The attention for Le Van Bo’s Hartz IV furniture came all of a sudden. Only in spring 2010 had he developed his 24 Euro Chair – often mistakenly called Hartz IV chair – and by now, the construction plans have been requested more than 700 times. More than 400 chairs have been constructed, according to the photographs of the finished furniture, which Van Bo asks for in return for the free instructions. The project makes waves all around the world, even Terre des Hommes Mosambique contacted Van Bo about his do-it-yourself furniture. Recently, the Gewerbemuseum Winterthur has included the 24 Euro Chair in its collection and presents it as part of the permanent show “Böse Dinge” (Bad Things). And the Kreuzberg 36 Chair has travelled even further: it has been shown in China by the Goethe Institut and the Internationales Designzentrum (IDZ) during the Taiwan Design Expo “German Shades of Green”.

Copyright illustrations Le Van Bo / hartzivmoebel.blogspot.com

24€ Chair

Meanwhile, the trained architect has created more Hartz IV furniture items, such as the Kreuzberg 36 Chair and the SiWo Sofa – the Single-Wohnung-Sofa (Single Appartment Sofa) –, and is experimenting with new ideas. Using “Guerrilla Lounging“, Van Bo tries to make public spaces more habitable, secretly sneaking in sites like underground stations, riversides like the Maybachufer or the city hall of the Berlin district Kreuzberg – a witty play on the German word “heimlich” comes to mind, meaning both “secretly” and “homely”: secretly making public spaces more homely.

The Guerrilla Lounges are accompanied by Van Bo’s first poster: the Hartz IV Rainbow, inspired by Otl Aicher’s colours. It is sold in limited edition (10€) to finance the guerrilla lounges.

It is the ideas of Bauhaus – “Less is more” – and the philosophy of functional forms that impress Van Bo most, and on which he is following up decisively. Thus the 24 Euro Chair recalls Mies van der Rohe’s Barcelona chair (1929) and the Wassily Club Chair by Marcel Breuer (1925). Its furniture workshop impacted the most effective image of Bauhaus to this day. In 1923, the first pieces of furniture were presented at the Bauhaus exhibition, which were designed according to Gropius’ “Guidelines of Bauhaus Production”: each product was to be functional, sustainable, cheap and beautiful. Furthermore, it is interesting that many of these now famous furniture items were created by architects. Marcel Breuer, for example, was trained as an architect, yet taught furniture design at the Bauhaus school from 1925 until 1928. Many of these pieces of furniture are design classics today. No surprise indeed, considering how furniture is among the most important items that influence people’s everyday life most directly. One’s personal habitat is where “form follows function” can be felt immediately.

Inspired by ...

Inspired by Bauhaus, Le Van Bo,who has been mentioned in the short list 2010 by baunetz.de as one of 12 architects, sets out to update these ideals – augmenting them with the idea of “do it yourself”, which appears to be as simple as it is effective in times of high tech mass production. Few role models can be found in this respect: Dutch architect Gerrit Rietveld created the Crate chair made of wooden boards in 1938, which was distributed as a construction set, while the Italian designer Enzo Mari developed construction plans for his “autoprogettazione” series including plans for beds, wardrobes, book shelves and chairs. Also the architects of Raumlabor Berlin have developed several pieces of furniture as social sculptures – most recently their “sedia venezia” has successfully accompanied the visitors of the Venice architecture biennial 2010.

More info: hartzivmoebel.blogspot.com

In the following interview, Le Van Bo tells us about his passion for Bauhaus, how it inspired his work on the Hartz IV series and what Eastern and Western design have in common.

(This essay and the interview were published on the occasion of the exhibition “Perspectives on in/outside” at Savvy Contemporary, Berlin (Dec. 2010). The interview below has been abridged.)

Interview

The modernism of the 1920s is particularly of interest to you – why?

Kreuzberg 36 Chair

Everywhere I look there is Bauhaus breathing in the air, especially when I look at the Metro exits, the city planning and in particular typography and furniture design. Helvetica for example, founded by a Swiss typographer Max Miedinger in the 1950s, must have been inspired by a German font: Akzidenz Grotesk (1902), published by German entrepreneur Hermann Berthold in 1902, who also had his factories in Berlin. So the modern type was somehow invented in Berlin, like so many things – for example the “Plattenbau” (social housing by Gropius), the very first industry lamps and the very first corporate identity by Peter Behrens for AEG. And the very first German Volkshochschule (adult education centre) was founded in Berlin, which also can be called a child of the democratic movement. Bauhaus is a way for me to find my German identity.

