darstellt. Wachstum, also Fortschritt hat eine Kehrseite der Medaille: Der Fortschritt schreitet fort von dem Ort der möglicherweise einmal als gut befunden wurde. Fort heißt, unumkehrbar, ohne Zurück, also mit Verlust behaftet. Dieser Verlust sollte vermieden werden, sonst ist unsere Zivilisation keine bessere, sondern nur eine andere.

Ein Wachstumsbeschleunigungsprogramm ist also genau das, was wir nicht brauchen, es beschleunigt den Zerfall der Welt. Architektur ist heute nur noch ökonomisch orientiert und verwandelt sich binnen sehr kurzer Zeit in hässlichen Schrott; hingegen würde eine Architektur, die den Alterungsprozess einberechnet, womöglich im Laufe der Jahrhunderte interessanter. Einfach ist diese Aufgabe nicht, was das Dorf Poundbury beweist, welches von Prince Charles erbaut wurde:

Zwar wurden nur traditionelle Materialien und Formen verwendet, aber er vergaß den Schmutz und so mutierte das Dorf zu einer angepassten Rentnerstadt mit extremer Freiheitseinschränkung. Dass die Architektur für den Menschen einen Großteil seines positiven Lebensgefühls ausmachen kann, beweisen die intakten Altbauquartiere deutscher Städte in denen der Zufriedenheitsindex höher liegt als in Trabantenstädten. Wir werden sehen, ob Beijing damit klarkommt, alle Hutong-Altbaubestände flächendeckend abgerissen zu haben. Diese extreme Entwurzelung wird unzufriedene Menschen hervorrufen. Die Krise durch überschnelles Wachstum ist vorprogrammiert.

Stefan Hoenerloh, herzlichen Dank für das ausführliche Interview!

From February 24th on, the Haus der Gegenwart Munich, an experimental residential house,  presents photographs by Gordon Watkinson. Watkinson has portrayed the buildings of Bauhaus architects and contrasts them with contemporary houses of similar types.

© Gordon Watkinson

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BAUHAUS ZWANZIG-21
Fotografien von Gordon Watkinson im Haus der Gegenwart
24. Februar bis 14. März 2010
Haus der Gegenwart, München

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PR-Text: “Bauwerke von Architekten wie Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Hannes Meyer, Georg Muche und Richard Paulick fest. Watkinson verzichtet in seiner Fotografie bewusst auf unwichtige Elemente, um sich stets auf das Wesentliche zu konzentrieren und hält auf diese Weise die zeitlose Formsprache der modernen Architektur fest. In „Bauhaus zwanzig-21“ stellt er die charakteristischsten Gebäude aus dieser Zeit gegenwärtigen, typologisch ähnlichen Bauten gegenüber. Zu den Architekten der Gegenwart, deren Bauwerke in der Ausstellung zu sehen sind, zählen Allmann Sattler Wappner, Rolf Disch, Fink+Jocher, Ingvartsen, Graham Phillips, RCR Arquitectes, Werner Sobek und Wingårdhs.

Die Fotografien, die die Ästhetik der Neuen Sachlichkeit und des Funktionalismus vor Augen führen, werden
durch Reeditionen von Bauhaus-Möbeln ergänzt. In den 1920er und 1930er Jahren entworfen, werden sie noch heute von Firmen wie Knoll, Tecnolumen und Thonet produziert.”

Haus der Gegenwart München

Das Haus der Gegenwart ist ein vom SZ-Magazin initiiertes, experimentelles Wohngebäude, das sich als Labor des Alltags für den Diskurs gesellschaftlicher Fragen aus den Bereichen Architektur, Design und Wohnen versteht und sich bei Architekten, Designern, aber auch der designinteressierten Öffentlichkeit als offenes Forum für Ausstellungen, Workshops und Podiumsdiskussionen etabliert hat.

Infos + Abb. Haus der Gegenwart München

2 exhibits in Stuttgart, South Germany, present photographs focusing on the said region – Sabine Wild is digitally alienating and dynamizing buildings in Stuttgart, Christoph von Haussen and Rolf Linnemann are tracing unnoticed “Magic Places” in Schwäbische Alb (Swabian mountains) -, while in Ingolstadt, Dirk Brömmel is seeking for traces of the inhabitants of the classically modern Villa Tugendhat by Mies van der Rohe.

