Grenzüberschreitung #02 – Transglobal Line

Flechthaus (Leonberg) (c) Marc Dittrich

 
 
 
Bahnwärterhaus, Galerien der Stadt Esslingen
Samstag, 07.01. bis Sonntag, 29. Januar 2012

mit
An Eugene, Daegu, Südkorea
Choung Guk Lee, Stuttgart
Marc Dittrich, Esslingen
Hyunji Jiya Gahng, Chicago, USA
Seung-hyun Kim, Daegu Südkorea

www.ahbke.de

PR-Text: “Transglobal Line”, die zweite Ausstellung der Reihe “Grenzüberschreitung” findet ab dem 7. Januar 2012 im Bahnwärterhaus in Esslingen statt.

An Eugene: "Ouch", Videostill

Fünf Künstlerinnen und Künstler aus Daegu in Südkorea, Chicago, USA sowie Stuttgart und Esslingen, die sich bereits 2010 während eines Projekts in Südkorea kennengelernt haben, thematisieren in der Ausstellung das eigene vernetzt sein rund um den Globus.
“Wie trifft man sich heutzutage auf einen Kaffee?” fragen sich die derzeit in Chicago lebende Hyunji Jiya Gang und die Koreanerin An Eugene in ihrer gemeinsamen Videoarbeit. Marc Dittrich sucht in seinen Flechtarbeiten die Grenze zwischen Privatsphäre und Öffentlichkeit in Sozialen Netzwerken. Gemeinsam mit dem in Stuttgart lebenden Maler Choung Guk Lee spannen sie, ausgehend vom Bahnwärterhaus, eine gedachte Linie rund um den Globus.

Sonntag, 22. 01.2012, 11.00 Uhr
Heute werden kulinarische Analogien beim schwäbisch-koreanischen Maultaschen kochen gesucht.

Finissage
Sonntag 29.01.2012, 16 – 18 Uhr

Ein Projekt des ahbke mit freundlicher Unterstützung durch das Kulturreferat und die Galerien der Stadt Esslingen.

Info + illus. courtesy ahbke

(c) Carlo d’Orta

 
 
 
 
Carlo d’Orta| Spiegelungen

12. Januar bis 17. Februar 2012
f75, Stuttgart
 
 
 
 
 
 

(c) Carlo d’Orta

PR-Text: Carlo d‘Orta ist fasziniert von der Welt im Zerrspiegel moderner Architektur. Er hält mit der Kamera auf die Glasflächen, doch seine Fotos zeigen nur zum Schein die Fassadenausschnitte. Eigentlich geht es ihm um das Gegenüber. Und das nicht etwa sauber gespiegelt, sondern leicht verfremdet – denn Gläser sind keineswegs perfekt planparallel, sondern den jeweiligen inneren Spannungen folgend leicht gewölbt, mal konvex, mal konkav, mal beides. Und in der Summe entstehen dadurch meist sehr rätselhafte, grafisch reizvolle Abbilder des jeweiligen Gegenübers.
Carlo d‘Orta wurde 1955 in Florenz geboren und lebt seit 1974 in Rom. Er hat Jura studiert, gehört als Regierungsrat seit 1979 dem Abgeordnetenhaus an und hat u.a. von 2001 bis 2003 das Nationale IT-Zentrum der öffentlichen Verwaltung geleitet. Seit mehr als dreißig Jahren widmet er sich – als Autodidakt – der Fotografie. Inzwischen zeugen einige Fotografiepreise und zahlreiche Ausstellungen in Deutschland und Italien von seinem Können.

Info + Text courtesy f75

Dawin Meckel, DownTown

 
 
Dazwischen | in between

Europäischer Architekturfotografie-Preis 2011

Nils Clauss | Paul Duri Degonda | Lars Kreyßig | Dawin Meckel | Frank Meyl | Bernd Uhde | u.a. 

29. September – 20. November 2011

vhs-photogalerie, Stuttgart
www.vhs-photogalerie.de
 
 

PR-Text:  Wer Architektur im Auftrag fotografiert, nähert sich dem Bauwerk oft wie einer Skulptur. Schön, ins rechte Licht gerückt, eher kühl, singulär und unnahbar wirken viele Bauten, deren Abbilder uns dann in den Fachzeitschriften und Prospekten begegnen.