You are a trained architect. Why architecture?

I studied architecture at the Beuth Hochschule in Berlin and graduated in 2003, but honestly: At that time architecture didn’t interest me at all. As a student I used to make music, I did MCing (Hip Hop) and a lot of Graffiti writing. In a way, this was my very first physical contact with architecture.

Le Van Bo and his Kreutzberg 36 Chairs, Foto: Ute Haufe

I didn’t choose architecture. It chose me, and now, five years after my diploma, I begin to understand the architectural heritage that surrounds us – especially in Berlin with industry designer Peter Behrens, Bauhaus founder Walter Gropius and Mies van der Rohe.

Now it seems like I have learned to read a language that I have studied, but never spoken.

SiWo-Sofa

How did you get into the field of designing and how did you come to participating in art exhibitions?

The organiser of a Berlin art fair recently told me that he spots me as an artist. That is interesting, because I don’t see myself as an artist or a designer. I am trained in architecture, which makes me think holistically. I try to make use of the skills I’ve learned with all my different projects. Most of them have a social dimension such as “school talks” which I have initiated in Berlin-Wedding.

((The project School Talks offers career counselling. Together with Kiez-Tank-Stelle, Le Van Bo has been organizing this project in Berlin-Wedding and -Kreuzberg for over three years. Arranged as a talk show, these events give students the chance to talk to interesting people about their professions.))

I am not an artist. I am someone who is really grateful for all the beautiful things I’ve experienced here in Germany, and I just want to give something back: “Geben und nehmen.“ (Give and take.) Armin Paul, the organizer of the Berlin Art Tower Fair, paralleled my project to Joseph Beuys’ “Everybody is an artist”, saying: “Everybody is a carpenter.” This is a very interesting point of view.

How does your background in architecture influence your design work?

Berliner Hocker _ Plans

Obviously Bauhaus inspired my Hartz IV furniture project a lot. Isn’t it a pity that a lot of Bauhaus classic pieces like chairs are unaffordable to the people? Offering construction plans for Bauhaus inspired furniture for free is the idea behind Hartz IV furniture.

“Do it yourself” is getting more and more popular. Why, do you think, is it appealing to so many people to build their own furniture?

People, in the western industrialized world in particular, are getting more and more globalized and digitalized via Skype, Google, Facebook and so on. But this also means that we lose more and more our relationship to our body. When did you write more than two pages with a pen the last time? I think people nowadays long for more handmade experience.

Additionally, in Germany, there is still a lack of answers concerning German identity. By celebrating German design or German movements such as Bauhaus we can refer to a somehow German tradition without getting in conflict with the Nazi past. Sitting on a Bauhaus inspired chair, self-made, gives you a conscious and safe feeling about German identity.

You often mention that you are really grateful for all the beautiful things you’ve experienced here in Germany, which is thus reflected in you works. How much does your Asian origin influence your work as an architect or carpenter?

First of all, I come from a poor workers family, non-academics. This, of course, made me think a lot about quality of life. My parents used to have a wall paper at home showing fake wood, just to pretend a little luxury at home. Poor people often long for a higher status. Concerning life style and interior living, which means, poor people don’t want to see their lack of money and happiness when choosing furniture. Bauhaus objects, which are very reduced but at the same time with high attention to detail, offers a lot of opportunities to design your home with little money – because less

Making of ... 24€ Chair

is more. I think the real luxury is to have time, space and freedom to choose.

Do you by any chance recognise cross-roads of these “western” and “non-western” identities you both encompass in your works or your person?

My father is Chinese and he doesn’t understand the hype with my Hartz IV furniture at all. Of course, I try to find parallels between European and Asian design. And there are more bridges than we think. The Ming throne for example for the kings and emperors of China inspired Danish architect Hans Wegener a lot when he created his masterpiece: The Y Chair. Wegener’s chairs became known worldwide after John F. Kennedy sat in one of them in a TV Show. German architect Bruno Taut was a big fan of Indian sacral architecture. With his books and essays he created a strong exchange between European and Asian – Japanese in particular – design.
Have a look at the German saw – big and based on push stroke – and compare it to a Japanese saw – light and based on pull stroke: you can see the difference between the western and eastern way to saw. This is fascinating. The tools themselves give you answers about cultural characteristics.

Le Van Bo, thanks for the interview!

Nadav Kander’s “Yangtze – The Long River“ and “Pripyat and Chernobyl“ by Robert Polidori are presented in Berlin. Both series show impressively the impact of human actions on nature.