Sabine Wild: Porsche Museum, 2009, Lambdaprint/Acrylglas, 60 x 120, Auflage 3 © S. Wild

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SABINE WILD – STUTTGART

30. Januar – 27. März

Dengler und Dengler
Galerie für Schöne Künste
www.denglerunddengler.de

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PR-Text: „Seit einigen Jahren entstehen im Berliner Atelier von Sabine Wild Arbeiten, die stets irritierend zwischen Malerei und Photographie changieren. Durch digitale Nachbearbeitung ihrer Architekturphotographien gelingt es Sabine Wild, deren strukturelle Klarheit mit dem verwischenden und verunklärenden Eindruck spontaner, pastoser Malerei zu überlagern. Die meist menschenleeren Räume sind oft von einem Rauschen durchdrungen, von einem kollektiven Leben durchpulst, in dem sich das Individuum aufgelöst hat. So gelingt Sabine Wild in der Tradition des Expressionismus ein zeitgemäßes Bild urbaner Geschwindigkeit.

Sabine Wild: Hauptbahnhof Stuttgart III, 2009, Lamdaprint/Acrylglas, 107 x 160, Auflage 3 © S. Wild

Durch die Bearbeitung reduziert Sabine Wild die Erkennbarkeit ihrer Motive. Sie bricht deren architektonische Strukturen auf und überträgt sie in eine malerische Formensprache. Offenbar ist die Reproduktion von Architektur nicht ihr Interesse. Sie exemplifiziert am Einzelfall ihres Motivs etwas Allgemeines, das Bild der lebendigen Stadt, das im Prinzip auch auf andere Städte oder Gebäude übertragbar ist. Und dennoch ist es eine besondere Freude, hinter den Arbeiten bekannte Gebäude aus der alltäglichen Umgebung zu erkennen.“

Infos + Abb. Dengler und Dengler, Sabine Wild

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© Christoph von Haussen | Rolf Linnemann

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Magic Places
Christoph von Haussen | Rolf Linnemann

4. Februar – 31. März 2010

vhs-photogalerie, Stuttgart
www.vhs-photogalerie.de

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Die Künstler Christoph von Haussen und Rolf Linnemann (beide *1958)  nehmen ihr Medium beim Wort – photos + graphein – und “schreiben” mit Licht.

Aus dem PR-Text: “Auf den ersten Blick unspektakuläre Schauplätze waren das Ziel der Fotografen. Zu allen Jahreszeiten haben sie nachts menschenleeren Plätze und scheinbar vergessene Dinge auf der Schwäbischen Alb fotografiert und effektvoll in Szene gesetzt. Ihre Fotografien fangen die geheimnisvolle Atmosphäre ein, die verwaisten Orten eigen ist. Fotografiert wurde ausschließlich ohne vorhandenes Licht, nur mit künstlicher Ausleuchtung. Dabei wurde nichts inszeniert. Die Aufnahmen von rostigen Autowracks, morschen Fassaden und einsamen Landschaften erzählen Geschichten.”

Infos + Abb. vhs Galerie Stuttgart, Christoph von Haussen | Rolf Linnemann

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Dirk Brömmel V.T., Nr. 3, 2002 Lambda C-Print, Diasec/Aludibond © D. Brömmel

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Dirk Brömmel – Villa Tugendhat

30. Januar – 14. März 2010

Städtische Galerie im Theater, Ingoldstadt

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PR-Text: “Die Villa Tugendhat, von Mies van der Rohe 1929/30 für die Familie Tugendhat in Brünn errichtet, gehört zu den bedeutendsten Bauten der Moderne. Aufgrund ihres jüdischen Glaubens musste die Familie Tugendhat bereits 1938 nach der Annexion des Sudetenlandes ihr neues Haus wieder verlassen um nach Amerika zu fliehen. Eine Rückgabe der Villa Tugendhat an die Familie fand niemals statt.

