Rediscovered: Interview with Rem Koolhaas in 2006 – or: what does an architect have to do with R. Meyer?

6 06 2009

An older interview with Dutch architect Rem Koolhaas, conducted in 2007 by German magazine Spiegel editors Matthias Matussek and Joachim Kronsbein, rediscovered by a friend of mine and still interesting to read, with some valuable insights, thus I don’t want to keep it from you.

Koolhaas tells about the CCTV project and working in autocratic Peking, the differences between himself and fellow architects like F. O. Gehry or I. M. Pei, the social possibilities of buildings, the Berlin Stadtschloss/Palace of the Republic situation – to reconstruct or not to reconstruct? – and how ugliness happens to be more interesting than beauty. And, well, about he used to write screenplays for Russ Meyer who’s rather well-known, too, for a certain kind of movie genre… (this is actually mentioned in Chuck Palahniuk‘s  “Snuff”, though a little contorted – Koolhaas wrote, but didn’t act).

Thanks for the good research, M.! :-)

Read the Spiegel interview here.




Creating a moment through the lens. Interview with Inês d’Orey

1 05 2009

As I already announced, here is the interview with young Portuguese photographer Inês d’Orey. I am happy that Inês found the time to answer some questions about her work – thanks Inês!!

Her fascinating photo series Porto Interior can still be seen at Galleri Image, Aarhus (Denmark) until May, 10, 2009. So if you happen to hang around in Denmark – don’t miss the chance!

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Fenianos 2 (from: Porto Interior), 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

Inês, what can we see at Aarhus?

The exhibition Porto Interior in Galleri Image, presents a selection of 14 large format photographs, part of my ongoing project of  representing empty interiors of public and semi-public spaces in Porto, Portugal. The photographs are exhibited in conjunction with a video projection that incorporates sound recordings of people using the spaces in the photographs.

What is your intention with Porto Interior?

Porto Interior functions as a collection of spaces that I search and find throughout the city. These interiors are photographed absent of any human presence. Familiar places like theatres, swimming pools or staircases, used by people on a daily basis, become stages for a story that is never clear, but that doesn’t need to be clear.  Through digital manipulation, I alter  the photographs subtly until I create  the atmosphere I find appropriate.

Why photography? Why did you become a photographer?

Photography, because it provides the possibility of communicating from a physical and objective reality at the same time, with a subjective subtext underneath. And those two elements put together create a really interesting provocation.

What does art mean to you, which possibilities does it offer?

What is art?

Piscina de Campanhã (from: Porto Interior), 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

How do you choose your motifs?

There isn’t a rule. I’m inspired everyday by different sources that, at a certain point, come together and result in an idea.

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

I never had any role models, specially in photography. My main influences come from cinema , painting and illustration.

In many projects, you focus on architecture, resp. rooms/interiors as well as “space” in general. Why? What does architecture / space mean to you?

Until I finished my degree in photography, I had never been particularly interested in architecture. But then, I started to work with an architecture photographer and was, in a way, „forced” to photograph space! That much delivery and exposure to architecture and being always surrounded by architects made me, slowly, start to acquire a special interest in it. And it reached the point of being, at the moment, my main interest.

What is it that you are interested in when portraying architecture/buildings and people?

The beauty of the form and light, the curiosity of the functionality, the misterious possibility of an unclear narrative.

The everyday usage of spaces tends to make them invisible, indiferent. The more you use the space, the more you ignore it. What photography does is, it selects, focuses your attention and tells you where to look.

Porto Interior, 80 x 80 cm, 2007 © Inês d'Orey

What are your ambitions with your photographs (esp. your “urban” works, but also in a broader point of view)?

I want to trigger the viewer’s imagination: what strange story is happening here? I like to think that the viewer will feel, more than rationalize the photograph.

What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

I always plan and think through before I photograph. I never go out with my camera waiting for something to happen.

I think I could say that my work conceptually stages reality.  I’m more interested in “creating a moment”, more than “catching the moment”.




Interview with Michael á Grømma

23 03 2009

I am very happy to present another interview with a young Danish artist who is working with architecture in his paintings: Michael á Grømma, whom I  mentioned a little while ago.

Actually a graphic designer,  he has found his way to painting only last year when he came back from a trip to California. His experiences there flew into his works. The impressive paintings are collages of prints of skyline photos taken in California, mostly San Francisco.

Currently he is just presenting his first solo exhibition  at Gallerie Rasmus, one of Denmark’s major galleries, in Copenhagen.

In the interview Michael tells us more about how this experiences in California inspired him to paint,  about his work in general and how he finally found his way to art – even though both his parents are artists as well :-) – and shares his ideas about two of his paintings with us.

Thanx very much, Michael!!

Interview

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Michael á Grømma, Chocolate Jesus, 2008

To start with, no I have no architectural background, but I have always had great interest in architectural design.

What is the objective of your paintings?

The “objective with my paintings,” or what I want tell with them, is a wide variety of things…

It all started when I visited California last year (2007). I loved the cities and I loved the whole vibe and feel of the place, and also the people living there.

It inspired me a lot, and when I got home I wanted to tell people about my experience! Painting was a very natural choice of expression, and all of my motives are in someway connected to my experience in CA. I also include things like my huge fear of flying, and therefore the dilemma of me wanting to go back to visit again. There’s also a lot of my general view on things such as religion, and the big city versus the country. I grew up in a small boring town in the country side of Denmark, and I have always wanted to move to Copenhagen. There is a lot about that “struggle” in my motives as well. Last but not least I have played music most of my life, and music has a big part in some of my paitings as well. For example I often use songtitles as titles for my paintings, and even some times do interpretations of songs.
I guess you can compile it all down to that my paintings are about me, and what I think.

The highrise buildings in your paintings, are they painted or is it collage?

The buildings are prints of pictures I took during my trip to California. Most of them are from San Fransisco, but a few are fom L.A.

I’m really looking forward to going back and getting new photographs to work with.

Since your work also deals with urban situations: What do you think about the recent urban developments? What about San Francisco in particular?

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Michael á Grømma, Coast of California, 2008

Well I must admit that I don’t know much about the urban developments in San Fransisco, but I can tell you about my impression of the place when I visited.

My very first impression was that it was a very dirty town and that it had just a bit too many poor people begging for money… it seemed so sad.