© ROBERT POLIDORI, UNIT 4 CONTROL ROOM, CHERNOBYL, 2001

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Nadav Kander | Yangtze – The Long River
Robert Polidori | Pripyat and Chernobyl

22. Januar 2011 – 12. März 2011

Galerie CAMERA WORK
Contemporary Photography and Vintage Masterworks
Berlin

www.camerawork.de

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© NADAV KANDER, CHONGQING II, CHONGQING MUNICIPALITY, 2006

Aus dem PR-Text: Nadav Kanders im Jahr 2009 mit dem renommierten Prix Pictet ausgezeichnete Photostrecke dokumentiert beispiellos den rasanten strukturellen Wandel entlang des chinesischen Flusses Jangtsekiang. Ein aktuell im HATJE CANTZ erschienener Katalog mit einem Vorwort des ehemaligen UN-Generalsekretärs Kofi Annan begleitet die Ausstellung. Dem gegenüber gehört Robert Polidori zu den ersten Photographen, die im Jahr 2001 Zugang in die Sperrzone der ukrainischen Arbeiterstadt Pripjat und dem angrenzenden Kernkraftwerk Tschernobyl, deren nukleare Havarie sich am 26. April 2011 zum 25. Mal jährt, erhalten haben. Eindrucksvoll dokumentieren Polidoris Photographien die Auswirkungen der sicherlich größten industriellen Katastrophe der Nachkriegszeit.

© NADAV KANDER, CHONGQING VII (WASHING BIKE), CHONGQING MUNICIPALITY, 2006

Nadav Kanders sonnenarme, in weißen Dunst und Nebel getauchte Photographien spiegeln die epochalen Veränderung Chinas wieder. Der Jangtsekiang, die Lebensader Chinas und der drittgrößte Fluss der Erde, ist dabei zu einem Symbol der sich unaufhaltsam wandelnden Nation geworden. über drei Jahre von 2005 bis 2007 ist der im Jahr 1962 in Israel geborene Photograph immer wieder an den Fluss zurückgekehrt, um das Leben in den über 186 Städten und unzähligen Siedlungen von der Mündung bis zu der Quelle im Himalaja zu dokumentieren. Dabei hat der Photograph seinen Fokus auf die einschneidenden Folgen des wirtschaftlichen Booms auf den Menschen gelegt. Gigantische Brücken, unter denen beschaulich gepicknickt wird, kolossale Betonburgen für Tausende von Menschen oder Berge aus Schutt und Schlamm, zwischen denen eine Frau ihr Geschirr spült, stehen im harten Kontrast zu den letzten Spuren der ursprünglichen Natur, die mancher Orts nur noch zu erahnen ist. Es entsteht ein detailliertes Bild eines Landes in dem sich Tradition und Moderne in einem gewaltigen Kampf befinden.

© ROBERT POLIDORI, CLASSROOM IN KINDERGARDEN #7 “GOLDEN KEY”, PRIPYAT, 2001

Fünfzehn Jahre nach der fatalen Kernschmelze im Atomkraftwerk Tschernobyl, näherte sich Robert Polidori im Jahr 2001 mit seiner Großformatkamera nüchtern und distanziert dem Ort des Schreckens. Polidori gehörte zu den ausgewählten Personen, denen sogar Zutritt in den Kontrollraum des explodierten Blocks IV gewährt wurde. Lediglich für fünf Minuten durfte der Photograph den lebensbedrohlichen Raum mit Schutzanzug und Gasmaske betreten. Polidori ermöglicht dem Betrachter einen schauderhaften Blick in einen mittlerweile extraterrestisch anmutenden Ort an dem eine fatale Kette an menschlichen Fehlentscheidungen zu einer unvergleichbaren Katastrophe geführt hat. Polidoris in der Arbeiterstadt Pripjat entstandenen Photographien zeigen wiederum eindrucksvoll auf, wie fluchartig die Bewohner ihr Leben hinter sich lassen mussten. Diverse Plünderungen im gefährlichen Sperrgebiet haben mittlerweile das ursprüngliche Bild zerstört, jedoch spürte der Photograph noch Spuren des gesellschaftlichen Lebens auf. Die blutrote noch beschriftete Tafel in einem Klassenzimmer, die unheilvoll über dem Boden verstreuten Gasmasken oder die überreste eines Operationssaals sind allgegenwärtige Indizien, die den Betrachter erahnen lassen, welche panischen Szenen sich damals abgespielt haben müssen.