Dirk Brömmel (*1968) setzt sich in seinen Arbeiten mit dieser Architekturikone nicht im Sinne klassischer Architekturfotografie auseinander, sondern verbindet auf besondere Weise die Vergangenheit des Gebäudes und der damaligen Bewohner mit der bestehenden, gegenwärtigen Situation. Ausgehend von Originalaufnahmen aus dem Fotoalbum der Familie Tugendhat begab sich Dirk Brömmel vor Ort selbst auf die Suche nach den abgebildeten Plätzen. Im Sandwich-Verfahren legt er schließlich alte Fotografien über seine aktuellen und erschafft so faszinierende, mit der Wirklichkeit und der Zeit spielende Dokumente.”

Infos + Abb. MKK Ingolstadt, Dirk Brömmel

Ben Willikens

Licht und Dunkel

25.7.- 4.10.2009

In der Stuttgarter Sonderausstellung werden Arbeiten aus den späten 1970er Jahren neuere Werke aus den 1990er Jahren gegenübergestellt.

The Kunstmuseum Stuttgart showed works of Ben Willikens (*1939), who became known for his severely composed, deserted rooms, painted in grey tones in the 1970s. These series culminated in the “Gegenräume” (Opposite/Opposing Rooms) of the late 1970s in which Willikens intensively worked on da Vinci’s famous “Last Supper”. A younger series emerged in the 1990s: “Orte” (Places). Now the artist portrayed real buildings from in- and outside, the buildings being reminiscent of the German fascist regime of the 1930s.

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Ben Willikens: Abendmahl 1976-79

Schlagartig bekannt wurde Willikens in den 1970er Jahren mit streng perspektivisch konstruierten Raumausschnitten aus Krankenhäusern, in denen er die Erfahrungen eines längeren Klinikaufenthalts verarbeitete. Seine neutralen Klinikinterieurs – Gänge etwa und Krankenzimmer ohne Figurenpersonal – wirken beklemmend und kalt. Eine Wirkung, die durch den Einsatz einer Sprühpistole verstärkt wird: Der Farbauftrag wird „perfekt“, der manuelle Farbauftrag und die Hand des Künstlers sind nicht mehr unterscheidbar; die Wirkung der Bilder wird auch dadurch weitgehend anonymisiert. Dies kann – auch – als Hinweis auf eine zunehmende Neutralisierung und Isolierung des Einzelnen in der Massengesellschaft verstanden werden.

Diese Werkreihen kulminieren in den „Gegenräumen“ der späten 1970er Jahre: Über mehrere Jahre hat sich Willikens intensiv mit Leonardo da Vincis Abendmahl in Mailand auseinandergesetzt. Zahlreiche Studien und Gemälde entstanden. In ihnen ist die biblische Szene reduziert auf die räumliche Situation, Jünger und Christusfigur werden nicht gezeigt, auch andere erzählerische Elemente fehlen. Das kunsthistorische Vorbild wird verdichtet auf eine Licht-Raum-Architektur. Dabei zeigt es sich jedoch so prägnant, dass Betrachter, – sofern er mit dem Original vertraut ist -, es trotz der reduzierten und konzentrierten Darstellung doch sofort als die bekannte Abendmahlsszene erkennt. Das kunsthistorische Vorbild wird verdichtet und für den zeitgenössischen Kontext geöffnet.

Neben zahlreichen verschiedenformatigen Entwürfen entstand 1979 ein monumentales Tafelbild, das sich im Besitz des DAM Frankfurt befindet und in Stuttgart nach fast 30 Jahren erstmals wieder gezeigt wurde.

Ben Willikens: Nürnberg, Zeppelinfeld 1996

Diesen Arbeiten stellte das Kunstmuseum Stuttgart die Reihe „Orte“ gegenüber: Zehn Leinwände und 15 Gouachen, entstanden 1996 bis 1999, die hier vollständig zu sehen waren. In diesen Bildern hat Willikens erstmals den Innenraum verlassen und reale Bauten auch von außen porträtiert. Motive sind Bauwerke aus den 1930er Jahren, in denen den Allmachtsfantasien der Nazis Gestalt verliehen wurde: Darunter etwa das Zeppelinfeld in Nürnberg oder die Reichskanzlei in Berlin. Auch diese Bauten zeigt Willikens ohne Personal und ohne Dekoration/Machtinsignien. Reduziert auf Raumstrukuren und in einer lichtabsorbierenden Grauskala gemalt, ist das Zentrum hier dunkel – war es bei den Gegenräumen helles Weiß, das die Mitte des “Abendmahlsraums” bestimmt, so wird die Mitte der “Orte” von dunklem Schwarz/Grautönen eingenommen. Dies lässt sich lesen als Verweis auf das faschistische Regimes, das diese Bauten errichten ließ.