Nils Clauss, UrbanNature

Der seit 1995 vergebene Europäische Architekturfotografiepreis hat dieser Präsentation von Architektur von Beginn an andere Bilder entgegengesetzt. „Mensch und Architektur“ lautete das Thema der ersten Ausschreibung; später ging es um „Architektur im Kontext“, „Urbane Räume“ oder „Neue Heimat“. Stets waren die Teilnehmer gefordert, ihre Sichten und Interpretationen in einer Serie von exakt vier Bildern umzusetzen. Eine kluge Vorgabe, schließt das doch einerseits die eher zufällig gelungenen Einzelbilder aus und zwingt andererseits zur Konzentration.

2011 stand das „Dazwischen“ im Mittelpunkt, auch das ein typisches Thema dieses Wettbewerbs, ging es doch „weniger um die Dinge selbst, sondern um den Kitt, den Mörtel, der sie zusammenhält“ … „sei es störend, trennend oder verbindend, vermittelnd“ (Zitate aus der Ausschreibung). Sowohl Fotografen als auch Bildbetrachter sind damit herausgefordert, auch das Abseitige, Überraschende, Verbindende oder Störende in den Blick zu nehmen und Aspekten Aufmerksamkeit zu widmen, die sonst eher vernachlässigt werden.

Frank Meyl, Open Spaces

Viele Fotografen haben ein Faible für „Unorte“ und so kann es nicht verwundern, dass es bei der Jury dieses Wettbewerbs etliche Bilder von Baustellen, Brachen und Lücken zu sehen gab. Aber das „Dazwischen“ wurde von den insgesamt 269 Bewerbern erfreulich vielfältig umgesetzt. Zeitlich (zwischen Aus- und Einzug oder in der Vor- bzw. Nachsaison), im Übergang von Innen und Außen, wortwörtlich als Blick zwischen Häuser (mitunter gen Himmel) oder auch mit Bildern ungeplanter Ensembles unterschiedlicher Baustile, Fragmente, Fassaden, Materialien und Farben. Viele Teilnehmer sind weit gereist für ihre Aufnahmen. Nationale Besonderheiten machen sich bemerkbar. Gerade die Fotografie kann sichtbar machen, mit was für einem merkwürdigen baulichen Mix wir uns umgeben. Das steht oft im Kontrast zu den Absichten der Städteplaner und Architekten, ist aber mitunter gerade in seiner Unkontrollierbarkeit lebendig. So wie die tapfere Pflanze, die sich in der Betonritze behauptet.

Und die Menschen? Nicht nur ihre Spuren, auch sie selbst sind in einigen Arbeiten zu sehen: etwas verloren in den heruntergekommenen Straßen von Detroit, spielend einen Neubaukomplex erobernd, in schwarzweißen Szenen am Rande einer Hochhaussiedlung oder als Performance-Gruppe, die in bunten Kleidern das Thema kreativ umsetzt.

All das kann hoffnungsfroh stimmen, trotz manch gestalterischer Fehltritte, auf die die ausgewählten Arbeiten sehr wohl aufmerksam machen. Dank der fotografischen Transformation bekommen selbst „Unorte“ einen Reiz. Betrachter werden regelrecht verführt, genauer hinzuschauen. Nichts scheint statisch in diesen Bildern, alles ist ständig im Wandel. Manch einer wird das beunruhigend finden, aber es bietet auch die Chance, das „Dazwischen“ immer wieder neu zu entdecken und zu besetzen. (Anna Gripp)

Info + illus. courtesy www.architekturbild-ev.de, www.vhs-photogalerie.de

 
 
Mein Aleppo My Aleppo

Buchpräsentation

Samstag, 15.10.11, ab 19:00 Uhr,

Galerie Robert Mayer Zeigt, Frankfurt
 
 
Einige der Autoren (wie Suleman Taufiq und Abed Azrié, Paris) sind anwesend.