But after a while I came to like the city more and more. It has some of the most amazing bars and some fantastic architecture, and then of course the landscape which the city is built upon makes it incredible! When you get to higher grounds and can look down on how the houses are built on these massively steep hillsides, it looks great with the small roads running between the houses down these steep hills.

With that being said the tourism has taken over a bit too much in some places like for example the pier.

But all in all I love the city, and especially the nightlife with the most amazing bars I have ever visited. :)

Most of the photographs I use in my paintings were taken in San Fransisco.

Could you tell us something about particular paintings?

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Michael á Grømma, God is in the House, 100 x 100 cm, 2008

God is in the house
This painting has a specific “concept”. It is an interpretation of a Nick Cave and The Bad Seeds song called “God is in the house”.

I was working on this painting, and couldn’t really see where I wanted to go with it. I started playing songs on my iTunes playlist, and the Nick Cave song came up. The lyrics just captured me, and I sat down and started to read through them trying to “understand” them and get my own view on them. Then I started painting ideas from the lyrics, with this manlike face in the top right corner looking down on the world, hanging right above this small town, where all the houses look alike and the church is the “main attraction”. Then I added the contrast to that small town via the big city print, and thereby added a bit of where I originally came from and where I wanted to go. I have always hated the boring life of the country, and have always wanted to leave for the big city.

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Michael á Grømma, The holidays are here and we're still at war, 120 x 100 cm, 2008

The Holidays are here and we’re still at war
Again this is an interpretation of a song by the American sing-a-song writer Brett Dennen. The title really says it all, and I have tried to capture that obscure reality in the painting.
But with this painting, and in almost every painting I do, this is not the only thing it’s about. It’s just the “main theme.” The painting also portrays what I like about the city, and what most people dislike about the big cities (like dirt, graffiti tags & crowded roads) is what makes it interesting to me.
If you look closely and use your imagination, you can find many other small “stories” hidden in the painting, and that is really something I try to do a lot – not just to have one thing, but multiple small stories in my paintings, and lots of things that calls for the viewers imagination.

A general question: Why art?

Because it doesn’t set up perimeters that I have to stay within, it offers total creative freedom!

And why painting in particular? How did you find your medium?

The thing is that my mom is a pretty well known painter here in Denmark, and my dad paints as well, so I have grown up with it. I guess that’s why it came so natural to me. Then I am an educated visual designer, so looking at colours and compositions are not new to me. They just used to be on a computer screen… :)

So who is your mother?

My mom is called Majken á Grømma, and she is probably most known for her landscape paintings of the Faroe Islands. She also does ceramics, where she uses her paintings directly on the ceramic. Her website is www.majkenagroemma.dk

How you want to go on? Any particular interest want to follow?

Well I have planned to go back to USA within a year to visit new places like New York. I really want to try to use some of the massive buildings from New York in my paintings.

Also just going there with the works in mind, contrary to last time where it was pure holiday. I only got the pictures of the buildings by chance, while taking “tourist” pictures. Next time I can go look at the place and the buildings with the knowledge, that they are going to be used in my paintings. I’m really looking forward to what that is gonna bring to my work.

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Michael á Grømma

My ambitions are to get recognized as a serious professional artist, and hopefully continue being able to earn a living off of it.

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

Well I don’t know if I have any particular “role model”, but a lot of different artists have influenced my work, starting of course with my mom and dad. But the first artist who really got to me was Robert Rauschenberg. I was stunned by the massive paintings and great use of colour the first time I saw them at an exhibition at AroS (Aarhus art museum).

Also the fact that he used photographs and foreign objects really caught my interest.

I am also a big fan of Andreas Golders work and lately I’ve discovered an American artist called Rosson Crow.

What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

The thing that I love the most about my work is when it is exhibited and families bring their children to the exhibition. It often happens that the children are dragged around by their parents and just moan about wanting to go home. But very often it happens that when the children see my paintings and see the small funny men jumping in parachutes or flying with balloons, they light up and start searching through the paintings for more funny stuff that they can relate to. That I think is amazing and I can really relate to the children as well. I have been that child who didn’t have any interest in art whatsoever and was dragged along by the parents. :) Of course, now I’m glad they did, but back then I hated it, and thought it was boring! :)

Children are so impulsive. They don’t like or dislike a painting because of the artists’ name and are not that controlled by rules and regulations! I think it’s amazing that children like my paintings! :)

Where can we see your works?
Well, every exhibition I have is related to Gallerie Rasmus. I just recently finished my first solo show in Copenhagen, and the next thing I have coming up is in Skagen (Denmark) with Gallerie Rasmus also.
You can follow me on facebook or check www.gallerie-rasmus.dk (danish language) for updates on upcoming exhibitions.

How did this cooperation with Gallerie Rasmus happen?

My paintings were standing at my mom and dad’s place, because I live in a small apartment, so I don’t have room for many paintings at the time… and then Rasmus came by my mom to pick up some of her paintings and he saw mine… and I guess he was hooked instantly :)

And some personal questions at the end:

Who is / are your favourite artist / s ?

I kind of mentioned it earlier, but I would have to say Robert Rauschenberg and Andreas Golder.

Where is your favourite museum / gallery /….? Or: Which exhibition / exhibition space impressed you most lately?

The MoMA in San Fransisco is the best museum that I have visited but in close combat with a museum that I visited in Los Angeles for a Dali exhibition, I just don’t remember its name… But the museum that has always been my dream to visit is the MoMA in New York and also Guggenheim.

(© of all illustrations: Michael á Gromma)




Interview Junebum Park

10 02 2009

I am glad to present you a new interview with an aspiring young and innovative artist from Korea: I introduced Junebum Park’s work a little while ago – actually, he’s been one of my first articles I published on this blog. Park words especially with video (montage). Remarkable are the “almighty” hands that interfere with the real world sceneries shown in the videos. Thus the world suddenly appears as a toy world en miniature, steered from outside.

((Videos found on youtube – not the best quality but gives a general idea of what the videos are like))

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=nS3W9YOuh5A]

His works play with our perception. Even though the videos might appear of simple, amusing working at first – like cartoons played in fast motion -, they soon arise as multi-faceted, critical comments on the global culture. As I’ve written before:

What I like about June Bum Park’s works is how multi-faceted they are, more than you would expect. They can be read as a comment on Korean culture as well as on generall global issues. Furthermore, not only has Park found a way of presenting his sujets in a humorous way – no wagging finger, even though the critical point of view is obvious -, but also has he developped a means of dealing with out way of perception.