Nadav Kander gewann mit seiner Serie „Yangtze – The Long River“ im Jahr 2009 den hoch dotierten Prix Pictet. Im selben Jahr erregte er mit der Serie „Obama’s People“ großes Aufsehen. Das New York Time Magazine druckte die komplette und vielfach preisgekrönte 52-seitige Strecke im Zuge einer Sonderausgabe zur Vereidigung des amerikanischen Präsidenten. Die eindrucksvolle Serie ist noch bis zum Frühjahr 2011 in dem aus der Sammlung CAMERA WORK hervorgegangenem Museum THE KENNEDYS am Brandenburger Tor zu sehen.

Illus. + info courtesy CAMERA WORK

New Zealand {Suite} Gallery presents photos by Neil Pardington of Maori tradition and culture. While the photographs are devoid of people, a presence remains – engendering the works with a visual narrative that speaks of a tension between outside and inside, public and private. This strong sense of drama combined with an almost cinematic appeal suggests traces of historic events or new stories about to unfold.

Neil Pardington Te Whare o Kāi Tahu - Tamatea, Otakou #1 Digital C Print Dimensions variable 2010

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Neil Pardington
Te Whare o Kāi Tahu

28 January 2011 – 19 February 2011

{Suite} Fine Art Gallery
69 Owen Street, Wellington 6021, New Zealand

http://www.suite.co.nz

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PR Text: {Suite} Gallery is pleased to present works from Neil Pardington’s latest series Te Whare o Kāi Tahu. Photographed at three locations in Otago, New Zealand – Moeraki, Puketeraki and Otakou – these images are inspired by Neil’s Kāi Tahu whakapapa and the unique intersection of Māori and European culture in the construction and design of these whare.

Neil Pardington Te Whare o Kāi Tahu - Centennial Memorial Gate, Otakou #1 Digital C Print Dimensions variable 2010

In this series Neil continues to examine the nature of buildings as the recipients of stories and memories, and as safe places to store treasured objects. There is a strong sense of the past and tradition among the Te Whare o Kāi Tahu works. For many they may seem to be from another time, another world – almost museum-like – creating a distance between the viewer and the subject.

There is also something uncanny about the Te Whare o Kāi Tahu images. While they are devoid of people, a presence remains – engendering the works with a visual narrative that speaks of a tension between outside and inside, public and private. This strong sense of drama combined with an almost cinematic appeal suggests traces of historic events or new stories about to unfold.

Born 1962 in Devonport, New Zealand, Neil lives and works in Wellington, New Zealand. He holds a BFA from the University of Auckland, New Zealand and is of Kai Tahu, Kati Mamoe, Kati Waewae Māori and Pākeha descent.

Info + illus. courtesy {Suite} Gallery

The exhibit »Nachbilder« (after-images) presents works by German photographers Johanna Diehl and Margret Hoppe. Both show deserted spaces as they are found, nothing is arranged. Diehl’s “Displace” series was shot in Cyprus, portraying abandoned places in both Greek and Turkish Cyprus. The title “displace” aims to be understood in an ambivalent way: these venues are both left and replaced with something new. Margaret Hoppe researched on the socialistic past of the former GDR and Bulgaria: she photographed the empty spaces left after socialistic memorials have been removed.

Johanna Diehl "displace" Serie mit Farbfotografien 2008/2009 "Syrianochori/ Yayla, Cyprus (North)", 2009, C-Print, 127x163cm

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„Nachbilder“ – Ausstellung mit Fotoarbeiten von Margret Hoppe und Johanna Diehl –
im Ausstellungsraum des Schlosses Ritzebüttel in Cuxhaven
kuratiert von Erle Bessert – Auftakt der Reihe „Junge Fotografie im Schloss“
vom 6. Februar bis zum 27. März 2011.

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Aus dem PR-Text: Auch wenn Johanna Diehl und Margret Hoppe einen ähnlichen Ansatz haben, an ihre Themen und Bilder heranzugehen, detaillierte Recherchen, nichts wird gestellt oder arrangiert, die Orte werden so belassen, wie sie vorgefunden sind, so unterschiedlich erscheinen die Ergebnisse: die Fotografien von Johanna Diehl an manchen Stellen fast malerisch romantisch, die Arbeiten von Margret Hoppe dagegen eher direkter, minimalistischer ohne etwas beschönigen zu wollen. Doch eines haben sie auf alle Fälle gemeinsam: Auf den Fotos sind keine Menschen zu sehen, und doch geht es bei diesen Arbeiten weit mehr um Menschen, als der Betrachter es auf dem ersten Blick erahnen mag.