Diese Serie wurde von der »Daimler Kunst Sammlung« für das Kunstmuseum Stuttgart erworben und diesem als Dauerleihgabe zur Verfügung gestellt.

Ben Willikens: Berlin, Reichskanzlei I

Die dritte Gruppe in der kleinen Schau in Stuttgart waren die „Räume der Moderne“, in denen sich Willikens mit den bekannten architekotnsichen Srukturen der klassischen Moderne des 20. Jahrhunderts auseinandersetzt. Ähnlich dargestellt wie die “Orte” bilden sie einen inhaltlichen Gegenpol zu dieser Werkgruppe, galten die Bauten von Mies van der Rohe, Walter Gropius und Alfred Loos unter den Nationalsozialisten als entartet.

Informations + Illustrations:

Kunstmuseum Stuttgart und Ben Willikens

It strives to create a ‘cloud-cuckoo-land,’ a space between the two spheres, in the field of meditative architectural theory, with practice, a flat reality can also come to converge with creative ideas. A space where thinking applies to action, construction applies to living, work applies to process and art applies to everyday life.

The present 2nd edition is:

On the Interpretation of Architecture

Applied Interpretation

Available in German, English, Russian.

‘Author’ – ‘Work’ – ‘Recipient’ and the relationship of those three entities in the context of the daily routine and in the space of time are topics being touched by each theory of interpretation that thereby develops its specific matrix.

The underlying second issue concerning the interpretation of architecture illustrates a specific approach for each individual work.

All essays can be read and downloaded for free.

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Essays included:

Heidi Helmhold Deterritorialization. The Faculty of the Humanities of the University of Cologne from the Point of View of its Users

Claus Dreyer Interpretation of Architecture as a Semiotic Programme – On Gregor Schneider’s Cube in Hamburg 2007

Andrzej Piotrowski Building as Unselfconscious Representation

Sven Martensen & Anne Gelderblom Writing Choreographies into Space

Sokratis Georgiadis Korai and Antefixes – Metamorphoses of the Human Figure in Greek Architecture and their Interpretation

Henrik Hilbig „Approaches of a New Architectural Style…“ Interpretation between Meaning and Action by the Example of Anthroposophical Architects from 1925 to 1939

Ulrike Seeger Architecture of Relationships and Interconnections – A New Approach Exemplified by the Central Railway Station in Stuttgart

Sabine Brinitzer About the Complexity of Interpreting “Organic Architecture”

Alban Janson “Presenting and Withdrawing” The Villa Müller in Prague by the Architect Adolf Loos

Christine Neuhoff The Villa Tugendhat by Mies van der Rohe. Canon und Autobiography

Ulrike Sturm ‘Against Interpretation’ – Re-Visiting the Bauhaus Building at Dessau

Lukas Zurfluh The ‘Flowing Space’ of the Barcelona Pavilion – A Metamorphosis of Interpretation?

Silke Langenberg Planned Design – Built Process. Architecture of the Sixties and Seventies

Matthias Korn A Modest Proposal for Getting to Know Architecture: Destruction. Gordon Matta-Clark’s Building Cuts

Zeuler R. Lima The Reverse of the Reverse: Another Modernism according to Lina Bo Bardi

Christine Neuhoff The Myth of Vals

Jan Pieper Critical Approach of the Architecture’s Periphery

Jörn Köppler Interpretation and the Aesthetic Experience, Discussed at the Example of the Embassy of the Netherlands in Berlin by OMA / Rem Koolhaas