So please read on about Junebum Park’s comments on how he chooses his motifs, how traditional Korean art influenced him (or not), and what it is all about with the hands.

((Illustrations taken from Galerie Adler/Website.))

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How do you choose your motifs?

I find motifs from everyday life’s impacts and phenomena such as religious conversation with family, evening news, loss insurance, high-tech devices, form and use of space and so on.

Do your include a political / social critical connotation in your works?

Yes, I do.

What are your ambitions with your works?

I want my life to be filled with creation and impression forever.

25 min Parking, 2001-02, 6mm DV, 5:25 min

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

How important is the traditional Korean art for you – both the classical-traditional arts of the past centuries and Nam June Paik whose work has become something like a “modern tradition”. In Germany, whenever you talk about Korean art, you associate his name. So, as you work with video, too, has Paik influenced you and if yes, how?

Indeed, I have no connection with Korean arts more than one hundred years before. There were only cultural assets surrounded by books and fence. So, I had to interest in modernity of Korea. On the other hand, Nam June Paik is a modern person who is familiar with Korean traditional art and he undergoes change of times as the previous generation.

Nam June Paik and I have three things in common: similar name with trisyllabic word, Korean, video art. Nam June Paik is kind of a cultural assets for Korea, same as for me. When I was student, I have studied Bill Viola and Matthew Barney. I want my work to remind of Francis Alys and Roman Signer.

About your working technique:

Why video? What are – in your opinion – the advantages of the medium film/video? Do you use other techniques apart from video?

Video is the low-priced device and convenient to move. Tiny hard disks can save many works with the best quality. Of course, I choose video because I decided that my works need to capture motion and development of time. I will call other mediums for necessity of work.

Crossing, 2002, 6mm DV, 1:43 min

The videos usually show “real world situations” which you have filmed. Later you rework these films and “add” the moving hands. Is it your own hands that can be seen in the videos?

Most of hands are mine and all of them recorded in situ. In some cases, I get some help from my friends. For example, two hands of “1 parking” are; one of hands is mine and the other is my friend’s. There are two types of moving hands: Hands to perform and hands to construct. “1 parking” is the former, “making an apartment” is the latter.

Why hands? Does the hand from “above” has a particular meaning to you? As you know, the motif is very common in Christian iconography. Did this influence you?

I remember “Hand in handcuffs holding the planet”, one of the famous illustrations from Holy Bible. Besides, I can judge far and near by my hands when I take picture. In my work, “order”, “rule” or “agreement” can be represented instead of “hands”.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=4nrLAoGUl_4]

In several projects of yours, architecture and in a wider sense, man-made constructions and urban situations (streets, parking lot, construction sites,..) play an important role. What is it that you are interested in when you portray architecture/buildings and urban situations?

I still want to be an architect. I like city planning, figure, mathematics, and Plastic model, Lego. The important thing is that I am newly interested in radical contemporary art and socio-critical point of view.

Since your work deals with urban situations: What do you think about the recent urban developments?

I can talk about Seoul. Here it is corrupting cleanly. I think it’s mental derangement level.

And finally: What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

Theatrical distanciation (Alienation effect / Verfremdungseffekt), Anamorphosis of Perspective, Gestalt approach, Multiple Perspective.




Interview Sven Hamann

3 02 2009

Was passiert, wenn ein Architekt Kunst macht?

Ein weiterer Architekt und Künstler, der sich mit dem Verbindung von Architektur und Kunst beschäftigt, ist Sven Hamann, den ich vor Kurzem vorgestellt habe. Ich freue mich sehr, ihn und seine Arbeit im folgenden Email-Interview näher präsentieren zu können.

(Abbildungen © Sven Hamann)

o.T. - #095_16080_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 160/80 cm

Wieso wird ein studierter Architekt Künstler?

Um das zu beantworten muss man noch einen Schritt zurückgehen und sagen, warum ich Architektur studiert habe. Mein Wunsch, kreativ zu arbeiten, stand von Anfang an im Vordergrund – in welcher Ausprägung das sein sollte, war mir zu Studienbeginn selbst nicht ganz klar. Entsprechend war ich mir unsicher bei der Wahl des Studiengangs. Doch schnell merkte ich, dass mich das Thema Architektur fesselte – daran hat sich bis heute nichts geändert. Ich habe also mein Diplom gemacht und begann nach einer Phase mit Wettbewerben (auch im Bereich der Kunst) als angestellter Architekt zu arbeiten. Dabei merkte ich aber sehr schnell, dass der Berufsalltag wenig Spielraum für Kreativität in meinem Sinne zuließ und meinem Wunsch, eigene Ideen zu verwirklichen, durch gesetzliche Vorschriften und Bauherren starke Schranken gesetzt wurden. Da mein damaliger Arbeitgeber selbst auch erfolgreicher Künstler war, hatte ich einen guten Einblick in die Praxis eines Künstlers. Das war der Anfang.

Wer war dieser Arbeitgeber?

Das war der mittlerweile verstorbene Prof.Klaus Neuper, ein bekannter Maler.

Wie ging es nach dieser ersten Begegnung mit der Praxis eines Künstlers weiter? Hast du eine Zeit lang als Architekt und Künstler parallel gearbeitet oder schnell den Sprung ins kalte Wasser gewagt und nur als Künstler gearbeitet?

Was die Architektur angeht, gab es dann einen harten Schnitt. Als Architekt zu arbeiten und das gleiche Thema künstlerisch umzusetzen war für mich ein Widerspruch. Natürlich konnte ich nicht von meiner Kunst leben, sodass es noch andere Einkommensquellen gab.

Seit 2002 bist du freischaffender Künstler, nachdem du davor ein paar Jahre als Architekt gearbeitet hast. Wie beeinflusst das Architekturstudium bzw. die Architektur deine Kunst, etwa bei der Arbeitsweise und/oder bei der Themenwahl?

o.T. - #092_6080_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 60/80 cm

Sven Hamann: o.T. - #092_6080_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 60/80 cm

Als ich den Beruf des Architekten ausgeübt habe, wurde mir bei vielen Projekten bewusst, wie wenig sich Bauherrn mit dem Thema und der Theorie der Architektur auseinandersetzen. Entsprechend schwierig waren für mich die Bauvorhaben, da ich es mit den mir vorhandenen Mitteln nicht schaffte, für das Thema Architektur zu sensibilisieren. Ganz anders in der Kunst – hier kann ich mich unabhängig von äußeren Anforderungen auf einen Aspekt konzentrieren und diesen ausarbeiten.