Johanna Diehl "displace" Serie mit Farbfotografien 2008/2009 Lapithou/ Kozan, Cyprus (North), 2008, C-Print, 122x95cm

Die aus Hamburg stammende, jetzt in Berlin ansässige Johanna Diehl (* 1977) ist mit ihrer Fotoserie „Displace“ vertreten. Die Arbeiten entstanden 2008/09, als Johanna Diehl im Rahmen eines DAAD-Stipendiums auf Zypern arbeitete. Fern ab der Touristenpfade durchstreifte sie die seit über 35 Jahren geteilte Insel und entwickelte eine Serie über die leer stehenden und umgewandelten Kirchen und Moscheen: im muslimischen Teil, dem türkisch besetzten Norden und im christlich-orthodoxen Süden. Und selbst die Hauptstadt Nikosia ist durch eine Grenze in zwei Bereiche gespaltet. In beiden Landesteilen findet man verlassene Ortschaften, die von ihren ehemaligen Bewohnern fluchtartig geräumt und dem Verfall überlassen wurden.

Der englische Titel „Displace“ ist bewusst gewählt, denn er kann sowohl „Vertreiben“ als auch „Ersetzen“ bedeuten. Zudem verweist der Titel auf die in den Fotografien abwesenden Menschen, die ihre Heimat und ihre Gebetsstätten verlassen mussten. Der Begriff beschreibt aber auch den „Vorgang der Umwidmung und des Wiederbeschreibens“ durch eine andere Volksgruppe, die sich in den verlassenen Dörfern angesiedelt hat. Die Christen ließen die Moscheen zumeist leer stehen, während die christlichen Kirchen im Norden – sofern sie nicht ungenutzt bleiben und verfallen – von den Muslimen in Moscheen umgewandelt wurden: die Fußböden sind mit Teppichen ausgelegt und die aus Kreppstreifen parallel aufgeklebte Linien geben die Richtung Mekka an. Dabei bleibt Johanna Diehl stets eine neutrale Beobachterin und gibt den Arbeiten als Titel jeweils den türkischen und den griechischen Ortsnamen.

Margret Hoppe "Bulgarische Denkmale" Serie 2007, C-Prints | 90 x 72 cm "Stoju Todorow, Einheit des Kampfes für nationale und soziale Freiheit, 1975 Metall, Beton, Busludscha-Gipfel, Balkangebirge", 2007

Ähnlich der Serie „Die verschwundenen Bilder“ (2007), bei der die Künstlerin Margret Hoppe den Spuren von Kunst aus der ehemaligen DDR nachging und die Leerstellen in Räumen, an Wänden oder an Hausfassaden fotografierte, die nach dem Abnehmen oder Übermalen der Bildern entstanden sind, ist die Fotoserie „Bulgarische Denkmale“ aufgebaut: Auch hier dokumentiert Margret Hoppe den Umgang mit der sozialistischen Vergangenheit. In Bulgarien suchte sie Wandgemälde, Denkmäler und Statuen auf, die – zumeist Auftragsarbeiten des Bulgarischen Staates – während der kommunistischen Zeit errichtet und angebracht wurden. Und auch die überdimensionalen Monumente auf dem Busludscha-Gipfel im Balkangebirge sind dem langsamen Verfall überlassen, wobei dabei umso mehr der Bedeutungswandel von Denkmälern im postkommunistischen Bulgarien deutlich wird. Margret Hoppes Hauptinteresse gilt, wie auch in früheren Bildserien der Erinnerungsarbeit, die – so stellte sie 2008 auf ihren Reisen durch Bulgarien fest – dort weniger ausgeprägt ist, als in Deutschland.

Im thüringischen Greiz 1981 geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet Margret Hoppe seit ihrem Studium in Leipzig. Beim Fall der Berliner Mauer 1989 war sie gerade acht Jahre alt und somit zu jung, um den Systemwechsel selbst bewusst miterlebt zu haben. Heute positioniert sich Margret Hoppe mit ihren Arbeiten zwischen empathischem Nachempfinden einerseits und einem dokumentarisch-archivarischem Aufzeichnen der Situation andererseits.

