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I’m delighted to tell you about a new show that I have been invited to co-curate at SAVVY Contemporary in Berlin: Perspectives on in/outside presents works by Pierre Juillerat and Le Van Bo, both designers/architects and reflects on questions about (architectural) forms and functions, about how the inside and the outside are connected. While Juillerat explores a contemporary sphere of formalist and conceptual painting, Van Bo recently caused some uproar with his Hartz IV furniture.

Curator and organizer is SAVVY founder Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. We also assembled a catalogue including interviews that I conducted with the two designers. Don’t miss it!

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VERNISSAGE: 4.12.2010, 8 pm + Jazz improvisation by Robert Würz

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Hartz IV Möbel workshops: 11. and 18.12.2010
ARTension. Straight forward with … Christof Mayer and Francesco Apuzzo/Raumlabor: 13.12.2010

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PR-Text: One of the many possibilities implemented to tackle the great economic, social and political cavity that arose in the aftermath of the First World War was an architectural intervention. This intervention witnessed all over Europe, including Russia and beyond came to its summit in a rather unlikely place and left – from today’s point of view – surprisingly numerous traces in Berlin-Neukölln.

Armed with the ideology of the Neue Sachlichkeit/Neues Bauen, the diligence of the Chicago School and the philosophy of the Bauhaus Bruno Taut and Martin Wagner set-up to build a socio-architectural complex in the shape of a horseshoe that came to be known as the Hufeisensiedlung. This object which triumphed for its simplicity in form, reminiscent of the elementary principles of social, constructive and stylistic economy in architecture also went a long way to reflect Louis Henry Sullivan’s notion of form follows function; a concept that has guided architects, designers, artists and other conceptualists across the last century. Can this notion of form follows function be transposed from a creative to a social context?

If one took Berlin-Neukölln as a case study of such a transposition, then the “form” could be on the one hand Neukölln’s infrastructure, in the sense of the diverse architectural structures like the Hufeisensiedlung, the Gropiusstadt, Ernst Sagebiel’s Tempelhof airport, the family houses in Britz, the Böhmisches Dorf or the many mobile phone shops, Kebab bistros and cheap textile shops in the Karl-Marx-Straße (an irony of destiny that comes in mind when one thinks of the economic vibrancy). On the other hand, the “form” could also be its inhabitants from 160 nations, the numerous languages that are heard and the multitude of attires seen on the streets of Neukölln.

What then could be deduced as the “function” of this “form” described above? Maybe the artistic developments as seen in North-Neukölln or the numerous hip bars and cool cafés? But also Neukölln’s reputation of having one of the highest percentages of unemployed i.e. Hartz IV-recipients, a high criminality rate, a raised school drop-out rate, and in general a lower class in this society?

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It seemed most appropriate to invite Pierre Juillerat and Le Van Bo, whose vitae varyingly show traces of turning things inside out, to research on these issues in the form of an exhibition.

In his works Pierre Juillerat explores a contemporary sphere of formalist and conceptual painting sometimes reminiscent to the likes of Bridget Riley or Josef Albers. As if bent on proving that there are no limits to colour combinations, Juillerat forces us to rethink our usual perception of what complementary is or can be, and thus harshly experimenting and extending on Goethe’s “Theory of Colours” (Zur Farbenlehre), but also questioning the specific colours that reciprocally evoke each other in the eye. What is evident is the tension that exists in his works, but there is also enough space left for interpretations related to the natural or synthetic, to reality or abstraction, construction or de-construction. With a background in architecture, as a musician, a pilot and painter, Juillerat is versed with turning things inside out.

Le Van Bo on the other hand initiated an almost philanthropic design project based on the controversial socio-economic Hartz IV laws in Germany. In a time where all is based on the fast lane and on complexity, Bo resolved in a search for simplicity with brilliance. Starting up with a piece of wooden plank one can acquire from any building supplies store, he encourages people to build a self-made armchair, redolent of the Bauhaus classics, for 24 Euros, within 24 hours. Based on the idea that even those living on Hartz IV can afford for a timeless and quality design Bo dares to democratize the philosophy of quality and design by making the design instructions accessible to all on the internet and offering courses in adult education centres. He thereby questions the impression that good quality must be ostentatious and stretches the elitist constraints attached to art and design. Le Van Bo’s multi-laterality is reflected in his credentials; once upon a time a TV moderator, then Hip Hop artist, and now an architect and designer.

Perspectives on in/outside
Perspectives on in/outside is an allegory of changing positions i.e. viewing from different perspectives from within and from without. At the core are reflections Inside Out and Outside In. In its diverse usage, “to know something inside out” means to know something very thoroughly and to “turn something inside out” means to turn the inner surface of something outwards and thus change something utterly. With Inside Out the exhibition intends to lay bare something which might be considered intimate – a living space for all – and with Outside In a reflection of the public in the interior of the art space turned salon. Perspectives on in/outside thus strives at positioning itself as a hybrid project in thorough search by turning the inner surface of something outwards and vice versa. Some of the perspectives through which this exhibition will be seen are painting, installations, design, architecture, which boil down to investigating the social transposition of forms and their functionality. Complementary to this exhibition, a Hartz IV furniture workshop will be installed, wherein people will be invited to build up armchairs and take them along.

Text by Bonaventure S. B. Ndikung

Am kommenden Mittwoch gibt die Architektin und Künstlerin Annett Zinsmeister einen Gast-Vortrag in der GEDOK-Galerie Stuttgart.