Du möchtest für das Thema Architektur zu sensibilisieren: Welche Ziele verfolgst du mit deinen Arbeiten?

Ich möchte die Menschen für das Thema der Architektur begeistern und sensibilisieren und den Blick des Betrachters für Architektur schärfen.

Warum ist es nötig und wichtig, den Blick für Architektur zu schärfen?

Welche Bedeutung hat Architektur für uns?

F08_060R - Fotografie 2008, 75/50 cm, Auflage 3+1

Sven Hamann: F08_060R - Fotografie 2008, 75/50 cm, Auflage 3+1

Wir sind in unserer Zivilisation permanent mit Architektur umgeben, verbringen einen Großteil unseres Lebens darin – allein dadurch ergibt sich schon der zwingende Bedarf, sich der Thematik zu stellen. So wie wir uns beispielweise mit dem Thema Mode beschäftigen, das uns unmittelbar auf der Haut betrifft, wünsche ich mir eine Auseinandersetzung mit der räumlichen Hülle, die uns als Menschen umgibt. Ich würde sogar so weit gehen zu sagen, dass das Thema Architektur bereits in der Schule stärker eingebracht werden müsste. Vielleicht könnte man so auch eine intensivere Auseinandersetzung erreichen, was mein Anliegen wäre – ich möchte keine Meinung vorgeben nach dem Motto: Das ist gut und dies ist schlecht – sondern animieren, sich auseinanderzusetzen und ein eigenes Urteil zubilden.

Ein interessanter Gedanke, Architektur schon in der Schule stärker einzubringen. Ich möchte gern später darauf zurückkommen.

Zunächst aber zurück zu deinen Arbeiten. Mittlerweile bist du seit 6 Jahren freischaffender Künstler und arbeitest sowohl mit Fotografie als auch mit Malerei. Warum diese beiden Medien Fotografie und Malerei?

F07_021 - Fotografie 2007, 40/30 cm, Auflage 5+1

Sven Hamann: F07_021 - Fotografie 2007, 40/30 cm, Auflage 5+1

Es gibt Aspekte, die kann ich besser mit der Fotografie transportieren, andere mit der Malerei. Mein Anfang in der Fotografie war auch in meiner Studienzeit – ich glaube, es gibt kaum einen Architekturstudenten ohne Kamera. Hier stand der dokumentarische Aspekt im Vordergrund. Schnell merkte ich aber, dass natürlich die Art der Perspektive entscheidend ist, wie und was der Betrachter wahrnimmt. In der klassischen Architekturfotografie wird meist mit Perspektive gearbeitet, um die räumliche Situation festzuhalten. Mir geht es aber in meiner Fotografieserie, die mittlerweile auf fast 70 Arbeiten angewachsen ist, um die Fassade. Die von mir gewählte Perspektive, die eigentlich gar keine Perspektive ist, sondern ein frontales zweidimensionales Abbild der Fassade, erzwingt eine Beschäftigung mit der Fassade, da der Blick nicht der Perspektive zum Fluchtpunkt folgen kann, da es keinen Fluchtpunkt gibt. Also ein Spiel mit der Wahrnehmung des Betrachters, um gewohnte Seh-Muster aufzubrechen.

Ein Verfremden der gewohnten Seh- und Sichtweisen?

Ich glaube, Verfremden ist nicht der richtige Begriff – es ist eher ein Zwingen zu einer anderen, direkten Sichtweise. Auch der Sichtweise des Architekten beim Prozess der klassischen Fassadengestaltung.

Auf die Fassaden komme ich gleich zurück.

Die Fotografien haben keine Titel, nur einen Nummerncode. Warum?

Die Fotografien sind eine umfangreiche Serie, die in den letzten Jahren seit 2006 entstanden sind. So wichtig mir jede einzelne Fotografie, jede einzelne Fassade ist, so wichtig ist mir letztendlich die Gesamtheit, die Serie. Dabei ist ein ganz wichtiger Aspekt das Lösen der Architektur aus ihrem baulichen Kontext – sprich, das Extrahieren aus der Umgebung der gezeigten Architektur. Nur dadurch ist ein ortsunabhängiger Blick und ein Vergleichen möglich. Es gibt zum Beispiel die typischen Plattenbaufassaden in Ostdeutschland. Genau den gleichen Typus findet man aber auch in fast jeder westdeutschen Stadt, nur nicht so gehäuft.

Deswegen lässt auch der Code, der den Titel ersetzt, einen Schluss auf den Ort nicht zu.

Wie und warum kam dann die Malerei dazu?

Wie entsteht ein Gemälde? Wird es inspiriert von den Fotografien?

o.T. - #091_8060_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 80/60 cm

Sven Hamann: o.T. - #091_8060_08, Mischtechnik auf Leinwand 2008, 80/60 cm

Die Malerei war von Anfang an ein Medium, das ich nutzen wollte, da es mir andere Möglichkeiten bietet als die Fotografie. Die erste Phase war geprägt durch viel Probieren, mit welcher Technik ich meine Ideen am besten transportieren konnte.

Ich werde oft gefragt, ob ich meine Fotografien in der Malerei „umsetze”. Es ist jedoch kein Kopieren in das Medium der Malerei, sondern eine abstrahierte Inspiration, die auch formale Gründe hat.

Nämlich welche?

Proportionen, Material, Farbe, Geometrie.

Kommen wir zurück zu den Fassaden, die in deiner Arbeit eine wichtige Rolle spielen.

In gewisser Weise werden deine Gemälde „gebaut”, nämlich geschichtet und durch typische „Baumaterialien” geformt (Lehm, Sand, Zement). Hat dieser Gedanke eine Rolle gespielt bei der Entscheidung, mit diesen Materialien zu arbeiten?