Info + illus. courtesy Margret Hoppe und Johanna

The exhibition “Portraits from Above – Hong Kong’s Informal Rooftop Communities” presents the photo documentation by Canadian architect Rufina Wu and German photographer Stefan Canham, including photos, drawings and texts. Within 3 months Wu and Canham have visited and portrayed the informal slum cities of Hong Kong – because of the city’s geographical disposition, these auxiliary sheds have been moved to the roofs of highrises from the 50s and 60s. On minimal space people are “residing” in corrugated iron shacks with up to three “storeys”. Since about 50 years these illegal informal communities are essential part of the HK cityscape.

From February to May 2011, “Portraits from Above” are presented in Dresden, at Deutsche Werkstätten Hellerau.

© Rufina Wu, Stefan Canham

Deutsche Werkstätten Hellerau

Die junge Dresdner Künstlerin Yasmin Alt erforscht plastisch, wie architektonische Formen funktionieren. Sie „baut“ ihre architektonischen Vorbilder nach, die sie auf ihre Grundformen, ihre Basis-Struktur reduziert, um ihrer Funktionsweise auf die Spur zu kommen – jedoch nicht, wie diese Bauten genutzt werden, sondern was beim Bauen (mit) dieser(n) Formen geschieht: Zugrunde liegt die Beobachtung, dass bestimmte Formen im Laufe der Zeit wiederkehren in unterschiedlichen Bautypen – so etwa die Entwicklung der „Halle“ von der antiken Basilika über den Kirchenbau hin zu Fabrikhallen in monumentalen Dimensionen.

Crying Chapel © Yasmin Alt

Dafür arbeitet Alt mit unterschiedlichsten Ausdrucksmitteln, die sie zu räumlichen Collagen kombiniert. Zentral sind meist hüfthohen Gebäude-Plastiken, aber auch in Wandmodellen, die sie sorgfältig konstruiert. Ebenso finden sich jedoch auch rosettenartige runde Leuchtkästen, die an gotische Kathedralen erinnern, oder fotografische Dekonstruktionen. Ihre Arbeiten fügt sie zu raumgreifenden Installationen zusammen, anspielungsreich, vielschichtig, die Beziehungen untereinander aufbauen. Zugrunde liegt dabei eine immer intensive Auseinandersetzung mit dem vorgefundenen Raum, auf den Alt reagiert.

Immer wieder setzt sie sich auch mit ihren eigenen Werken auseinander, die sie durch das Prinzip des Zerschneidens und Wiederzusammensetzens weiterentwickelt und verfremdet.

Alt hat nicht auf direktem Weg zur Kunst gefunden. Sie hat zuerst Biologie in den USA studiert, hast dich dann aber entschlossen, Skulptur zu studieren: Ich habe dann auch wie Friedrich 2003 begonnen, in Dresden Bildhauerei zu studieren. Erst bei Professor Martin Honert und dann noch zwei Jahre als Meisterschülerin bei Professor Monika Brandmeier.

Gerade ging ihre Zeit in Frankfurt zu Ende, wo sie als Stipendiatin des Dynamo-Eintracht-Stipendium 2009-2010 gelebt und gearbeitet hat. Aktuelle Arbeiten von Yasmin sind derzeit in der 2. Plaza Show der Commerzbank Frankfurt „Hochparterre“ gemeinsam mit Fotoarbeiten von Friedrich Vater zu sehen.

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PLAZA SHOWS

Hochparterre

Yasmin Alt / Friedrich Vater

4. Februar bis 1. April 2011

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Im Interview mit deconarch.com erzählt Yasmin Alt über ihre Interesse an der Architektur, was sie für ihre Arbeit inspiriert und wie sie zur Kunst gefunden hat.

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INTERVIEW

Yasmin, deine Arbeiten bestehen aus verschiedenen Elementen, die Beziehungen untereinander aufbauen und ähnliche Prinzipien untersuchen. Sie sind wie räumliche Collagen. Dabei arbeitest du mit ganz unterschiedlichen Materialien – du baust Strukturen aus MDF, aber fertigst ebenso Foto-Collagen an oder Leucht-Mosaiken. Welche Themen interessieren dich besonders in deiner Arbeit?