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Annett Zinsmeister zu Gast bei GEDOK

Mi 01.12.10

20:00 Uhr

GEDOK – Galerie

5 € / 2,50 €

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Annett Zinsmeister arbeitet interdisziplinär und intermedial. Ausgehend von dem Schwerpunkt Raum und Architektur löst sie vorgefundene Strukturen aus ihrem Kontext und fügt diese an anderen Orten und in neuen Kompositionen wieder zusammen. Sie verbindet in ihrer künstlerischen Praxis Kunst, Architektur und Design. Ihre prozesshaften Arbeiten manifestieren sich als Zeichnungen, Fotografien, Installationen, in digitaler oder gebauter Form. In Projektbegleitenden Publikationen vereint sie zudem wissenschaftliche Methodik und gestalterische Praxis.

Annett Zinsmeister studierte Kunst, Architektur, Kultur- und Medienwissenschaften an der Hochschule der Künste Berlin. Seit 2007 ist sie Professorin für konzeptionelles Gestalten und experimentelles Entwerfen und seit 2009 auch Leiterin des Weißenhof-Instituts an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Mehr Info.

In 1985, the brothers Maik und Dirk Löbbert started to integrate found trash elements into the urban scenery of Cologne and Dusseldorf, creating sculptural arrangements which they photo-documented and then left behind. Since then the brothers became a “artist team” creating superb art for public spaces. Augsburg art center for contemporary art, H2, presents a retrospective exhibition of their works.

Maik + Dirk Löbbert: Hotelturm Augsburg, 2010

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Maik + Dirk Löbbert MDL 25

9. September 2010 bis 27. Februar 2011

H2 –Zentrum für Gegenwartskunst im Glaspalast, Augsburg

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PR-Text: Im Jahr 1985 begannen Maik und Dirk Löbbert in Köln und Düsseldorf, vorgefundene Sperrmüllobjekte als skulpturale Arrangements in den Stadtraum zu integrieren. Die Arbeiten wurden installiert, fotografiert und dann sich selbst überlassen. Seit Anonym, jenem ersten gemeinsamen Projekt, hat sich eine ebenso kreative wie originäre Zusammenarbeit der Brüder als Künstler-Duo entwickelt, die seit nunmehr 25 Jahren Bestand hat.

Maik + Dirk Löbbert: Raumarbeit für H2-Zentrum für Gegenwartskunst, Augsburg, 2010

Aus diesem Anlass würdigt das H2 – Zentrum für Gegenwartskunst im Glaspalast die Arbeit von Maik und Dirk Löbbert als eine der inzwischen herausragenden Positionen von Kunst im öffentlichen Raum in Deutschland und darüber hinaus. Mit Einfühlung, präziser Beobachtung und dem ihnen eigenen subtil-intelligenten Humor ist ihre künstlerische Konzeption stets eine adäquate Reaktion auf die konkrete Situation vor Ort. Die Ausstellung MDL 25 ist daher retrospektiv wie nach vorn gewandt zugleich. ‚Historische’ Arbeiten gewähren in einer gleichermaßen verdichteten, wie breit aufgefächerten multimedialen Installation Einblick in die Entwicklung und Wirkweise des künstlerischen Werks von 1985 bis heute.

Maik + Dirk Löbbert: Königsplatz Augsburg, 2010

Demgegenüber nimmt eine eigens entworfene, raumgreifende Arbeit die architektonisch-topografische Situation der großen Halle im Erdgeschoss des Augsburger Glaspalasts auf, der im Jahr 1910 – vor 100 Jahren – als Baumwollspinnerei und einer der ersten Stahlskelett-Großbauten Deutschlands fertig gestellt wurde.

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Illus. + Info courtesy H2 Glaspalast

Paris Galerie RX shows 7 photographs by Georges Rousse, each of them accompanied by a prep sketch. Rousse’s central subject is architecture. He installs his nomadic studio in abandoned places, giving them a new history, a new soul. The Art Centre of Dudelange, Luxemburg, presents works by German photographer Albert Weis, who opposes his photographs with folded paper reminiscent of modernist architectural forms.

© Georges Rousse/ADAGP, Paris. courtesy Galerie RX, Paris

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Georges Rousse | Architectures

12 November 2010 – 15 January 2011

Galerie RX, Paris

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Aus dem PR-Text: De par le monde, dans des bâtiments à l’abandon, avant leur destruction ou leur réhabilitation, Georges Rousse a posé son travail et sa chambre photographique depuis plus de vingt ans. Il a installé son atelier nomade dans des lieux auxquels il a redonné une nouvelle histoire, une nouvelle âme. Comme il aime à le dire « je fais appel à de nombreuses pratiques artistiques : je suis dessinateur du projet, peintre dans le lieu, architecte par mon interprétation de l’espace et la construction que j’y organise, enfin photographe pour rassembler toutes ces actions. »

Info + Illus. courtesy Galerie RX

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Albert Weis: olympiades, C-Print, 2005

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Albert Weis

coupes

23.10. – 27.11.2010

Centre d’art Nei Liicht
Galeries Dudelange

Dudelange, Luxemburg

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Albert Weis: folders (envers), C-Print, mixed media, 2005-2008

PR-Text: Ausgangspunkt der Arbeiten von Albert Weis ist die urbane Landschaft mit ihren spezifischen Raumstrukturen, wie die in den 60er und 70er Jahren entstandenen Architekturkomplexe, in deren Formensprache sich bis heute utopische Organisationsformen widerspiegeln. Das skulpturale Formenvokabular der Moderne reflektierend, stellt er seinen Fotografien gefaltete Papierarbeiten gegenüber, so dass sich innerhalb der mehrteiligen Ensembles vielschichtige Referenzen ergeben. Die unterschiedlichen Punkt- und Linienraster der eingesetzten Folien überlagern sich bei den Papierarbeiten zu irritierenden Strukturen, die wieder an architektonische Strukturen erinnern. Zudem zeigt Weis eine Neonskulptur, die sich zwischen zwei Spiegelwänden zu einer endlos wachsenden Struktur reproduziert.