Andeutungen - #041_LW_2430_1006, Mischtechnik auf Leinwand 2006. 24/30 cm

Sven Hamann: "Andeutungen" - #041_LW_2430_1006, Mischtechnik auf Leinwand 2006. 24/30 cm

Ich habe schon im Studium viel gezeichnet und auch skulptural gearbeitet – es kam dann die Phase, in der ich viel probiert habe. Es fing an mit Wandobjekten aus Stahl, wobei mich hier der Prozess des Rostens (Thema ästhetischer Reiz des Vergänglichen) interessierte. Es folgte eine Phase mit Objekten aus Beton, bis ich schließlich bei meiner momentanen Technik gelandet bin, mit der ich sehr gut das Thema der Fassade und dem „Dahinter” transportieren kann. Dabei war es für mich immer sehr wichtig tatsächlich auch mit Materialien zu arbeiten, die einen starken Bezug zur realen Architektur haben.

Das „Dahinter” der Fassade – wie meinst du das? Den Raum hinter der Fassade oder das Material, aus dem die Fassade aufgebaut ist?

Das rein Bautechnische – wie ist tatsächlich eine Fassade aufgebaut – spielt eine untergeordnete Rolle. Allerdings kann ich hier durch die Materialität und durch das haptische Moment meiner Arbeiten auch dafür sensibilisieren.

Mein Fokus liegt in der Malerei jedoch auf dem Individuellen, was hinter der gebauten Fassade liegt: Das, was sich uns in Ausschnitten durch die Fassadenöffnungen zeigt. Es sind zwar „nur” Ausschnitte und kleine Einblicke, die uns aber sehr viel sagen über das, was sich dahinter befindet – und damit meine ich nicht (nur) das Materielle, sondern den Menschen und letztendlich unsere Gesellschaft, denn Architektur ist die Hülle unserer Gesellschaft.

Arbeitest du – neben Fotografie und Malerei - auch mit anderen Medien?

Ich werde im Februar am Kunstpreis Langwasser in Nürnberg teilnehmen – das Thema: „Urbane Welten”. Dabei werde ich die gesamte Serie der Fotografien als Projektion zeigen. Die Projektion hat für mich zwei Vorteile: Zum einen natürlich die Größe und damit die Präsenz im Raum, zum anderen ergibt sich hier ein ganz neuer Aspekt – nämlich die Interaktion zwischen Betrachter und Projektion in dem Sinne, dass sich je nach Standpunkt des Betrachters sein Schatten auf der Fassade zeigt. Dadurch stellt sich der Rezipient auch eher die Frage: Was hat die Architektur eigentlich mit mir zu tun? Wie beeinflusse ich Architektur?

Das ist der Anfang von raumbezogenen Arbeiten, an denen ich momentan arbeite. Es gibt noch andere Ansätze und Ideen, es wäre aber verfrüht, über diese im aktuellen Stadium zu sprechen.

Wer und/oder was beeinflusst deine Arbeit? Gibt es bestimmte wichtige Vorbilder?

Meine Technik in der Malerei habe ich zum ersten Mal bei Prof. Klaus Neuper gesehen, bei dem ich ja nach meinem Studium als Architekt und Assistent gearbeitet habe. Auch andere bekannte Künstler haben einen sehr „materialistischen” Malstil wie zum Beispiel der Italiener Giorgio Celiberti oder Antoni Tàpies. Das sind aber reine Vorbilder zur Technik. Beim Thema und der Formensprache habe ich keine konkreten Vorbilder. Wichtig für mich sind meine europaweiten architektonischen Fotografiereisen, die Grundlage meiner künstlerischen Arbeit sind. Durch das Fotografieren und den darauf folgenden Prozess habe ich eine extrem intensive Auseinandersetzung mit der jeweiligen Architektur. Das fängt an bei der Motivwahl, dem Ausschnitt, der passenden Tages- und Jahreszeit, geht weiter über die Belichtungsmessung, die Auswahl der Dias, das Scannen und die ganz wichtige Bearbeitung der digitalen Daten am Computer.

Eine letzte Frage: Was ist deiner Meinung nach charakteristisch für deine Arbeiten?

Die geradlinige Auseinandersetzung mit dem Thema Architektur.




Aktuell: Interview mit Barbara Rapp

14 01 2009

Dies passt zwar nicht ganz zum Thema Architektur, aber zur Kunst umso mehr:

Barbara Rapp, Rotkäppchen nimmt heute die Fäden in die Hand, Collage und Acryl auf Papier, 30 x 40cm, 2008 © Barbara Rapp

Barbara Rapp, Rotkäppchen nimmt heute die Fäden in die Hand, Collage und Acryl auf Papier, 30 x 40cm, 2008 © Barbara Rapp

Gerade ist ein Interview von mir mit der österreichischen Künstlerin Barbara Rapp über ihre Ausstellung “Rotkäppchen nimmt die Fäden in die Hand” in Berlin auf der Seite der “Freunde der Künste” erschienen (Link).

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Barbara Rapp

Rotkäppchen nimmt die Fäden in die Hand

C O L L A G E N

(Betrachtungen.Erzählungen)

Vernissage am Donnerstag, den 5. Februar 2009 um 19 Uhr

bis 21. Februar 2009

Galerie am Gierkeplatz, Berlin-Charlottenburg




Email-Interview Karl-Heinz Bogner

29 09 2008

Ich freue mich sehr, euch ein neues Interview präsentieren zu können. Vor einiger Zeit habe ich Karl-Heinz Bogner vorgestellt, einem studierten Architekten, der mittlerweile als Künstler erfolgreich ist. In seinen Arbeiten thematisiert (u.a.) Raumfragen.

Arbeiten von Bogner werden übrigens im Oktober im Forum für Kunst und Architektur in Essen zu sehen sein.

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Wieso wird ein studierter Architekt Künstler?

Vor und auch während meines Architekturstudiums beschäftigte ich mich viel mit freier Kunst. Neben den Entwürfen und Semesterarbeiten setzte ich mich mit Malerei und Freier Grafik auseinander. Mein Bedürfnis, mich mit freikünstlerischen Mittel auszudrücken, wuchs im Laufe der Zeit. Nach meinem Studium war mir klar, dass es mich mehr zur freien Kunst zog als in die Architekturpraxis. Ich konzentrierte mich dann zunächst hauptsächlich auf Malerei.

Arbeiten Sie auch als Architekt?

Nein, ich arbeite nicht in der Baupraxis und habe bisher auch kein Haus gebaut.

Wie haben Sie zu Ihrer Arbeitsweise gefunden – und: Wie beeinflusst das Architekturstudium bzw. die Architektur Ihre Kunst? Bei der Arbeitsweise, bei der Themenwahl?