© Yasmin Alt

Yasmin Alt: Das ist zum einen Bewegung oder besser: Simulation von Bewegung. Das klingt zunächst widersprüchlich, da ich ja hauptsächlich rigide Objekte fertige. Aber die Momentaufnahme oder die angehaltene Bewegung kommt wiederholt in meinen Arbeiten vor. Das bedeutet, dass ich mit verschiedenen Mitteln arbeite, die sozusagen gegen das Wesen der Skulptur gehen. So baue  ich gerne kleine Unstimmigkeiten in meine Arbeiten ein. Es kann leichte perspektivische Verzerrungen geben. Häufig zerteile ich Arbeiten auch, um sie wieder neu zusammenzusetzen. Das Fragmentarische spielt eine große Rolle. Darüber hinaus interessiere ich mich für die Baugeschichte der unterschiedlichsten Epochen. Gerade habe ich ein ziemliches Faible für die Gotik, aber auch Industriedenkmäler und Fassadengestaltungen interessieren mich.

Wo findest du Inspiration?

Yasmin Alt: Ich gehe meist von ganz konkreten Dingen aus der Realität aus. Das kann etwa ein Foto in einem Buch sein, das zur Initialzündung wird. Ich habe eine ganze Sammlung an antiquarischen Büchern über Architektur. Es kann aber auch ein Gebäude an der Autobahn sein. Plötzlich fällt mir etwas auf, gefällt mir und dann will ich untersuchen, was mir daran gefällt, und baue es nach. Dabei verändert es sich meistens von selbst. Allein durch die Größe zum Beispiel.

Häufig „baust“ du architektonische Vorbilder „nach“. Dabei reduzierst du sie auf ihre Grundformen, ihre Basis-Struktur, und erforschst ihre „Funktionsweise“ – nicht wie Bauten genutzt werden, sondern was beim Bauen passiert. Wie funktionieren Bauformen als Zeugnisse des Vergangenen?

Yasmin Alt: Vielleicht ist es das Monumentale und Erhabene, auf das ich reagiere, denn ich interessiere mich vor allem für Prachtbauten und was sie ausmacht. Dabei sind die Grundprinzipien der Architektur nicht neu, nur verschiebt sich durch die Epochen hin die Nutzung und damit auch etwas an der Form. Am Anfang produzierten die Kirchen die mächtigsten Bauwerke – riesige Hallen und zum Himmel strebende Türme für spirituelle Zeremonien. Später, in der Zeit der Industrialisierung, entstanden prächtige – hierzulande leider häufig unterschätzte – Gebäude, die mit einfachen Mitteln in große zweckmäßige Gebäuden strukturiert wurden. Es gelang, neben Monumentalität auch Abwechslung für das Auge zu schaffen.

Bei den Bauwerken, die mich interessieren, erforsche ich ihre Wirkung nach Außen hin. Ich baue ja nichts Zweckmäßiges, sondern ein Modell, und vielleicht ist es deswegen, dass sich die Arbeiten verändern müssen. Als Modell sind sie anderen Gesetzmäßigkeiten unterworfen und oft in einem Blick zu erfassen. Die Herausforderung liegt für mich eben darin, ihnen in dieser Größe wieder etwas Aufregendes zu verleihen.

Karussell © Yasmin Alt

Woher kommt dieses Interesse an der Architektur?

Yasmin Alt: Wahrscheinlich schwingt da schon der Wunsch mit, vergangene Zeiten erlebt zu haben. Als Kind wollte ich unbedingt Archäologin in Ägypten werden und konnte sogar einige Hyroglyphen lesen. Davon bin ich wieder abgekommen, aber die Liebe zu Ruinen und Vergangenem ist geblieben.

Du hast zuerst eine ganz andere Studienrichtung eingeschlagen. Warum hast du dich doch für Kunst entschieden?

Yasmin Alt: Ich merkte recht schnell, dass das Biologie-Studium für mich auf Dauer nichts war. Mit dem Eintauchen in die Molekularebene mit ihren Buchstabenkodes wurde es für mich immer bedeutungsloser. Die Liste der Unterenzyme und Cofaktoren wurde immer länger, aber näher an die Substanz von Leben kam man dadurch nicht. Also musste ich etwas ändern. Es war eine schwierige Zeit für mich und zur Kunst bin ich eher zufällig gekommen. Mir ging es einfach immer gut, wenn ich Kunst machte. Ich fuhr viel herum in dieser Zeit und habe fotografiert, Autobahnkreuze, verlassene Gegenden. Die Idee, Skulptur zu studieren, entstand über meine Beschäftigung mit Collagen und ein Freund riet mir, das doch zu versuchen, mein Interesse für die dritte Dimension zu verfolgen.