Illus. + Info courtesy Centre d’Art Dudelange

Kunstverein Nürtingen presents works by Berlin artist and architect Annett Zinsmeister: Zinsmeister is working with space, with locations of permanent transformation splitting themin structures, moduls, characters and rearranging these elements in spatial installations.  Thus she forms new spatial compostions and surprising atmospheres. KV Nürtingen assembles Zinsmeister’s works from the past 20 years.

Foto: A. Zinsmeister

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Annett Zinsmeister

- searching for identity / Auf der Suche nach Identität -

11.11. – 12.12.2010

Kunstverein Nürtingen

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PR-Text: Annett Zinsmeister arbeitet mit Raum, mit Orten permanenter Transformation: Sie zerlegt sie in Strukturen, Module, Charaktere und arrangiert aus diesen Elementen u.a. raumgreifende Installationen. Mit der Dislokation und Verdichtung von vorgefundenen Raumkomponenten formt sie neue Raumkompositionen und unerwartete Atmosphären. Sie beschäftigt sich zudem mit der Zerstörung von Kultur- und Lebensräumen. In ihren Arbeiten thematisiert sie Schicksale und Alltagssituationen jenseits medialer Berichterstattung.

Der Kunstverein Nürtingen zeigt in der Ausstellung “Auf der Suche nach Identität” Arbeiten der Künstlerin aus zwei Jahrzehnten, die ihre Spurensuche in verschiedenen Räumen und Städten (Berlin, Sarajevo, Nürtingen…) beschreiben und sich mit räumlichen Veränderungen in der Stadt und unserer Wahrnehmung auseinander setzen. Es ist der Versuch dem Besonderen, dem Spezifischen, der Identität von Räumen, Orten, Städten auf die Schliche zu kommen – mögen diese auf den ersten Blick auch noch so unwirtlich oder unspezifisch erscheinen. Diese Suche wirft die Frage auf, wo und wie wir heute Identität suchen und finden? Was bedeutet Identität und wie ist sie an Räume, Orte und Städte gebunden? Mit einer Meinungsumfrage bezieht Annett Zinsmeister Bürger aus Nürtingen und Umgebung quer durch alle Alterstufen in das Kunstprojekt ein. Sie befragt die Bewohner nach Orten, Räumen, Bauten, Objekten, Merkmalen in Nürtingen, die für jeden Einzelnen sehr unterschiedliche Bedeutungen haben und möglicher Weise Identität stiften können. Dabei geht es um individuelle und persönliche Ansichten und Vorstellungen, die im Kontext der Ausstellung gezeigt werden und vielleicht einen Eindruck vermitteln können, wie Bürger ihre Stadt, ihren realen Lebensraum wahrnehmen und in wiefern sie sich damit verbunden fühlen.

Annett Zinsmeister (geb. 1967) ist Künstlerin, Architektin und Autorin und lebt in Berlin. Seit 2007 ist sie Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart und leitet dort zudem das Weißenhof-Institut. 1990-97 Studium an der Hochschule der Künste Berlin. Seit 2000 Lehre an der Bauhaus Universität Weimar und TU Dresden. 2003-07 Gastprofessorin an der Kunsthochschule Berlin Weißensee und Bergischen Universität Wuppertal. Preise und Stipendien u.a. der Akademie Schloss Solitude, des Landes Thüringen, der Schlesinger Stiftung, Schweiz.

Info + Illus. courtesy Kunstverein Nürtingen

Noch ein Hinweis für alle Interessierten: Der poolbar-Architektur-Wettbewerb ist wieder ausgeschrieben.

Seit 1997 werden jährlich junge GestalterInnen eingeladen, für das poolbar-Festival in Feldkirch eine temporäre, Image prägende Architektur zu schaffen. Auch beim 18. poolbar-Festival vom 1. Juli bis zum 15. August 2011 wird dies nicht anders sein. Gemeinsam mit dem Vorarlberger Architekturinstitut (vai) und der Wirtschaftskammer Vorarlberg (WKV) schreibt die Festivalleitung deshalb den poolbar-Architektur-Wettbewerb erneut aus.

“Demokratischer Raum, humanes Licht”

… ist das herausfordernde Thema des Wettbewerbs, an dem jede/r mit Sinn für Architektur, Design und Ästhetik teilnehmen kann. Detaillierte Informationen zur Ausschreibung sowie Unterlagen und Pläne können auf HIER downgeloadet werden.

Am 10. Januar 2011 um 10 Uhr endet die Einreichfrist, noch am selben Tag wird die Jury – bestehend aus Herwig Bauer (poolbar-Festival), Jesco Hutter (Baumschlager Hutter Partners, nominiert vom vai), Verena Rauch (columbosnext architektur, nominiert vom vai) und Otto Bechter (Zumtobel, nominiert von der WKO) – ab 16 Uhr tagen und die besten Projekte auswählen.

Auch das Publikum wird wie bereits 2010 zur Stimmabgabe gebeten: Am Abend des 10. Januars stehen die Projekte online, gevotet werden kann bis zum 7. Juli 2011 (15 Uhr). Denn neu ist der Termin der Präsentation aller prämierten Projekte: Am poolbar architektur-Tag, dem 7. Juli, werden die besten Projekte der Öffentlichkeit vorgestellt und der Publikumspreis vergeben. Zudem führen Jury und/oder Gewinner/in(nen) durch das umgesetzte Siegerprojekt.