Meine heutige Arbeitsweise hat sich im Laufe der letzten Jahre entwickelt. Das Architekturstudium beeinflusst mich hierbei bis heute, auch weil die Auseinandersetzung mit Raum in Zeichnung und Modell ein zentraler Bestandteil des Studiums ist. Zudem hat das Studium mich für den Umgang mit Form und Raum sowie für deren Wahrnehmung sensibilisiert. In meinen Arbeiten, ob Bild oder Architekturobjekt, beziehe ich mich auf Architektur, die ich als Ausdrucksträger verstehe. Meine hierbei verwendeten Instrumente in meiner künstlerischen Arbeit sind neben Zeichnung und Modell auch die Malerei.

In meinen Objekten, die den Charakter von Architekturmodellen besitzen, setze ich mich mit verschiedenen Raumthemen, wie z.B. „Rückzugsraum“, „Schutzraum“ oder „Zwischenraum“, auseinander, Themen, die auch in der Architektur eine Rolle spielen.

Die Auseinandersetzung mit Raum und Architektur beeinflusst auch meine Malerei, in der zum Beispiel Formelemente auftauchen können, die entfernt an Gebäudeteile oder -fragmente erinnern.

Wo liegen Vorbilder für Ihre Arbeit, welche Einflüsse finden sich in Ihrer Arbeit?

Die Form- und Bilderwelt von Industriearchitekturen, Hafenanlagen, Steinbrüchen, Gebäuden im Rohbau oder auch Baustellen – also auch das nicht Fertige, das Fragmentarische – sind für mich Inspirationsquellen für meine Arbeit. In der Auseinandersetzung mit solchen Orten entsteht in mir eine Art „ inneres Archiv“, das ich in Bildern, Zeichnungen und Architekturobjekten umsetze. Aber auch eine Landschaft, ein Film oder ein Musikstück können für mich Aspekte beinhalten, die in meine Arbeiten einfließen.

Und noch eine „philosophische“ Frage: Welche Bedeutung hat Architektur / Raum  – für Sie, für uns?

Ich denke, dass Architektur und überhaupt unsere gesamte gebaute Umwelt unser Leben mehr beeinflussen und prägen, als wir uns bewusst sind, auch weil wir sehr viel Lebenszeit in gebauten Räumen verbringen.

Darüber hinaus hat Architektur und Raum für mich eine zentrale Bedeutung, weil eben darin eine Vielfalt an Themen beinhaltet ist, auf die ich mich in meinen Arbeiten beziehe. Das Erleben und Wahrnehmen von bestimmten Räumen, Architekturen und Atmosphären regt mich zu künstlerischen Prozessen an.




Email-Interview Julio Bittencourt

27 06 2008
Some time ago I told you about a young Brazilian photographer, Julio Bittencourt, and mentioned his work “Prestes Maia 911″. I’m very happy that he found the time to answer some questions for me in detail and I’m glad to share them with you. Thanks, Julio! :-)

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(for pictures please use the links provided or go directly to www.juliobittencourt.com)

Simone: What is it that you are interested in when portraying architecture/buildings and people? Also, when portraying urban situations?

Julio: I’ll start from the second question. Urban situations interest me for many different reasons. The first and most important one is because I grew up in São Paulo (Brazil), a city today with 16 million inhabitants, then moved to New York where I spent my adolescence.

I think that can explain a lot of where my interest comes from. In such huge cities like those, you find different ethnical groups (in the case of Brazil really mixed), social classes, landscapes of ‘opposite worlds’ many times only a few blocks and minutes from each other. In my view, architecture is between / among all of that and plays a very important role in bringing together such differences and more often creating larger distances between people and their environment and everything else that comes with that.

In the works you’d mentioned (i.e. As quarto direcoes, Deixei uma carta pra você, Caminhante, Prestes Maia 911) I tried to show in different ways the ‘barriers’ that architecture creates to divide, separate all this diversity, many times creating ‘big gaps’ inside these societies. How architecture in many different ways goes way beyond lines, shapes, forms and light when it comes across people’s lives for good and bad.

S: What do you think about the recent urban developments?

J: Hard to know where they are going, which I guess makes me as a photographer want to follow it and who knows, maybe find out a few. Still I find them very interesting. São Paulo, for example, is definitely amongst the cities which grew the most during the last 20, 30 years. There are literally different worlds inside this huge urban area. Something I think will happen each time more in urban centers is the miscegenation of its societies as we have here in São Paulo, for example. Due to technology mostly, the world is becoming smaller each time, making distances shorter and shorter.

S: What are your ambitions with your photographs (esp. your “urban” works, but also in a broader point of view)? What is it that you want to “catch” with your pictures?

J: Don’t know if I can answer that question today or ever will. I guess this is what keeps me going. Just as I do with my photographs, the idea of asking seduces me more than trying to answer them. Of course, you look for answers and sometimes we find some, but we definitely end up finding more questions and the more questions we ask, more deeply inside any subject we get.

More questions to me means better discussions and maybe answers. Photography isn’t different. I think my answer regarding my ambitions would be to ‘keep asking’ with my photographs and hopefully people will do the same when they see them. Make people think, ask and discuss is already a huge challenge.

S: How do you choose your motifs?

J: I really don’t know and would love if someone could tell me that. Motifs come from everywhere and mostly anything. Books you read, movies you watch, people you know, people you meet, places and things you see. Your own life. I think there isn’t one place where they come from. Although you choose the stories you want to tell, in my case with photographs, the initial idea is almost never something rational. It becomes rational afterwards when editing.

S: How do you take/compose your photographs – spontaneous “snapshots”, attentively planned shoots,…?

J: It depends on the story, on what, how and why you want to shoot and show something. I have different works (some are not in the website yet), where I’ve done both things approaching different subjects. I like mixing them a lot. I really don’t like to put labels in what I do neither ‘get stuck’ with a ‘recipe’ that worked for an specific project.

S: Digital or “classic” photographs?

J: Also depends on the work. More digital today, but I also shoot some works in large format.




Islands + Ghettos, Kunstverein Heidelberg

15 05 2008

Ein ambitioniertes Ausstellungsprojekt, über das ich in der nächsten art info berichte, zeigt zur Zeit der Heidelberger Kunstverein:

Das Projekt thematisiert aktuelle Phänomene in der Stadtentwicklung weltweit. Dabei dreht es sich um die Tendenzen zur Ghettoisierung und Inselbildung in den Megacities, die in den letzten Jahrzehnten entstanden sind. Schwerpunkte der Ausstellung bilden Dubai und Caracas, zwei Städte, in denen sich die genannten Entwicklungen in einer Extremform beobachten lassen (auf beide Städte werde ich noch einmal in eigenen Beiträgen eingehen).