Über das Buch (Back Cover): Außerhalb der arabischen Welt wird Aleppo nicht als „Metropole“ wahrgenommen – gleichzeitig ist die Stadt mit ihrer ca. 5000 Jahre langen Geschichte aber eine der ältesten Metropolen der Welt. So läßt sich MYAL (Mein Aleppo) als Exkurs über den Wandel des Metropolenbegriffs verstehen und stellt die grundsätzliche Frage, wodurch sich eine „Metropole“ definiert.

Heute ist die Stadt mit fast drei Millionen Menschen die Industrie- und Handelsmetropole Syriens, in der auf faszinierende Weise, Tradition und Moderne, östliche und westliche Welt zusammen kommen.

MYAL (Mein Aleppo) versucht, nicht nur die „Sehenswürdigkeiten“ Aleppos, sondern „Innenansichten“ vom Leben der Aleppiner zu zeigen: Städtische Strukturen sowie Lebens- und Umgangsformen, die sich über Jahrhunderte herausgebildet haben und nun durch veränderte soziale, ökonomische und politische Bedingungen einem rapiden Wandlungsprozeß unterworfen sind.

Es sind eher alltägliche Momentaufnahmen von Einheimischen und Fremden, vom Sichtbaren und Unsichtbaren, aus den engen Altstadtquartieren und dem Suq mit seiner lärmenden Intimität, dem Blick von der Zitadelle über die Stadt, und vom Eintauchen in teilweise fremde und verborgene Lebenswelten Aleppos und seiner Bewohner.

Im Mittelpunkt des Buches stehen Photos aus der Zeit um 1900, u.a. aus dem Archiv Poche-Marrache und dem Archiv von Thierry Grandin, sowie Aufnahmen verschiedener Photographen aus den letzten Jahren. Ergänzt werden die Bilder durch Texte verschiedener Autoren über das alltägliche Leben in Aleppo.

Während der Fertigstellung dieses Buches manifestiert sich eine Aufbruchsstimmung in der syrischen Gesellschaft, deren Auswirkungen noch nicht absehbar sind. Somit dokumentieren die Beiträge im Buch vielleicht etwas, was bald ein Stück weit der Vergangenheit angehören wird (oder kann).

Die CD mit Liedern von Abed Azrié aus Aleppo schafft mit Texten und Photos einen Dreiklang der Stadt.

Die fehlenden deutschen, englischen bzw. arabischen Übersetzungen stehen ergänzend im Internet auf der Website www.editionet.de/myal.pdf.

Texts and translation in German, English and Arabic can be found online, www.editionet.de/myal.pdf.

Der Stuttgarter Künstler, von Haus aus Architekt, der jedoch nie als solcher gearbeitet hat, schafft filigrane Architekturobjekte sowie Malerei und Zeichnung. Die Plastiken ähneln architektonischen Objekten, allerdings sind sie, anders als die typischen Architekturmodelle, schwarz oder grau, nicht weiß. Formelemente, die entfernt an Gebäudeteile oder -fragmente erinnern, wie wir sie vor allem aus der modernen Architektur kennen, tauchen auf, ohne sich jedoch einem typischen Architekturkontext zuordnen zu lassen.

Bogner setzt sich mit verschiedenen Raumthemen wie „Rückzugsraum“, „Schutzraum“ oder „Zwischenraum“ auseinander. Seine Arbeiten lassen vertraute, modern-geometrische Bauformen in ungewohnt ästhetischer Qualität erscheinen.

Auch seine Malereien zeigen grafische Gemäldekonstruktionen in vorwiegend schwarzweißen Schattierungen. Sie haben etwas Architektonisches an sich, sind aber nicht eindeutig als Räume oder Bauten zu erkennen. Aus dem Neben- und Übereinander von dunklen und hellen Flächen ergibt sich eine räumliche Wirkung, ohne dass perspektivische Darstellungsmittel eingesetzt werden: Bogner „baut“ seine Gemälde aus Flächen und Linien, Hell und Dunkel, Licht und Schatten auf.