Using collage techniques, American photo artist Raissa Venables developed a way to capture architectural interiors into a spacial photographic impression. Her latest series brought her to Dresden’s treasures. Rolf Zscharnack photographs global cities at night – moving. Thus he transforms the silent cities into visions of light. “Fast City” are dynamic potraits of urban metopolises like Berlin, New York und Miami.

Raïssa Venables, Green Vault, 2010, C-Print / Diasec

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Raïssa Venables – All that Glitters

29. Oktober – 4. Dezember 2010

WAGNER + PARTNER, Berlin

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PR-Text: Der Glanz der Gehäuse – Die international bekannte Fotokünstlerin Raïssa Venables (*1977) interpretiert in ihrer neuen Einzelausstellung, eingebettet in den 4. Europäischen Monat der Fotografie, verschiedene Räume auf bislang einzigartige Weise. Die Ausstellung führt den Besucher auf eine Reise durch das prachtvolle Grüne Gewölbe in Dresden, das Richard-Wagner-Haus in Bayreuth oder die coole Austern-Bar im New Yorker Bahnhof Grand Central. Jedes dieser „Gehäuse“ eröffnet eine verborgene Welt.

Raïssa Venables hat in den vergangenen Jahren einen markanten fotografischen Stil entwickelt, der die Grenze zur Malerei überschreitet und dessen Bilder seither im In- und Ausland in wichtigen Museen gesammelt werden. Ihre souveräne farbliche wie Raum bildende Collagetechnik übersetzt vorhandene Architektur in einen erlebbaren fotografischen Gesamteindruck. Dreidimensionale Räume werden zu Aggregatzuständen, eine vierte emotionale Dimension entsteht.

Raïssa Venables, Pillnitz, Palmhouse, 2010, C-Print / Diasec

In den letzten Jahren hat sich die amerikanische Künstlerin vermehrt der europäischen Baugeschichte zugewandt. Hier sind es meist prachtvolle und prestigeträchtige Bauten. Nach Kirchen in Italien hat sie sich nun vor allem mit dem kulturellen Reichtum Dresdens auseinandergesetzt. In ihren neuesten Werken wird der Gründungsgeist vieler Architekturen wieder erlebbar. So vermittelt die sattgrüne Pflanzengruppe in dem Werk „Palmenhaus, Pillnitz“ noch einmal das Staunen über die ersten europäischen Glashäuser Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Sammelleidenschaft eines August des Starken wird in ihre ganzen Exzentrik wieder spürbar, wenn Venables das Grüne Gewölbe fotografisch durchmisst.

Info + illus. courtesy WAGNER + PARTNER, Berlin

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© Rolf Zscharnack

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Rolf Zscharnack

Fast City

11. Oktober – 23. Dezember 2010

SHOWROOM
Berlin

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PR-Text: Fast City erzählt von einer Fotoreise um die halbe Welt. So werden auf rund 23 großformatigen Farbfotos (Ilfochrom- Prints und Lightboxes zwischen 75 x 50cm und 240 x 125cm) Szenerien aus den Metropolen Berlin, New York und Miami gezeigt, urbane Gemeinsamkeiten dargestellt und wiederum städtetypische Besonderheiten kontrastiert.

© Rolf Zscharnack

In der 2009 begonnenen Fotoserie arbeitet Rolf Zscharnack mit der Kombination aus Kameraschwenk und Langzeitbelichtung; er fotografiert aus dem fahrenden Auto, aus der Bewegung oder Drehung heraus. Die Lichter der Stadt, Leuchtreklamen oder beleuchtete Häuserfronten werden zu abstrakten Lichtspuren. Menschen verflüchtigen sich zu schattenhaften Erscheinungen. Der konkrete Ort erlangt den Status einer Kulisse, einer Kulisse für ein Schauspiel, das sich so, wie es in Fast City sichtbar wird, nie ereignet hat. Das Foto avanciert zu einer visualisierten Lichtvision.

„Die ersten Fotos der Fast City-Serie entstanden, als ich nachts in Berlin mit dem Auto unterwegs war. Die Stadt ist dann wie ausgestorben, kaum Verkehr, wunderschön. Es sind flüchtige Eindrücke, die wie ein Bilderschweif an mir vorbeiziehen. Ich spüre, in welchem Moment ich ein Bild festhalten und wie schnell ich die Kamera bewegen muss, damit die Atmosphäre der erlebten Situation im Bild sichtbar wird“, so der Künstler.

Unter anderem inspiriert von László Moholy-Nagy, der zwischen 1937 und 1946 den nächtlichen Verkehr in Chicago fotografierte, changiert Rolf Zscharnack die Methodik und Herangehensweise der Aufnahme. Denn agierte Moholy-Nagy von einem ruhende Standpunkt aus, um die metropolitane Dynamik im Bild still stehen zu lassen, so ist es im Falle von Fast City Rolf Zscharnack selbst, der das Tempo vorgibt und damit das entstehende Bild inszeniert.

Bei jedem Städteportrait setzt der Fotograf auf die jeweils spezifischen ‚Farben der Stadt’ und schenkt dieser somit ihre eigene Licht-Dramaturgie und unterstreicht gleichzeitig ihre Einzigartigkeit.

„Nicht das, was ich fotografiere bewegt sich dabei, sondern ich bewege mich. Ich male Bilder mit meiner Kamera.“

Info + illus. courtesy Showroom Berlin

A photo exhibit at the Museum für Kommunikation Berlin (museum for communications) documents the fast change after the fall of the Berlin wall. Stefan Koppelkamm’s photographs show the developpments in East German cities: shots of the same locations from 1990 and 2004 are opposed, mirroring the social and economic changes in East Germany.