Ryszard Sliwka Sublime Phenomena: Notes on the Architecture of the Horizon

Ryszard Sliwka Genetic Architecture

Anna M. Eifert-Körnig The Block Beuys – A Traditional Occurrence as Interpretation of Architecture

Katharina Lehmann The Constructed Room with its Effect on Reception and Experience of Perception

Fred Truniger The Accumulation of Images – A Cinematic Interpretation of the Landscape of England

Abbildung SK

Le Corbusier/Jeanneret: Doppelhaus | Weissenhofmuseum

The Museum about the history of the renowned Weissenhofsiedlung (1927) in Stuttgart/Germany opened in October 2006. The small, but excellent museum is situated in on of the best known houses: the semi-detachted house by Le Corbusier and Pierre Jeanneret. The left half of the building provides an exhibition about the history of the settlement, the right half is reconstructed in the shape the architects designed in 1927. Thus it is the first house being accesible to the public since the exhibi in 1927 (the others being inhabited or destroyed). Together with a stroll through the Siedlung the Weissenhof provides a first hand experience of modern architecture: the list of the participating architects reads like a “Who’s who” of modernism.

((This article has been published online already, yet is now offline due to system changes of the website. I wrote it some time ago after a visit to Stuttgart.))

Le Corbusier/Jeanneret: Doppelhaus | Weissenhofmuseum

Während in der linken Haushälfte eine Ausstellung über die Geschichte der Architektursiedlung informiert, wurde die rechte Doppelhaushälfte in vier jähriger Renovierungsarbeit so rekonstruiert, wie sie die Architekten 1927 entworfen hatten. Damit ist erstmals seit 1927 wieder ein Gebäude der Weissenhofsiedlung der Öffentlichkeit dauerhaft zugänglich.

Die Weissenhofsiedlung

Die Weissenhofsiedlung, eines der wichtigsten Zeugnisse der modernen Architektur, entstand 1927 im Rahmen einer Ausstellung des Deutschen Werkbundes. Unter dem Thema „Die Wohnung“ wurden 17 Architekten des Neuen Bauens eingeladen, Modellbauten für den „modernen Großstadtmenschen“ zu entwerfen.

Die Teilnehmerliste der Werkbund-Ausstellung liest sich heute wie ein „Who’s Who“ der modernen Architektur des 20. Jahrhunderts. Unter der Leitung von Mies van der Rohe haben neben Le Corbusier und Pierre Jeanneret unter anderem auch Walter Gropius, Ludwig Hilberseimer, Hans Scharoun, J.J.P. Oud, Bruno und Max Taut Häuser auf dem Stuttgarter Killesberg gebaut. Entstanden sind Prototypen aus richtungsweisenden neuen Materialien und Methoden für die moderne Verbindung von Ästhetik und Funktionalität.

Le Corbusier/Jeanneret: Doppelhaus | Weissenhofmuseum

Bei den Zeitgenossen erregte die Weissenhofsiedlung außerordentliche Aufmerksamkeit. Praktisch erfolgreich allerdings waren nicht alle Häuser – nach dem Ende der Ausstellung sollten die Bauten vermietet werden: Für das innovative Doppelhaus von Le Corbusier etwa, in dem heute das Museum untergebracht ist, fanden sich erst nach längerer Suche Bewohner, die darüber hinaus die Inneneinteilung des Hauses grundlegend umgestalteten.

Im Zweiten Weltkrieg wurden viele Gebäude der Weissenhofsiedlung zerstört, weitere nach Kriegsende abgerissen oder in konventioneller Bauweise umgebaut. Von den 33 modernen Bauten sind heute noch 11 Häuser original erhalten. Die Siedlung steht seit 1958 unter Denkmalschutz. Bis auf das Doppelhaus von Le Corbusier/Jeanneret sind alle Gebäude heute bewohnt und daher nicht öffentlich zugänglich.

Eine virtuelle Tour durch die Weissenhofsiedlung gibt es hier.