Im Interview erläutert Karl-Heinz Bogner, warum er sich für die Arbeit als Künstler interessiert hat, welche Themen in interessieren und welche Schnittstellen es zwischen der Architektur und seiner Arbeit gibt.

(c) Illus. Karl-Heinz Bogner

Interview

Sie sind studierter Architekt, haben aber nie als solcher gearbeitet. Wie haben Sie zur Kunst gefunden? 

Mein Interesse an Kunst und Architektur entwickelte sich schon sehr früh. Zunächst hatte ich vor, Malerei zu studieren, ich entschied mich dann aber für das Architekturstudium. Der künstlerische Aspekt der Architektur reizte mich und an der Kunstakademie waren die Freien Künste und die Architektur zusammen unter einem Dach. Während meines Architekturstudiums an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart suchte ich immer wieder die Nähe zu den dort vertretenen Freien Künsten. Es entstanden parallel zu den Entwürfen Bilder und Zeichnungen, in denen ich versuchte, meine Ideen in anderer Art als den üblichen Darstellungsformen von Architekturentwürfen auszudrücken. Diese Bilder und Zeichnungen verselbständigten sich im Laufe der Zeit und wurden zu autonomen Arbeiten, die sich von den Entwürfen loslösten.

Mein Bedürfnis, mich mit freikünstlerischen Mitteln auszudrücken, wuchs im Laufe der Zeit. Nach meinem Studium war mir klar, dass es mich mehr zur Freien Kunst zog als in die Architekturpraxis. Ich konzentrierte mich dann vorwiegend auf Malerei und Zeichnung, auch um Abstand zum Architekturstudium zu bekommen. Inhaltlich und formal hatten die Arbeiten, die in dieser Zeit entstanden, wenig Bezug zur Architektur.

Wie beeinflussen das Architekturstudium und die Architektur Ihre Kunst?

Meine heutige Arbeitsweise hat sich im Laufe der letzten Jahre entwickelt. Die Auseinandersetzung mit Raum in Zeichnung und Modell, also denjenigen Instrumenten, mit denen ich heute neben der Malerei arbeite, waren für mich zentrale Bestandteile meines Architekturstudiums. Zudem hat das Studium mich für den Umgang mit Form, Raum und Material sowie für deren Wahrnehmung sensibilisiert.

Jede größere Ausstellung von mir plane ich zunächst im Modell. Die Ausstellungsräume, von denen ich meist Pläne vorliegen habe, baue ich einschließlich der ausgestellten Arbeiten in einem bestimmten Maßstab nach. Dieses Modell bildet dann die Grundlage, anhand der dann die Ausstellung vor Ort realisiert wird. Mein Anliegen ist es, die Arbeiten in den vorhandenen Raum so zu integrieren, dass sie mit ihm eine Symbiose eingehen und somit eine Gesamtkomposition entsteht.

In meinen Objekten, die den Charakter von Architekturmodellen besitzen, setze ich mich mit verschiedenen Raumthemen, wie zum Beispiel „Rückzugsraum“, „Schutzraum“, „Zwischenraum“ oder „Rekonstruktion“ auseinander, Themen, die auch in der Architektur eine Rolle spielen. Mit Architektur und überhaupt mit der gebauten Umwelt beschäftige ich mich sehr viel, sie ist für mich ein vielschichtiges und ständig präsentes Themenreservoir. Diese Tatsache beeinflusst auch meine Malerei, in der zum Beispiel Formelemente auftauchen können, die entfernt an Gebäudeteile oder -fragmente erinnern.

Können Sie das etwas präzisieren? 

Mir geht es hierbei weniger um das Auffinden von Motiven. Vielmehr sind die Form- und Bildwelten von verlassenen Industriearealen, Hafenanlagen, Baustellen und Gebäuden, die sich im Rohbau oder Abbruch befinden, für mich Inspirationsquellen und Anlass für Arbeitsprozesse. Mich interessiert das Unfertige, das Fragmentarische und Provisorische. Räume in Rohbauten beispielsweise, also Räume, die sich im Entstehungsprozess befinden, können für mich skulpturale Qualitäten besitzen. Themen wie Raumöffnungen, Raumdurchbrüche, Einblicke und Ausblicke kommen in diesem „Rohzustand“ in verdichteter Form zum Ausdruck. Die in solchen Räumen zusätzlich vorkommenden Materialansammlungen, Gerätschaften oder provisorische Konstruktionen haben für mich oftmals den Charakter von installativen Einbauten oder Möblierungen.