Collage, Fotografien, MDF – du arbeitest mit ganz unterschiedlichen Materialien …

Yasmin Alt: Das richtet sich schon ein bisschen nach der Idee. Manchmal benötige ich bestimmte optische Oberflächeneigenschaften. Dann benutze ich Kunststoffe wie Polyester. Am liebsten ist mir aber MDF, das kann man schnell mit der Stichsäge sägen und mit Heißkleber grob fixieren. Es lässt sich sogar etwas biegen. Ich bin aber dazu übergegangen, das MDF noch mit Epoxydharz zu tränken, das gibt eine bessere Oberfläche und ist stabiler. Dann verspachteln und schleifen, verspachteln und schleifen. Eine gewisse Perfektion was Oberfläche und Kanten betrifft ist mir schon wichtig. Denn meine Arbeiten sind formtechnisch eher reduziert und daher empfinde ich es als störend, wenn man die Konstruktionsgeschichte noch sieht. Ein bisschen Magie muss sein! Das Material ist in solchen Fällen dann eher ein Farbträger.

Seit Kurzem beschäftigst du dich auch intensiv mit Farbe und der Farbigkeit deiner Objekte.

Damaskus © Yasmin Alt

Yasmin Alt: Damit habe ich mich während meiner Zeit in Frankfurt verstärkt beschäftigt. Ich habe viele Collagen gemacht und so mein Augenmerk verstärkt auf die Wirkung von Farbe und Form auf der zwei-dimensionalen Fläche gerichtet. Hatte ich vorher die Farbigkeit eines Objektes als zweitrangig angesehen, und daher eine einfarbige Fassung vorgezogen, habe ich während des Stipendiums für mich neue Möglichkeiten des Farbauftrags erkundet. Durch die Verwendung von  Sprühlack ergaben sich spannende und auch sehr direkte Wege in der Farbgestaltung. So konnte ich eine weitere Illusionsebene hinzufügen. Das Objekt und die Farbigkeit als zwei sich überlagernde Ebenen begreifen, die einerseits die dreidimensionalen Eigenschaften des Objekts verstärken können und zusätzlich Illusion von Dreidimensionalität erzeugen, wo keine ist. Dadurch hat sich meine Arbeit in eine abstraktere Richtung entwickelt.

In deinen Worten: Was ist charakteristisch für deine Arbeit?

Yasmin Alt: Ich glaube das charakteristische an meinen Arbeiten ist, dass sie sich als dreidimensionale Collage zusammenfügen. Sie bestehen aus unterschiedlichen Elementen, die Beziehungen untereinander aufbauen und ähnliche Prinzipien untersuchen.

Yasmin, vielen Dank für das Interview!

Originally announced as SouthEastAsia angekündigt, the show spans a lot more: Babel Town is everywhere, in Beijing, Dubai, Guangzhou, Hongkong, Huangpu, London, Taipeh, Shanghai, … Australian photographer Tim Griffith has photographed where skyscrapers have “grown” recently. As he was working by order of architects, builders, investors, his photographs are, on the one hand, the usual remittance work, and on the other hand, impressive portraits of megalomania – the latter images being shown in Stuttgart.

Tim Griffith | Babel Town | Rocket

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Tim Griffith | Babel Town

1. Februar bis 11. März 2011
Fotogalerie f 75, Stuttgart
www.f-75.de

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PR-Text: Die Ausstellung wurde ursprünglich unter dem Titel SouthEastAsia angekündigt, aber Griffith spannt den Bogen viel weiter: Babylon ist überall, in Beijing, Dubai, Guangzhou, Hongkong, Huangpu, London, Taipeh, Shanghai… Im Auftrag von Architekten, Bauherren und Investoren hat er überall dort fotografiert, wo in jüngster Zeit Hochhäuser wie Pilze aus dem Boden geschossen sind. Dabei entstanden einerseits sorgfältige, aber herkömmliche Auftragsarbeiten, andererseits die in der Ausstellung Babel Town gezeigten, ungewöhnlich eindrucksvollen, schrecklich schönen Bilder des allgegenwärtigen Größenwahns. Mit diesen Bildern hat Griffith nicht nur Architektur- sondern Kulturgeschichte geschrieben.

Tim Griffith | Babel Town | Toothpick

Tim Griffith ist 1961 in Melbourne geboren. Er studierte Fotografie am Royal Melbourne Institute of Technology und ist seit 1985 weltweit als Architekturfotograf tätig, seit 2003 lebt er in San Francisco. Er war an vielen Ausstellungen beteiligt und wurde mit mehreren Preisen ausgezeicnet (u.a. architekturbild und AIPP).

Info + illus. courtesy f75