Blick aus dem Weissenhofmuseum / vom Killesberg auf Stuttgart

Das Weissenhofmuseum

Im Weissenhofmuseum

Einen Überblick über die Geschichte der Weissenhofsiedlung von 1927, ihre Entstehungsgeschichte, den Ausstellungsverlauf sowie ihr Schicksal danach bis heute, vermittelt das Informationszentrum des neuen Museums. Mit Hilfe von Schauwänden, zahlreichen Modellen und beweglichen Info-Schubladen nutzt die Ausstellung die verhältnismäßig kleine Schaufläche in der linken Doppelhaushälfte des Le Corbusier/Jeanneret-Gebäudes gewinnbringend – letztendlich handelt es sich um eine 3-Zimmer-Küche-Bad-Wohnung.

Trennung zwischen den beiden Doppelhaushälften

Glasstellwände und Markierungen auf dem Boden deuten die ursprüngliche Raumeinteilung an ohne dabei die Veränderungen, die seit den 1930er Jahren durchgeführt wurden, rückgängig zu machen.

Im Weissenhofmuseum

Die originale Raumgestaltung der Architekten kann dagegen in der rechten Haushälfte erlebt werden, die über die Dachterrasse erreicht wird. Hier wurden die Farbgebung und der Großteil der Einrichtung nach Le Corbusier/Jeanneret rekonstruiert. Der Besucher erhält einen Eindruck des Hauses, wie ihn auch die Besucher der Werkbundausstellung 1927 gewonnen haben.

Über eine Treppe gelangt man vom Ober-/Dachgeschoss in den ersten Stock, dem eigentlichen Wohnbereich des Gebäudes; im Erdgeschoss befinden sich Haushaltsräume und ein Dienstmädchenzimmer (! was eigentlich den sozialen Anliegen der Zeit widerspricht !), im zweiten Stock eine Büro-Nische sowie die Dachterrasse.

Le Corbusier/Jeanneret-Bau: Fünf Punkte und Maschinenästhetik (Zug)

Dachgarten Weissenhofmuseum

Das Gebäude ist gemäß der Fünf Punkte Le Corbusiers gestaltet, die er für die Werkbund-Ausstellung erstmals auch schriftlich formuliert hatte: Ein Stützensystem aus Pilotis (Punkt 1) ermöglicht freie Grundriss- und Fassadengestaltung (Punkt 3+5) mit Längsfenstern (Punkt 4) und Dachgarten (Punkt 4).

Im Weissenhofmuseum

Gestalterisches Leitmotiv für das transformable Haus ist ein Zugabteil: Drei Zimmer bilden einen großen zusammenhängenden Raum, der durch bewegliche Schiebewände in kleinere Zimmer unterteilt werden kann. Ausgestattet mit Einbaumöbeln können diese Räume nach Bedarf in Schlafzimmer umgewandelt werden – ganz im Sinne des Schlafwagen eines Zuges, in dem „Wohnen“ und „Schlafen“ im gleichen Abteil geschieht, das durch wenige Handgriffe umgestaltet wird.

Verbunden werden die Räume „hinten“ durch einen schmalen Gang, der für den heutigen Besucher erstaunlich eng ist, aber ganz der Logik eines Zugwaggons entspricht: Lediglich für die nächtliche Nutzung gedacht führt er zu den sanitären Anlagen. Nach „vorne“ eröffnet sich aus dem Wohnbereich durch die durchgehenden Längsfenster ein eindrucksvoller Panoramablick über die Stadt.

Die Erfahrung der Gesamtraumwirkung des Doppelhauses sowie die kleinen Details, die nur vor Ort zu beobachten sind, lassen den Besuch im Weissenhof zu einem spannenden Erlebnis werden. So überrascht den Besucher, dass das innovative und mittlerweile weltberühmte Baukonzept Le Corbusiers und Jeannerets doch gemischte Gefühle weckt: Die Innenräume sind kleiner als von außen erwartet, der lange enge Gang und die nüchtern-kalten Einbaumöbel wirken wenig wohnlich. Zugleich wirken jedoch die langen Fensterbänder und der Dachgarten auch heute noch erstaunlich modern und fortschrittlich.

Rundgang durch die Weissenhofsiedlung heute

Reihenhaus von J. J. P. Oud | Eingangsfront, heute Rückseite

Unbedingt anschließen sollte man nach dem Besuch im Weissenhofmuseum einen Rundgang durch die Siedlung selbst.