Im Atelier fließen diese Eindrücke und Beobachtungen in die entstehenden Skizzen und Zeichnungen ein. Die in einem weiteren Arbeitsschritt sich entwickelnden Objekte können einerseits ein Versuch einer Art Rekonstruktion des Beobachteten sein, andererseits können sie Erfindungen neuer Räume sein. An oben genannten Orten entstehen oftmals Arbeitsfotos, Skizzen oder ich schreibe mir auf, was mich an dem Ort in dem Moment beschäftigt. Auf diese Weise entstand in mir über Jahre hinweg eine Art „inneres Archiv“ an Raum- und Formthemen, auf die ich mich in meiner Arbeit beziehe.

Sie arbeiten sowohl „zweidimensional“ mit Malerei und Grafik als auch mit räumlichen Plastiken. Wie beeinflussen sich die Arbeitsweisen?

Meine Themen gehe ich mit verschiedenen Instrumenten an. Neben Zeichnungen, Collagen und Malerei ist der Bau von Objekten ein zentraler Bestandteil meiner Arbeit. Oft bezeichne ich sie als gebaute Zeichnungen. Sie sind im Prinzip für mich ein Instrument, mit dem ich eine Thematik umsetze, wie ich es mit den Mitteln der Malerei so nicht erreiche. Während des Bauens, beziehungsweise während der Bauphasen, entstehen Skizzen und Zeichnungen. Diese kann man als Entwurfsskizzen sehen; sie dienen der Reflektion des Arbeitsprozesses. Der Entstehungsprozess eines Objekts, der sehr vielschichtig sein kann, ist für mich immer der Versuch einer Annäherung an ein inneres Bild, an eine Vorstellung beziehungsweise eine Erinnerung an Räume oder Architekturen. Über das Bauen und Skizzieren umkreise ich diese Vorstellung und versuche, mich ihr anzunähern.

Die Arbeit an den Objekten wiederum beeinflusst meine Malerei. Der Entstehungsprozess, an dessen Beginn das Ergebnis völlig offen ist, ist bei den Bildern ähnlich wie bei den Objekten. Im Entstehungszeitraum eines Objekts oder einer Objektserie arbeite ich parallel an Bildern, in denen ich Bezug nehme auf Form und Raum, der sich beim Bauen entwickelt. Bestimmte Bilder und Zeichnungen können somit wirken wie zweidimensionale Ausschnitte aus Objekten. Auch die Bilder werden insofern „gebaut“, indem die Räume Schicht für Schicht entstehen. Bauen und Komponieren hat für mich hier dieselbe Bedeutung. Die so im Bild entstehenden tektonischen Formen und Kompositionselemente wiederum können beim Bau der Objekte miteinfließen. Insofern beeinflusst die Arbeit an Bildern und Objekten sich wechselseitig.

Den Arbeitsprozess, sowohl in der Malerei, die sehr viel zeichnerische Elemente enthält, als auch beim Bau der Objekte, kann ich als Spiel mit offener und geschlossener Form bezeichnen. Meine Arbeiten, sowohl Bilder als auch Objekte, können für mich durchaus Entwürfe für skulpturale Architektur oder Räume sein.

Wo liegen Vorbilder für Ihre Arbeit, welche Einflüsse gibt es?

Vorbilder für meine Arbeit in dem Sinne habe ich keine. Vielmehr interessieren mich gestalterische oder künstlerische Haltungen von Architekten und Künstlern, die an der Schnittstelle von Kunst und Architektur arbeiten. Mich interessieren Themen, die in Grenzbereichen zwischen den Disziplinen entstehen. Ein begehbarer Raum kann zum Beispiel eine bestimmte Funktion haben und Architektur sein, er kann aber auch Skulptur sein, ohne einen bestimmten Zweck erfüllen zu müssen. Ich denke, dass die künstlerische Arbeit auf verschiedene Weise beeinflusst wird, wie zum Beispiel durch die nahezu permanent präsente Bilderflut der Medien. Mir ist wichtig, mich von den meist oberflächlichen Beeinflussungen frei zu machen, um dann zum Kern zu kommen, zu dem, was mich wirklich interessiert. Dabei können mich ich interessieren Entwicklungsprozesse und Lösungen, die oftmals parallel zu meiner eigentlichen Arbeit entstehen.