Gregor Stephan uses the possibilities digital photography offers to (re)integrate chance, and imperfection into the photographic process. In works about locations, he questions the usual contexts of verification to think about constructed and reproduced imageries.

Berlin, Hackesche Höfe / Rosenthaler Straße 1992 | 2004 © Stefan Koppelkamm

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Stefan Koppelkamm

Ortszeit Local Time

Fotografien von 1990 – 2004

Eine Ausstellung im Rahmen des 4. Europäischen Monats der Fotografie

8. Oktober 2010 – 21. November 2010

Museum für Kommunikation Berlin

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PR-Text: Als Stefan Koppelkamm 1990 durch Ostdeutschland reiste, hatte er den Wunsch, einen Zustand fotografisch festzuhalten, von dem er annahm, dass es ihn bald nicht mehr geben würde. Nicht das Neue, die Spuren des einbrechenden Kapitalismus interessierte ihn. Ihm ging es um den Blick zurück, die Dokumentation dessen, wie das Deutschland seiner Eltern und Großeltern ausgesehen haben könnte. Gleich einem aufmerksamen Beobachter richtete er seine Perspektive dabei auf das Alltägliche der Häuserfassaden und Straßenfronten. Rund ein Jahrzehnt später suchte der Fotograf alle Orte noch einmal auf und hielt die alten Motive von den exakt gleichen Standpunkten ein zweites Mal fest.

Berlin, Tucholskystraße / Auguststraße 1992 | 2002 © Stefan Koppelkamm

Die Ausstellung „Ortszeit Local Time. Fotografien 1990 – 2004“, die vom 8. Oktober bis zum 21. November 2010 im Museum für Kommunikation Berlin zu sehen ist, zeigt 20 Jahre nach der Deutschen Wiedervereinigung eine repräsentative Auswahl von Schwarzweißfotografien aus Koppelkamms Projekt. Die ausgestellten Bildpaare dokumentieren nicht nur die tief greifenden Veränderungen in ostdeutschen Städten, sondern spiegeln zugleich den gesellschaftlichen und ökonomischen Wandel der neuen Bundesländer wider. Der in Berlin lebende Künstler Stefan Koppelkamm lehrt seit 1993 „Visuelle Kommunikation“ an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Seit den 1980er-Jahren befasst er sich mit historischen sowie aktuellen Aspekten von Architektur, Stadt und Landschaft.

Info + illus. courtesyMuseum für Kommunikation Berlin

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Gregor Stephan, Container, 2006/2010, 95 x 125 cm

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Gregor Stephan

Interventionen des Zufalls

23.10.2010 – 27.11.2010

hunchentoot, Galerie für zeitgenössische Positionen, Berlin

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PR-Text: Digitale Technologie in der Fotografie verfolgt in der Regel das Ziel, den Erstellungsprozess eines Bildes zu vereinfachen und das Bildergebnis möglichst realitätsnah zu perfektionieren. Die technologische Kontrolle führt allerdings zu einem Verlust der fotografischen Handlungsfreiheit, möglicherweise auch zu einer bildnerischen Uniformität.

Gregor Stephan, Hütte, 2004/2010, 140 x 170 cm

In seiner Einzelausstellung in der Galerie Hunchentoot nutzt Gregor Stephan die selben technologischen Möglichkeiten, um das Element des Zufalls und damit des Imperfekten in den fotografischen Prozess zu (re-)integrieren. Kontrollverlust wird zu einem Bestandteil des künstlerischen Prozesses.

Die technische Imperfektion, gekennzeichnet durch fehlerhafte Farben, Linien, Verästelungen, Kratzern, Staubpartikeln, Haaren, verlaufenden Konturen etc., erzeugt eine Distanz zur fotografierten Wirklichkeit und fordern den Betrachter auf, diese Lücke durch seine eigene Wahrnehmung zu schließen.

Anhand von Arbeiten über Orte verdichteter Zeit löst der Künstler Fotografie und fotografierte Realität aus dem üblichen Verifizierungskontext mit dem Ziel, über die Unterschiede und Gemeinsamkeiten von fotografierten, konstruierten oder reproduzierten Bildrealitäten zu reflektieren.

Gregor Stephan wurde von einer internationalen Jury ausgewählt, seine fotografischen Arbeiten auf der EXPO 2010 SHANGHAI CHINA zu zeigen. Die Arbeiten aus der Serie “The Icebergs” wurden vom 1.-31. August 2010 in der Lounge der balancity, dem deutschen EXPO-Pavillon, ausgestellt.

Info + illus. courtesy Galerie Hunchentoot

Meine erste Architekturbiennale! Nachdem ich in den letzten Jahren schon mehrere Kunstbiennalen besuchen konnte, habe ich es dieses Jahr das erste Mal zu einer Architekturbiennale geschafft. Ein Tag ist nicht gerade viel, um alles mitzunehmen, aber wir haben es geschafft, zumindest die Länderpavillons in den Giardini (ausgiebig) und das Arsenale (zügig) zu sehen. Die Eindrücke waren vielfältig und sind jetzt allmählich verdaut, so dass es an der Zeit für einen „Erfahrungsbericht“ ist: Was hat gefallen, was weniger, welche zwei Pavillons haben es in mein persönliches Best of geschafft und was hat es mit der ARTitecture auf sich? Hier kommt TEIL 2.

Mehr Fotos auf meiner Facebook-Seite.