Auch hier gilt: Das Erlebnis des Gesamtensembles vor Ort lässt sich von keiner noch so detaillierten Beschreibung ersetzen. Interessant zu beobachten ist, wie die elf noch erhaltenen Werkbund-Häuser im Laufe der Zeit den Bedürfnissen ihrer Bewohner angepasst worden sind.

Reihenhaus von J. J. P. Oud | Rückfront, heute Eingang

Der Eingang von Ouds Reihenhäuser etwa wurde nach „hinten“ an die Straße verlegt, während van der Rohes Wohnblock durch zusätzliche Isolierung „dicker“ geworden ist – deutlich sichtbar an den verkürzten Fenstergittern. Gerade der Mies-Bau wurde stark verändert und ist zu einem am besten angenommenen Häuser der Siedlung geworden. Leichte Ironie der Zeit: Die teilweise enormen Eingriffe in die Bausubstanz sind für den Architekturhistoriker ein Graus, während sie die Absicht des Architekten, einen Nutzbau zu schaffen, der von seinen Bewohnern nach ihren Wünschen mitgestaltet werden kann, bestens erfüllen.

Wohnblock von Mies van der Rohe

Le Corbusier/Jeanneret: Einfamilienhaus "Haus Citrohan", neben Doppelhaus

Ein weiteres (Einfamilien-)Haus von Le Corbusier und Jeanneret neben dem Doppelhaus ist übrigens die erste Realisierung des sogenannten Haus Citrohan, der Prototyp für Le Corbusiers Wohnmaschinen.

Bemerkenswert ist auch der Kontrast, wo moderne Bauten zwischen später errichteten Häusern stehen und sich die Reaktionen der Bewohner auf die innovative Architektur erkennen lässt: Nachdem zunächst anstelle der zerstörten Häuser traditionelle Gebäude mit „ordentlichem“ Satteldach errichtet wurden, werden etwas später wohlwollender die Neubauten angepasst und mit Flachdach ausgestattet.

Hans Scharoun: Einfamilienhaus

Darüber hinaus sind es gerade die kleineren Details, die Rückschlüsse auf das alltägliche Leben der ersten Weissenhof-Bewohner geben und den

Vor-Ort-Besuch zum unersetzlichen Erlebnis machen: So etwa die Vorhangstangen auf dem Balkon des Scharoun-Hauses, das den Bewohnern ungestörte Frühgymnastik an der freien Luft gemäß des anthroposophisch-ganzheitlichen Lebensideals ermöglichen sollte, oder der zentral gelegene Milchladen, der leicht verderbliche Lebensmittel anbot – den ersten europäische Kühlschrank gab es erst 1929.

Hans Scharoun: Einfamilienhaus

Ein Besuch im Weissenhofmuseum sowie ein Rundgang durch die Weissenhofsiedlung bietet dem Besucher Architekturgeschichte live. Spannend, aufschlussreich und interessant vermittelt das Info-Zentrum eine Überblick über die Geschichte der Siedlung, die durch den Besuch des rekonstruierten Le Corbusier/Jeanneret-Hauses abgerundet wird.

(Dieser Artikel ist bereits vor etwas längerer Zeit entstanden und war bereits online. Durch eine Systemumstellung ist er jedoch verschwunden und nicht mehr aufzurufen – daher eine mit Abbildungen ergänzte Version hier.

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Die Kochenhofsiedlung

Nur wenige Meter entfernt von der Weissenhofsiedlung befindet sich eine weitere architekturhistorisch interessante Siedlung: Die Kochenhofsiedlung wurd 1933 unter Paul Schmitthenner errichtet als traditionalistisches Gegenstück zum modernen “Kameldorf” im Weissenhof. Aus diesem Grund wird die Kochenhofsiedlung auch weniger häufig erwähnt. Vor einer vorschnellen Verurteilung sei jedoch gewarnt, da die Planungen bereits 1927, parallel zum Weissenhof begannen. Die nationalsozialistische “Machtergreifung” hat jedoch eine besonders “traditionalistische” Version dieser Modellbausiedlung – Satteldachpflicht” – möglich gemacht.

Weitere Informationen über die Kochenhofsiedlung hier.