Welche Ziele verfolgen Sie mit Ihren Arbeiten?

In meiner Arbeit geht es mir unter anderem darum, an der Schnittstelle von Malerei, Objekt und Architektur das Thema des Raumes weiter auszuloten und nach Möglichkeiten zu suchen, wie ich Raumthemen ausdrücken und darstellen kann. Meine dreidimensional-plastische Arbeit in Form von Objekten und Modellen wird für mich zunehmend wichtiger. Eine zentrale Rolle spielt hierbei der Modell-Raum, in dem sich Malerei und Architektur treffen. Mich interessieren Entwicklungsprozesse und Lösungen, die oftmals parallel zu meiner eigentlichen Arbeit entstehen. Als Gedankenmodell, so kann ich es beschreiben, bildet die Malerei den szenischen Hintergrund, eine Art Bühnenraum, vor dem die plastischen Arbeiten agieren.

Was ist charakteristisch für Ihre Arbeit – in Ihren Worten?

Ein zentrales Thema meiner Arbeit ist der Umgang mit Raum beziehungsweise die Präsenz von Raum als Gegenstand. Dieser Umgang mit Raum sowie das Ausloten räumlicher Themen und Potenziale ist ein vielschichtiger Prozess, der auf verschiedenen Ebenen stattfindet. Hierzu setze ich, wie vorhin erwähnt, verschiedene Instrumente ein wie Malerei, Zeichnung, Collage oder Objekt. Jedes Instrument gibt mir auf seine Weise die Möglichkeit, in adäquater Form etwas thematisch oder inhaltlich auf den Punkt zu bringen. In meinen Bildern beispielsweise entsteht der Raum aus Raumausschnitten, Verdeckungen Überlagerungen und den daraus entstehenden Ein- und Ausblicken. In diesen „Rauminszenierungen“ spielt der Mensch als Thema nur scheinbar keine Rolle.

Gerade durch den die Bilder prägenden menschenleeren Raum erhält der Betrachter die Möglichkeit, in meine Bilder einzutreten und dadurch selbst zu einem Bestandteil der Arbeit zu werden. Ähnlich verhält es sich bei meinen Objekten. Der Betrachter ist es, der die Möglichkeit hat, Assoziationen zu entwickeln und gedanklich die Objekte zu betreten und sie zu beleben. Ein charakteristisches Merkmal meiner Objekte ist, dass sie in keinem bestimmten Maßstab gebaut sind. Anhand von Wandöffnungen oder der Dimensionierung bestimmter Bauteile lässt sich oftmals vom Betrachter ein bestimmter Maßstab erahnen. Ein anderer Aspekt, der wiederum charakteristisch ist für meine Malerei, ist das Thema der Lichtführung, die die Inszenierung der im Bild vorkommenden Raumschichten noch verstärkt.

Zum Abschluss eine allgemeine Frage: Welche Bedeutung hat Architektur – für Sie, für uns?

Ich denke, dass Architektur und überhaupt unsere gesamte gebaute Umwelt unser Leben mehr beeinflussen und prägen, als wir uns bewusst sind, auch weil wir sehr viel Lebenszeit in gebauten Räumen verbringen. Darüber hinaus haben Architektur und Raum für mich eine zentrale Bedeutung, weil sie eine Vielfalt an Themen beinhalten, auf die ich mich in meinen Arbeiten beziehe. Sie sind ein fester Bestandteil meiner künstlerischen Arbeit.

Karl-Heinz Bogner, haben Sie herzlichen Dank für das aufschlussreiche Interview! 