Meine Top 2 …

Dutch Pavilion: Vacancy, Foto: SK

Dutch Pavilion: Vacancy, Foto: SK

Beeindruckt haben mich vor allem der holländische und der belgische Pavillon. Die Niederländer haben sich selbstreflexiv und mit der „Vacancy“ auseinandergesetzt – schließlich steht ihr Pavillon (gebaut 1954), wie alle anderen Bauten in den Giardini auch, den Großteil der Zeit leer und wird nur einmal im Jahr für rund drei Monate genutzt: „This building has been vacant for 39 years“, heißt es denn auch plakativ auf einem Transparent, das an der Außenwand angebracht ist. Und damit ist der Pavillon einer von tausenden niederländischen Gebäuden, die für mehr oder minder lange Zeit leerstehen.

Dutch Pavilion: Vacancy, Foto: SK

Leer ist dementsprechend auch der Pavillon selbst – betritt man den Raum, so findet man sich in einem weißen, bläulich schimmernden Ausstellungskubus wieder, nur ein Wandtext weist darauf hin, dass hier tatsächlich eine Präsentation zu sehen ist. Das bläuliche Schimmern stammt von der Decke: Auf quer gespannten Drähten schweben kleine Kuben aus dem typischen blauen Architekten-Styropor. Der Blick von der integrierten kleinen Empore des Pavillons eröffnet dann den Blick von oben auf die eingespannte „Decke“: Die Styroporwürfel sind Miniaturmodelle verschiedenster Bauten, gemeinsam bilden sie ein blaues Meer Architektur.

Dutch Pavilion: Vacancy, Foto: SK

Kuratiert von Rietveld Landscape will die Präsentation Vacant NL, where architecture meets ideas im Biennale-Pavillon auf das riesige Potenzial der (zeitweilig) ungenutzten Räume in den Niederlanden aufmerksam machen und aufrufen dazu, leerstehende Bauten weltweit intelligent wiederzunutzen – was kreativ und gelungen umgesetzt wurde.

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Belgian Pavilion: Usus/Usures, Foto: SK

Belgian Pavilion: Usus/Usures, Foto: SK

Auch gelungen ist der belgische Pavillon: Die Ausstellung „Usus/Usures“ der Brüsseler Kollektive Rotor thematisiert ein ganz zentrales Element der Architektur – den Gebrauch. Gezeigt werden gebrauchte Teile von Gebäuden – etwa Geländer, Bodenplatten, Teppiche –, die durch das Herauslösen aus dem gewohnten Kontext und die „kunstvolle“ Art der Präsentation verfremdet und überraschend ästhetisch begegnen. Meist ist es nur der Hinweis auf dem Schildchen, der verrät, worum es sich hier handelt: ein Teil einer PVC-Wand eines Bürogebäudes etwa oder ein Randstein einer Metrostation.

Belgian Pavilion: Usus/Usures, Foto: SK

Belgian Pavilion: Usus/Usures, Foto: SK

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Sehnsucht im/nach dem deutschen Pavillon?

German Pavilion: Sehnsucht, Foto: SK

Eher skeptisch beäugt wurde die Gestaltung des deutschen Pavillons durch das Büro Walverwandtschaften. „Sehnsucht“ zum Thema einer Architekturschau mag gewagt erscheinen, weil allzu fern vom praktischen Architektenalltag und allzu romantisch angehaucht. Und nicht zuletzt scheint auch das Motto des bodenständige „People meet in architecture“ nicht zum urdeutschen Sehnsuchtsmotiv zu passen. Die Kuratoren haben deutlich gemacht, was sie nicht meinen – nicht klischeehaftes Sehnen à la Neuschwanstein, sondern grundsätzliches emotionales Sehnen und Wünschen als Triebfeder kreativen Schaffens (dennoch: trotz gegenteiliger Betonungen schwingen bei einem solchen Terminus immer auch andere, nicht gewünschte Konnotationen in der assoziativen Wahrnehmung mit).

German Pavilion, Sehnsucht, Foto: SK

Der Ansatz ist interessant und ungewohnt, Baukünstler und Architekten einzuladen, sich in ihrem „ureigensten“ Medium, der Zeichnung, sich der persönlichen emotionalen Antriebsfeder ihrer Arbeit anzunähern und eine Begegnung der unterschiedlichen Ergebnisse zu kreieren. Der Besucher ist eingeladen, sich im Pavillon niederzulassen – Augenblick, verweile doch! –, die Zeichnungen zu studieren, sich zu treffen, ins Gespräch zu kommen. Die Inszenierung des Hauptraums im Pavillon erscheint mir gelungen, da sie anders daher kommt: eben nicht pompös, kein Knaller zum Auftakt, sondern dezent und zurückhaltend, mit dem Schwerpunkt auf den Sitzmöglichkeiten, die das Zentrum des Raumes einnehmen – ein ernst genommenes Reagieren auf das „People meet in architecture“, wie es in keinem andere Pavillon in der Form begegnet. (Trotzdem: dass in den vier Nebenräumen so wenig zu sehen ist, lässt den Hauptsaal etwas zu sehr zum Durchgangsraum werden, es fehlt etwas.)

Die “Overall Impression” – ein Fazit

Bahraini Show, Foto: SK

Insgesamt habe ich einige Impulse von der Biennale mitgenommen, aber die „Overall Impression“ war tatsächlich so, wie sie im Voraus beschrieben wurde: ganz nett, aber nicht nachhaltig. Der Wow-Effekt, wenn man so will, das, was einem im Gedächtnis bleibt, hat gefehlt. Vieles erschien (zu) beliebig – auch und gerade im italienischen Pavillon: Hier war konzentriert das zu beobachten, was für die ganze Biennale gilt: Es gab ein paar sehr interessante Arbeiten, die im Gedächtnis bleiben, aber eben auch sehr viele, die man gern wieder vergisst. Allerdings sei auch dazu gesagt, dass es nicht einfach ist, so einen Raum zu bespielen mit dem Anspruch, durchgehend neu-innovativ-anregend zu sein. Vielleicht muss man hier auch Abstriche machen zugunsten der Vielfalt – alle Geschmäcker können kaum getroffen werden.