Im Rahmen des Projektes haben sich verschiedene Künstler – nationale wie internationale, bekannte wie noch wenig bekannte – mit Dubai und Caracas sowie mit anderen urbanen Agglomerationen, wo ähnliche Phänomene zu beobachten sind, beschäftigt. Die Ergebnisse ihrer Arbeit werden ab Juni 2008 im Heidelberger Kunstverein zu sehen sein.

Das Ausstellungsprojekt in in 5 Phasen angelegt:

click click | PROJEKTRAUM | 29.02.-18.05.2008
click click | VORTRAGSREIHE | 23.04.-02.07.2008
click click | AUSSTELLUNG | 06.06.-31.08.2008
click click | SYMPOSIUM | 07.06., 16.07., 17.07.2008
click click | KATALOG | ERSCHEINT AM 01.07.2008

Das Projekt ist groß angelegt – das größte, das der Heidelberger Kunstverein seit langem veranstaltet – und arbeitet nicht nur mit dem Mannheimer Kunstverein, dem Ernst-Bloch-Zentrum LU und der Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg zusammen, sondern hat als Recherchepartner auch die American University of Sharjah und den Caracas Urban Think Tank gewonnen.

Wichtige Vertreter dieser Institutionen werden im Rahmen der Vortragsreihe (Phase II) Vorträge zum Thema halten.

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Weitere Informationen finden sich auch im Interview, das ich mit dem Leiter des Kunstvereins, Johan Holten, geführt habe und das ebenfalls in der nächsten art info veröffentlicht wird.




Interview: This world is not my home (Ausstellungsprojekt in Berlin von Bonaventure S. B. Ndikung)

28 04 2008

Ein interessantes Ausstellungsprojekt, das im September/Oktober ( 01.09.-07.10.08 ) im Kunsthaus Tacheles in Berlin stattfinden wird, befasst sich mit dem Thema „This world is not my home“ – diese Welt ist nicht mein zu Hause, meine Heimat.


Was ist Heimat?

Der Geburtsort oder der Ort, an dem man die meiste Zeit seines Lebens verbracht hat? Die eigenen vier Wände?

Ist Heimat an Räumlichkeiten gebunden?

Kann ich mehrere Heimaten haben oder meine Heimat aus mehreren „Orten“ bestehen?

Und was ist, wenn ich mich nirgendwo heimisch fühle – heimisch fühlen darf? Was muss gegeben sein, damit ich mich heimisch fühlen kann, damit diese Welt doch meine Heimat ist?

Die Problematik um den Begriff „Heimat“ ist nicht einfach. Schon bei den Romantikern war die Suche nach der Heimat eines der zentralen Themen. Ernst Bloch hat im „Prinzip Hoffnung“ ein utopisches Verständnis von der Heimat als „Noch-Nicht“ entworfen, Martin Heidegger kann gar als „Heimatphilosoph“ bezeichnet werden (– was auch immer letztlich damit ausgedrückt werden soll, zumindest spielen Begriff wie „Heimat“ und „Heimkehr“ in Heideggers Gedankengebäude eine bedeutende Rolle).

Heimat als Beziehung zwischen Mensch und „Umraum“ – Umwelt, Umgebung, Umfeld?

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Ich freue mich sehr, dass ich mit dem Kurator der Ausstellung „This world is not my home“, Dr.-Ing. Bonaventure S. B. Ndikung, ein „Chatgespräch“ über sein ambitioniertes Ausstellungsprojekt führen konnte:

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„This world is not my home“ – das Thema ist nicht einfach und auch ein wenig provokant. Wie kam es zu dieser Fragestellung?

Ich werde täglich mit Heimatgeschichten konfrontiert. Ich lebe in Berlin – eine Multikulti-Stadt, aber auch eine Stadt, in der man täglich Geschichten über rechtsextremistische Übergriffe hört. Da stellt man sich oft die Fragen: Ist das hier meine Heimat? Wo ist meine Heimat? Reicht diese Welt überhaupt als Heimat? Und wenn ja – was machen wir daraus?

Ich glaube, das ist auch der Fall bei den Künstler, die an der Ausstellung teilnehmen werden.

Das waren meine Fragestellungen, aus denen ich das Ausstellungskonzept entwickelt habe – ohne pädagogischen Hintergrund und ohne erhobenen Zeigefinger.

Was verstehst du unter Heimat?

Die Frage ist zu klassisch… Es spielt eigentlich keine Rolle, was ich unter Heimat verstehe, sondern was die Leute in meiner Umgebung darunter verstehen, also die Resonanz meiner „Heimat“ auf mich.

Heimat ist sehr viel mehr, als nur die sprichwörtlichen eigenen vier Wände. Was sie ist, lässt sich aber nicht einfach fassen. Ein Definitionsversuch wäre: Heimat ist die Beziehung zwischen Mensch und Umwelt/Umgebung/Umfeld.

Ist eine Annäherung an den Begriff „Heimat“ Ziel der Ausstellung?

Die Auseinandersetzung mit dem Begriff „Heimat“ ist eines der Ziele dieser Ausstellung. Je bewusster man sich mit diesem Thema auseinandersetzt, desto näher kommt man dem Kern der Frage „Was ist (meine) Heimat?“.

Erst dann kann man sich und die Resonanz seiner Umgebung verstehen.

Die Resonanz seiner Umgebung?

Wir leben in konstanter Kommunikation mit unserer Umgebung! Wenn „Heimat“ die Beziehung ovn mir zu meinem Umfeld ist, dann gilt das ebenso in der umgekehrten Richtung. Wie heißt es so schön: „Wie man in den Wald hinein schreit, so hallt es heraus.” Das ist die Resonanz!

Es ist aber leider auch so, dass manchmal der Wald hallt, ohne dass man hinein geschrieen hat! ;-)

Mit diesem Diskurs, dieser Reflektion und diesen Widersprüche möchten wir uns in dieser Ausstellung befassen. Wir möchten uns und die Besucher der Ausstellung dazu anregen, ein wenig über den Tellerrand hinauszuschauen… sprich: global zu denken (aber ohne denen Nachbarn Schaden zuzufügen).