© Maximilian Meisse

 

 

Maximilian Meisse | Tempelhof

8. Juni bis 15. Juli 2011

f75, Stuttgart

www.f-75.de

 

PR-Text: Die Fotos der Ausstellung wurden in den Jahren 2006-2008, kurz vor der endgültigen Schließung des Flughafens Tempelhof aufgenommen. Mit kühl distanziertem und doch einfühlsamem Blick hat Maximilian Meisse ein wichtiges Kapitel der Zeit- und Architekturgeschichte in beeindruckenden Großfotos festgehalten. Sich selbst bezeichnet er in aller Bescheidenheit als einen »Sammler von Orten«. Hätte er tatsächlich nur gesammelt, wäre wohl kaum eine derart überzeugende, authentische Fotoserie daraus entstanden.

2008 ist im Ernst Wasmuth Verlag das dazu gehörige Buch gleiche Titels erschienen.

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Annett Zinsmeister
Raum I: Kein Ort. Nirgends?

11.06. – 09.07.2011

14-1 Galerie, Galerienhaus Stuttgart

www.14-1-galerie.de

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Eröffnung: Freitag, 10.06.2011, 19h

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PR-Text: „Utopie … als Entzifferung eines Codes, als Analyse von Lebenszusammenhängen, als flexibles Modell von Möglichkeiten und als partielle evolutionäre Stationen, die … immer die Grundlage neuer Visionen für die nächste Generation sein könnten.“ (Annett Zinsmeister)

Das Spezifische, das Besondere und die Identität von Räumen, Orten und Städten – mögen diese auf den ersten Blick auch noch so unwirtlich oder unspezifisch sein, sind es, denen Annett Zinsmeister in ihren Arbeiten auf den Grund geht. Das Interesse der Professorin für Gestalten und experimentelles Entwerfen an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart kreist dabei immer um die Architektur, um die Hinterfragung von Wahrnehmungsgrenzen und die Auseinandersetzung mit Konzepten der Raumbildung und Darstellungstechniken. Aktuelle und historische Entwicklungen der Wahrnehmung und Gestaltung von Raum, auch im Zusammenhang mit den neuen Technologien, werden thematisiert, Sehgewohnheiten dabei in Frage gestellt.

Ihr Interesse zielt dabei vor allem auf die urbanen Problemzonen und Randgebiete, konfliktgeladene Orte, die für Zinsmeister Orte des Übergangs darstellen; Orte die eine besondere Vergangenheit haben und eine ungewisse Zukunft. Solch einen Ort stellt der Plattenbau dar und in mehreren Serien hat sich Zinsmeister mit dem Phänomen der Plattenbauarchitektur auseinandergesetzt. Der Plattenbau, die „Platte“, als architektonische Baukastenarchitektur mit ihrem Typensortiment, die ein kulturelles Phänomen darstellt, in dem sich sozial-utopische Visionen und politisch repressive Realitäten vereinen, oszilliert zwischen einer abschreckenden Monotonie des Seriellen und einer Faszination ihrer minimalistischen Ästhetik. In der Reihe virtual interiors verdichtet sich das Wechselspiel zwischen den beiden Aspekten und Zinsmeister kehrt die Fassaden virtuell nach innen in reale Innenräume oder wie beim Containerprojekt in den Innenraum eines Containers. Räumliche Irritationen und surreale Raumeindrücke lassen die Grenzen zwischen Innen- und Außenraum nicht mehr unterscheiden.

Info + illus. courtesy 14-1 Galerie

Mehr über Annett Zinsmeisters Arbeit im Interview HIER.

Link to publication BUNKERbiotop, German / English

BUNKERbiotop

BUNKERbiotop

Joerg Esefeld /edition esefeld & traub

mit open end

Galerie im Kunsthaus Schill, Stuttgart

Die Fotografien entstanden unter Tage, im Bunkerhotel unter dem Marktplatz von Stuttgart, vor dem Stuttgarter Rathaus. In diesem Tiefbunker war von 1945 bis 1985 war das populäre Hotel am Marktplatz untergebracht. Ursprünglich Schutz für bombenbedrohte Menschen und später Unterkunft für Reisende, sind die unterirdischen Räume heute Lebensraum für Bakterien und Schimmelpilze.