At the Arsenale, Foto: SK

Ähnliches gilt auch für das Arsenale, das – wieder für mich – enttäuschend daher kam: Unglaubliche Räumlichkeiten in den Werft-Hallen, deren Inszenierung aber nicht fesseln konnte. Allerdings bin ich aus zeitlichen Gründen nur im Schnelldurchlauf durch das Arsenale gegangen und kann mir insofern kein intensives Urteil erlauben. Den Goldenen Löwen-Gewinner Bahrain habe ich aber gesehen: Der (politische) Mut, der hinter der selbstkritischen erstmaligen Präsentation des Wüstenstaats steckt, verdient Respekt! (LINK)

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Kein Biennale-Bashing …

At the Arsenale, Foto: SK

Bevor ich an dieser Stelle jedoch den Fehler mache und in ein „Biennale-Bashing“ verfalle (bei dieser Fülle an Ausstellungen kann man kaum allen gerecht werden, geschweige denn alle intensiv aufnehmen), die Gegenfrage: Was soll so eine Biennale überhaupt? Was kann sie leisten? Was erwartet man? Was würde man sich wünschen?

Problematisch war für mich dieses Jahr vor allem das Motto: People meet in architecture. Es gehe um das Sichtbarmachen von anderen Lebensweisen. Aber ist das nicht sowieso der Fall bei einer internationalen Schau? Die Kuratoren der Pavillons hatten sehr freie Hand – möglicherweise zu frei. Die Anklänge an das Motto hat man oft vergebens gesucht (sicher, das Thema ist so weit gesteckt, dass man letztlich mit etwas gutem Willen und Nachdenken bei allen Ausstellungen Assoziationen in diesem Sinne herstellen kann … Eine effektive Umsetzung und Auseinandersetzung mit einem Thema sieht dennoch anders aus). In einigen Pavillons ist das auch gelungen – Belgien etwa, das die benutzte Architektur ins Zentrum rückt, und auch dem vielgescholtenen deutschen Pavillon, der seine Besucher zum Verweilen einlädt.

Grundsätzlich aber gilt: Mit dem Leitthema hat Seijima ein sehr offenes Thema vorgegeben, das zu vielfältigen Herangehensweisen ermutigt und gleichzeitig eine Einladung an die teilnehmenden Länder ist, sich mit ihrer eigenen Architektur auseinanderzusetzen – eben nicht im typischen Bauschau-Jargon „Schaut her, was wir alles Neues machen“, sondern als grundsätzliches Hinterfragen der Lebensformen, wie sie sich durch die gebaute Umwelt niederschlagen. Das ist eine Vorgehensweise, die Respekt verlangt, eben weil die Gefahr besteht, nicht mehr kontrollieren zu können, was kommt. Für die Zukunft wünschenswert fände ich daher durchaus eine etwas klarere thematische Linie in den einzelnen Ausstellungen. Kein leichtes Unterfangen freilich – aber eben darin besteht die auch Herausforderung!

Und ein letztes: Zur ARTitecture …

"Space" in Romanian Pavilion, Foto: SK

Eine Biennale wie die in Venedig ist eben keine reine Bau-Schau (mehr) – schaut her, das machen wir, das können wir –, sondern hat nicht zuletzt auch durch das Ambiente in den Giardini und ihrer großen Schwester, der Kunst-Biennale, einen breit gesteckten Rahmen, an dem sie sich messen und reiben muss/kann/darf: Umso mehr gilt es hier, Architektur als breiter angelegtes Denken zu denken, das sich mit Fragen beschäftigt, die über das reine praktische Bauen an sich hinausgehen. Fragen zum Raum, zum Wie-leben-wir, zum Urbanismus, zum Leben in einer gebauten Umwelt, zu gegenseitigen Einflüssen, … Und gerade hier eröffnen sich über eine künstlerische Herangehensweise, die mehr Freiheiten bietet als die streng akademisch-architektonische Methodik, Möglichkeiten, Schnittstellen, Denkräume – daher gilt: Bitte auch in Zukunft mehr ARTitecture!

Meine erste Architekturbiennale! Nachdem ich in den letzten Jahren schon mehrere Kunstbiennalen besuchen konnte, habe ich es dieses Jahr das erste Mal zu einer Architekturbiennale geschafft. Ein Tag ist nicht gerade viel, um alles mitzunehmen, aber wir haben es geschafft, zumindest die Länderpavillons in den Giardini (ausgiebig) und das Arsenale (zügig) zu sehen. Die Eindrücke waren vielfältig und sind jetzt allmählich verdaut, so dass es an der Zeit für einen „Erfahrungsbericht“ ist: Was hat gefallen, was weniger, welche zwei Pavillons haben es in mein persönliches Best of geschafft und was hat es mit der ARTitecture auf sich?