Man kann natürlich immer jammern, dass man sich irgendwo nicht heimisch fühlt… aber was heißt das in einem globalen Kontext?

Man ist daher gezwungen, sich zu fragen, ob diese Welt unsere Heimat ist…

Es ist auch eine Frage nach unserer Beziehung zur Welt… Wie gehen wir mit unserer Heimat um? Wie gehen wir mit Menschen, Tiere, unsere Umwelt um? Auch dies im globalen Sinne gedacht.

Ist das nicht eigentlich ein Widerspruch – „Heimat“ und „global”? Man verbindet Heimat meist mit einem bestimmten Punkt, einem bestimmten Umfeld. Ich kann mich nur dann in der „Welt“ wohlfühlen, wenn ich diesen „Rückzugsort“ habe?

Es ist gleichzeitig ein Widerspruch und auch nicht… Heimat ist wahrscheinlich immer ein Bezugspunkt – aber es kommt auf die Definition dieses Bezugspunkt an, ist sie nur geografisch gefasst oder umfassender?

Für die Leute, die nicht über den Tellerrand hinausschauen wollen, ist Heimat tatsächlich nur ihre eigenen vier Wänden und der Stadt, in der sie leben, demzufolge ein Widerspruch zu „global“.

Das Verständnis von „Heimat“ sollte aber viel größer sein!

Von einen subjektiven Standpunkt gesehen ist mein Bezugspunkt die Welt! Das heißt, ich will das Recht haben mich grenzenlos zu bewegen und mich irgendwo zuhause zu fühlen… wenn die “Einheimischen” das zulassen. Die Welt ist mein Rückzugsort und wenn das nicht der Fall ist, dann gilt „This world is not my home“.

Das ist das Thema der Ausstellung. Was kann und soll Kunst zu dieser Problematik beitragen?

Kunst kann Brücken schlagen…. sie kann Mauern einreißen… oder einfacher, Kunst kann kommunizieren.

Zum Beispiel die europäische Moderne: Der Einfluss der afrikanischen Kunst auf der europäische Moderne hat - für die, die es verstehen wollten – zu einer großen Verständigung zwischen den Kulturen geführt. Man hat versucht, die Symbolik des anderen zu verstehen. Und so kommt man den anderen näher.

Oder aktueller: Ai Wei Wei, der als Beitrag zur Dokumenta 1001 Chinesen nach Deutschland gebracht hat und zum Austausch zwischen den Kulturen beigetragen. Kann man dem noch viel mehr hinzufügen?

Oder Hans-Ulrich Obrist, der als Wanderkurator durch die Welt geht.

Oder Simon Njami, der mit der „Afrika Remix“-Ausstellung von zeitgenössischer afrikanischen Kunst, praktisch eine Welttournee macht mit Stationen in Düsseldorf, London, Paris, Tokio und Johannesburg.

Das alles kann die Kunst, wenn sie nicht missbraucht wird. Sie kann zu einer besseren Verständigung führen.

Die Zeitgenössische afrikanische Kunst ist ein Thema, auf das ich gerne zurückkommen möchte. Aber zunächst möchte ich ein paar konkretere Fragen zu deinem Ausstellungsprojekt stellen. Was wird in der Ausstellung zu sehen sein?

Wir versuchen, so viele verschiedene Medien der Kunst zu präsentieren wie möglich. Wir wollen weg von der Vorstellung einer reinen „Foto-“ oder „Malerei-Ausstellung“. Auf einer Flächen von 400m2 werden Videos, Installationen, Malerei, Fotografie, Performance… zu sehen sein.

Die meisten Künstler machen neue Arbeiten zu dem Thema, extra für die Ausstellung.

Welche Künstler werden gezeigt?

Die beteiligten Künstler kommen aus verschiedenen Ecken der Welt. Manche leben in Berlin, andere in London, Heidelberg, Barcelona, Prag…

Es gibt Künstler, die in ihren 20ern sind, andere sind in ihren 40ern. Es gibt Autodidakten, es gibt einen Kunstprofessor. Es gibt Frauen und Männer. Manche haben nur in Berlin ausgestellt, andere in New York oder Peking.

Es ist eine breite Palette.

Ziel ist es, 12-15 verschiedene Künstler zu zeigen. Die endgültige Auswahl wird Ende Mai getroffen.

Nach welchen Kriterien wird diese Auswahl getroffen?

Die aussagekräftigsten Arbeiten werden ausgewählt. Es geht dabei nicht um den Künstler, sondern um die Arbeit, um die Kunst.

Einige der Künstler haben schon sehr gute Arbeiten zu dem Thema gemacht. Vielleicht, weil die meisten in einem fremden Land leben, werden sie täglich mit dem Thema „Heimat“ konfrontiert.

Joris Vanpoucke etwa ist Belgier und hat in Südafrika gewohnt. In dieser Zeit hat er viele Arbeiten zum Thema „HOME“ gemacht.

Joris Vanpoucke ……….. Alexander Steffens….Bonaventure S.B.Ndikung

Die Ausstellung wird im bekannten Berliner Kunsthaus Tacheless zu sehen sein. Wie kam es zur Zusammenarbeit mit dem Tacheles?

Weil es zum Thema passt! TACHELES heißt auf Jiddisch „Klartext reden, jemandem seine Meinung sagen“ und auf Hebräisch „ein Ziel verfolgen“ oder „etwas auf den Punkt bringen“.

Das Tacheles mit seiner wechselhaften Geschichte ist ein Inbegriff des Wandels Berlins, aber gleichzeitig auch der Stagnation der Stadt!

Das Tacheles ist ein Ort, wo Künstler leben und Ausstellungen organisieren, aber auch ein Ort, wo „Heimatlose”, Obdachlose manchmal ein wenig Ruhe finden können, ein Ort, der, obwohl dort so viel gemacht wird, keine Unterstützung von der Stadt mehr bekommt… Es ist wie ein Flüchtling in seinem eigenen Land…

Eine Ausstellung über Heimat, Sich-heimisch-fühlen und all den Schwierigkeiten, die damit verbunden sein können, über die wir geredet haben, ist in einer solchen Umgebung besonders spannend/gewinnt in einer solchen Umgebung an Ausdruckskraft….

…to be continued…

Weitere Informationen: www.artou.de und www.soh-bonny.com