BUNKERbiotop

BUNKERbiotop

“Lichtlose Zimmer, geringer Luftaustausch, extrem hohe Luftfeuchte, moderate Temperaturen sowie ein üppiges Nährstoffangebot aus Papier, Kleister und Textilien bieten ideale Bedingungen für Mikroorganismen. Auf den Wänden überlagern sie in modrig-morbiden Schichten die Spurender früheren Bewohner. Die Bilder des photographischen Musterbuchs zeigen Mikroorganismen in scheinbarer Symbiose mit den Resten deutscher Kriegs- und Nachkriegsgeschichte.Sie konzentrieren sich auf die übriggebliebene, papierdünne Verkleidung derBunkerwände, die Tapeten aus den 1950er bis 70er Jahren. Weil die heutigen “Bewohner” diese Dekoration buchstäblich zum Fressen gern haben, finden sich Wandbeläge in den unterschiedlichsten Stadien des Zerfalls. Die Photographien richten den Blick aufein temporäres Biotop, das – mitten in der Stadt im Untergrund verborgen – in Stille und Vergessenheit gedeiht.” (Werner Lorke)

Die Publikation BUNKERbiotop kann HIER online durchstöbert werden.

Sabine Dorothea Schnell • Im.Mobile

Sabine Dorothea Schnell | L.A. Cuts / Im.Mobile

28. Mai – 24. Juli 2011

vhs-photogalerie,  Stuttgart
www.vhs-photogalerie.de

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Sabine Dorothea Schnell • L. A. Cuts

PR-Text: In den Bilder des Zyklus Im.Mobile steht nichts still. Gebäude aus den europäischen Metropolen Madrid, Paris und Berlin werden mit Mitteln einer Bewegungsfotografie aus ihren statischen Ort- und Raumbezügen gelöst. Die dadurch entstehende bildliche Unschärfe entzieht die fotografierten Objekte einer deutlicher Zuordnung, während sie sich miteinander überlagern, stützen oder farblich verbinden. Architekturen beginnen so vor unseren Augen ein riskant schönes Spiel gegen und mit der Schwerkraft. Das Feste, Unverrückbare, das Im.Mobile, gehorcht nicht mehr der gültigen Anschauung, es transformiert und verflüchtigt sich – ins Ungefähre.

Sabine Dorothea Schnell • L. A. Cuts

Die großformatigen Tableaux der Serie L.A.Cuts beschäftigen sich mit vertrautem Klischee von Los Angeles. Auch sie verwerfen die klassischen Strategien fotografischer Wirklichkeitsabbildung. Vielmehr nähern sie sich dieser ausufernden, zum großen Teil nur vom Auto aus erfahrbaren Stadtlandschaft der Megametropole Los Angeles mittels fragmentarischer ‚Cuts’. Die Bildursprünge sind fotografischer Natur und werden durch Ineinanderkopieren, Einfärbungen und Rasterungen zu Collagen gemischt. So erscheint das ikonische Los Angeles als ein Bildlabyrinth der Brüche. Es entsteht ein Kontraste verdichtendes Portrait dieses Global Village.

Sabine Dorothea Schnell hat ihr Studium der Fotografie an der Folkwangschule in Essen 1995 abgeschlossen und betreibt in Freiburg ein Studio für Gestaltung und Fotografie. Seit 2005 übt sie eine Lehrtätigkeit am Institut für Medienwissenschaft der Universität Basel aus. Seit 2006 ist sie berufenes Mitglied der Deutschen Fotografischen Akademie.

Info + illus. courtesy vhs photogalerie, (c) Sabine Dorothea Schnell

HOBERMAN

Transformable Design, New York

Arbeiten des amerikanischen Architekten und Designers Chuck Hoberman.
09.05.2011 – 20.05.2011
Stuttgart

Eintritt: kostenlos

Veranstaltungsort:
Universität Stuttgart K1
Keplerstraße 11
70174 Stuttgart

Veranstalter:

Universität Stuttgart Institut für Entwerfen und Konstruieren