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Das Medienecho war eher verhalten (wie das meist so ist, bei Großveranstaltungen dieses Kalibers). Daher habe ich mich bemüht, möglichst „uninformiert“ nach Venedig zu fahren und alles so unvoreingenommen wir möglich wirken zu lassen. Trotzdem waren die Erwartungen, nuja, mittelgroß: „Bist du auch schon auf der Biennale gewesen dieses Jahr?“ – „Nein, noch nicht … Lohnt es sich denn?“ – „Äh, nicht so …“ In dieser Form liefen einige Unterhaltungen im Vorfeld der Fahrt ab. Bezeichnenderweise fiel das Echo von Architektenseite her eher reduziert aus, während es von Künstlerseite sehr viel positiver war. Nicht ohne Grund, wie ich jetzt weiß …

Tatsächlich sind sehr viele Pavillons weniger architektonisch gestaltet, sondern künstlerisch. Soll heißen, es werden wenige Exponate gezeigt, die sich mit konkreten Fragen des praktischen Bauens beschäftigen, sondern vielmehr freiere Herangehensweisen an das Thema Architektur – manche gelungener, manche weniger. Alles in allem könnte man in Ahnlehnung an das diesjährige, von Kazuyo Sejima ausgegebene Motto sagen: People meet in ARTitecture. Für mich und den Standpunkt, den ich mit deconarch.com verfolge, also eigentlich genau richtig. Ich kann allerdings auch nachvollziehen, dass gerade Architekten von einer solchen „Bauschau“, die keine so richtig ist, eher enttäuscht sind.

Die Länderpavillons

Pavillon Kanada, Foto: SK

Es versteht sich, dass bei einer Fülle von Pavillons, die von mehr als 50 Nationen bespielt werden, einiges mehr, einiges weniger gefallen kann. Auffallend ist, dass es bestimmte Typen der Pavillongestaltung gibt, die gehäuft vorkommen. Statt eines Aha-Effekts ertappt man sich daher häufiger bei einem Déjà-vu-Gefühl.

Pavillon Ungarn, Foto: SK

Da waren durchgestylte Raumlabyrinthe, meist mit Lichteffekten in Szene gesetzt, in denen mehr oder weniger Geheimnisvolles von der Decke hing – in Ungarn etwa sozialromantisch Bleistifte (Bleistifte? Achja, die gezeichnete Linie als Ursprung jedes Entwurfs, das Handwerkszeug des Architekten, Sozialromantisch eingesammelt von Schulen im ganzen Land), während in Kanada James Cameron grüßen lässt – sehr stylisch, sehr cool, aber trotz der grundsätzlich interessanten Idee von „Hylozoic Ground“ (der kanadische Architekt Philip Beesley hat einen Wald aus Acryl-Farn installiert als Vision einer neuen Generation responsiver Architektur) etwas zu viel Sci-Fi im Avatar-Stil und zu wenig Architektur.

An sich gar nicht uninteressant, aber streckenweise schwer zugänglich geben sich viele Pavillons, bei denen man sich fragt, wo genau der Architekturbezug, wenn nicht gar eine Auseinandersetzung mit dem Motto der Biennale ansetzen will. Bei einigen helfen die Zusatzinformationen weiter – das wäre bei sehr viel mehr Pavillons ebenfalls wünschenswert gewesen –, bei anderen bleibt dem Besucher nur viel Fantasie (oder weitergehen). Polen etwa präsentierte eine cool illuminierte Raumskulptur aus – Fahrradkörben? Vogelkäfigen? Der begleitende Text liest sich zwar im Nachhinein spannend, lässt sich aber aus der Installation nicht wirklich erschließen. „Emergency Exit”? Oh, ja bitte.

Im Pavillon der Nordischen Länder, Foto: SK

Viele Pavillons sind solide gestaltet – ganz ordentlich, ohne allzu viel Neues, Überraschendes, Aufregendes zu bieten: Brasilien etwa, mit einer Ode an Oscar Niemeyer, da kann man nicht viel falsch machen, ebenso etwa auch die USA (verschiedene urbanistische Konzepte), Frankreich (was ist METROPOLIS?) und Korea (traditionelle Bauweisen in der Gegenwart).

Spanien Pavillon, Foto: SK

Damit kein falscher Eindruck entsteht: Einige Pavillons widmen sich durchaus konkret der Architektur und dem Urbanismus (allerdings sind es nicht zwangsläufig auch die interessanteren Pavillons). Spanien etwa zeigt Solarhäuser, Österreich gibt sich egozentrisch-pompös (sehr treffend kommentiert HIER), Dänemark stellt didaktisch gelungen Fragen nach der Zukunft des Städtebaus. Auch der skandinavische Pavillons ist interessant, hier darf der Besucher sogar selbst Jury spielen und Goldene Hirsche an das gelungenste Exponat vergeben, oder Japan, das sich selbstkritisch mit dem „Metabolismus“ auseinandersetzt, der vor 50. Jahren als erstes einflussreiches Architekturmanifest aus Japan um die Welt ging. Etwas zu voll präsentiert sich der Pavillon zwar, bietet dem Besucher aber dennoch spannende Einsichten – sozusagen von oben und unten, von innen und außen: Über zwei Stockwerke ist ein Haus-Modell gebaut, in das man von unten in ein „Guckloch“ eintreten kann.

Serbien Pavillon, Foto: SK

Australien Pavillon, Foto: SK

Und dann waren da noch – die Pavillons, die irgendwie cool/amüsant/interessant waren, aber irgendwie nicht so recht auf eine Architekturschau passen wollen. Australien etwa zeigt eine Disco-Laser-Licht-Show im Darkroom (ach ja, es gibt auch einen 3D-Film über Bauprojekte). Griechenland baut eine Arche mit allem Saatgut und Serbien einen Holzspielplatz für Erwachsene: Walk the plant! See you on the seesaw! Nicht wirklich architektonisch, aber definitiv der lustigste Pavillon – und genauer besehen auch einer der wenigen Ausstellungsräume, in dem man wirklich von „people meet“ sprechen konnte. Ohne Vermittlung sind diese Ideen jedoch nicht ohne Weiteres zugänglich.

To be continued …